10) Brent Smith – 2012:

Creador de Shinedown, a quienes ya les dediqué un post. El hombre que me hace creer que no todo en el rock actual está perdido. Un tenor que de profesión es cantante, quien llega y recorre registros inabarcables por cualquier mortal. Además de su nivel compositivo, su único timbre, el peso de sus letras y su figura como líder espiritual lo conducen a lo más alto en el Olimpo de las mejores voces de los últimos años junto a Myles Kennedy, Chad Kröeger y Chris Robertson. En 2012, la banda lanzó su, hasta ahora, último disco: Amaryllis, en el que lo encuentra en su mejor momento, tanto de salud como vocal. Limpio y sobrio, también puede despacharse con versiones maravillosas de Metallica u Otis Redding.

9) Rod Jackson – 2000:

El gigantesco sujeto que tuvo la desdicha de pasar absolutamente inadvertido en el mundo del rock, es una de las mejores voces del rock. Sin dudas, basta, acá sí que me pongo en dictador y no hay discusión. Por el amor de Dios, lo que cantaba este muchacho cuando le tocó reemplazar al también muy bueno Eric Dover en Slash’s Snakepit, ¡no tiene nombre! Acá encontramos al mejor Slash y acá encontramos a su segundo mejor cantante que durante esa gira, aplastó cuanto público tuviese enfrente. Obviamente ni se compara la gangosidad de Kennedy con la furia de Jackson. Ain’t life grand fue el 2º álbum del hombre de la galera, en el que tuvo la posibilidad de continuar con una verdadera banda y no un invento de supergrupo. Luego de su paso por Snakepit, nunca llegó a tener ni 1/8 de la repercusión que tuvo y hoy lo encuentra enfocado en su proyecto Shady Tree en el que sigue demostrando su enorme caudal vocal. Según sus propias palabras, aquel glorioso grupo se separó porque la novia de Slash, para ese entonces, estaba embarazada, aunque los rumores dicen que la ruptura fue por otros motivos…Una lástima…

8) Michael Kiske – 1993:

Irrumpió en el heavy con tan sólo 19 años y le dio forma junto a Helloween a uno de los géneros más fantásticos: el power metal. Su técnica sentó las bases y germinó la semilla de todo lo que vino después, sin él nunca hubiesen existido los Kotipelto, Lione o, claramente, los Matos. Varios detractores del power lo acusan de ser el culpable de la oleada mágico-épica con magos, espadas, rosas, castillos y guerreros que empalagaron la península escandinava tras la trágica primavera juvenil del black metal y se expandieron desde Alemania hacia todo el mundo. En 1993, la calabaza lanzó su último disco con Kiske en sus filas, Chameleon fue tan distinto a lo que venía haciendo el grupo que fue bastardeado por todas las críticas, la comparación con los Keeper (POR FAVOR ESCUCHEN EL LINK) era difícil de esquivar y, obviamente, nada se le podía (ni podrá) acercar apenas a esas 2 obras maestras de todos los tiempos. Las peleas entre Weikath y él eran cada vez más frecuentes, la lucha de egos y poder consumió lo poco que le quedaba a la relación y al rubio no le quedó otra que irse. Básicamente cambió la forma de cantar, en Unisonic o ayudando en Avantasia se pueden revivir algunos de los momentos dorados junto a Hansen aunque ese calvo ya no sea más aquel blondo pelilargo gritón.

7) Phil Anselmo – 1994:

Determinada formación en determinado tiempo  y determinado lugar. Todo en el momento justo. Así fue Pantera cuando gobernó el mundo desde principios de 1990 hasta 1998, luego llegó el declive musical, un disco que pasó sin ni gloria, la separación, las peleas y la muerte del Mesías metalero. Lo que algunos grupos experimentan en toda su carrera de décadas y décadas, los Fab Four de Texas (aunque Anselmo es de Nueva Orleans) lo vivieron en apenas un puñado de años. Es imposible separar a esta banda, cada una de las partes suman un todo invencible que hoy es una de las leyendas más grandes, tal vez la más grande, en la historia del metal. Phil Anselmo fue apenas 1/4 en un conjunto de talentosos únicos (sí, el castigado Rex Brown también es un animal), digo apenas porque sería injusto decir que su voz era el rasgo fundamental de Pantera ya que sin esa batería, ese bajo o sin Dimebag, toda esa rabia vocal hubiese sido en vano. Este cantante mostró tanto su versatilidad durante los primeros años de Power metal y Cowboys que hoy en día, le pasa factura a sus cuerdas. En 1994, la banda lanzó Far Beyond Driven, un paraíso que intentaba luchar contra la explosión del grunge, las viudas de Cobain, la muerte del glam y Ace of Base. Tal vez no haya superado a Vulgar display of power, pero ese Anselmo tatuado en la cabeza era “Bone, brain and cock” y era metal en estado puro…

6) Axl Rose – 1988:

Si bien los Guns and Roses del ’91, ’92 y ’93 son mágicos, escojo a este Axl, al que en verdad no le importaba absolutamente nada. Un hombre fuera de este mundo con una visión adelantada a lo que había en la época, que tenía la virtud de hacer todo y lo que no podía, la delegaba en los mejores. La vuelta de tuerca que necesitaba el rock se la dio él bien acompañado de Izzy Stradlin y su banda de galácticos. Una voz característica, como nada se había escuchado en ese momento que por momentos se convertía en el sleaze imperante de Mötley pero que a veces explotaba de bronca como el thrash sin dejar de lado a una de sus principales influencias: Dan McCafferty. Un año después del mejor debut de todos los tiempos, destruyeron el paradigma con un concierto asombroso en Ritz que ellos ni deben acordarse de toda la falopa que tenían encima. Axl, una de las mentes más grandes y misteriosas del siglo XX no podía faltar.

5) Bon Scott – 1979:

El chofer de AC/DC cumplió el sueño del pibe y llenó de carisma a la banda más eléctrica de la historia. Uno de los pilares fundamentales para entender el hard rock. Un año antes de su muerte, se despachó y dejó la vida, literalmente, en un disco que si bien se llama Highway to hell, está en el cielo del rock. Siempre vestido de jeans rotos, descubriendo sus tatuajes tumberos (recuerdos de un pasado carcelario) y agitando la melena, frenó la moto del rock e indicó otro camino, con histrionismo y rebeldía. Brian Johnson es poseedor de una de las voces más poderosas del rock, pero así y todo, el hueco que dejó el bueno de Bon, jamás podrá ser reemplazado.

4) Ozzy Osbourne – 1991:

El primero de todos. Allá, a fines de los ’60 mientras los Beatles cantaban “Na na na nananana nananana hey Jude!”, Ozzy y Black Sabbath exploraban los rincones más oscuros del alma y gestaban el monstruo que luego sería conocido como heavy metal. Con los años, siguió haciendo de las suyas convirtiéndose por excelencia en el ícono del género más pesado del rock. Luego de la primera ruptura con Sabbath formó su banda solista ¡y volvió a cambiar el metal! Tras unos ’80 furiosos de la mano de Randy Rhoads y Jake E. Lee llegó a 1991 en la puerta de los vientos de cambio. La transición musical no le pesó y de la galera, como un mago sacando una paloma, él se la comió, la escupió, Zakk Wylde procesó el resto y salió No more tears, el disco que sirve para entender cuál era la manera de rockear adaptándose a la época. Si bien nunca se caracterizó por sus registros ni su técnica, su carisma, su talento individual (y el que le hace rodearse de los mejores, siempre) y su influencia, lo colocan entre los más grandes de todos los tiempos.

3) Rob Halford – 1991:

No existe una voz que haya mutado tanto en el tiempo, que se haya perfeccionado de este modo como la del hombre de Judas Priest. Desde el Halford que cantaba en sus inicios “Never satisfied” al que hoy en día mantiene su profesionalismo y seriedad, hay un abismo de distancia. De hecho, debe ser el único en esta lista que se mantuvo absolutamente respetable en el tiempo, con pocos vaivenes en sus cuerdas. Aquel joven que recién comenzaba en la oleada emergente de algo que hasta ese momento se podía definir, buscaba e intentaba matices que ningún otro cantante había explorado. La llave para entrar en el camino hacia la leyenda la encontró en Stained Class, a fines de los ’70. Durante el Painkiller tour de 1991, un año después del lanzamiento del álbum, Halford arremetía en todos los temas, explotaba de talento, contagiado por el acompañamiento perfecto que tenía. Eran épocas doradas…

2) Sebastian Bach - 1992:

El “pretty boy” canadiense del hard rock. Baz llegó a Skid Row y lo hizo conocido. Si bien sólo ha grabado 3 discos, 1 ep y compuesto menos del 10% de su repertorio fue tal el impacto que tuvo que sin él, la banda nunca más llegó a ser ni la décima parte de lo que fue pese a la enorme capacidad del dúo Sabo-Hill y Bolan. Luego de un debut asombroso y único con todos los chiches que se pedían para esa época (el temita para agitar, la balada romántica y el que hablaba de cosas que le podían pasar a cualquier adolescente que andaba desviado), a Bach se lo veía hasta cuando tiraban la cadena del inodoro; su voz y su apariencia eran el blanco de todos. Para 1992, la gira de Slave to the Grind (1991) lo llevó de gira por todo el mundo, le dieron más cabida a nivel compositivo, no paró de cantar ni un segundo y su hegemonía se evidenció: los medios lo querían porque era sinónimo de ventas escandalosas, las mujeres lo querían porque se ponían cachondas con él y los hombres lo amaban porque era el metalero que todos querían ser. Los únicos que no lo soportaban eran sus compañeros de banda, aguantaron unos años más y le hicieron la gran Mickey Mouse…andate para tu house (!). Hoy anda de banda en banda como invitado, continúa como solista y molesta en cuanto programa puede, pidiendo por la reunión de Skid Row, cosa que ojalá no ocurra nunca. Quedémonos con lo que fue:

1) Bruce Dickinson – 1988:

El mejor de todos en la mejor banda de todas. En 1981 desembarcó en Iron Maiden y tiñó con más cultura y versatilidad a los distintos del metal. Su alto registro, su incansable movimiento en el escenario y la precisión para la composición (demostrada en “Revelations”) hicieron de Bruce un ídolo en nacimiento que de a poco fue poniéndose al hombro, creyéndose el papel de leyenda. De profesión piloto, novelista, esgrimista, empresario y mucho más, divide sus tiempos entre Maiden y sus profesiones o hobbies. Tras el sacudón vocal que había significado Live after Death de 1985 (muchos le atribuyen su bajo desempeño a un problema en la voz que había sufrido), en 1988 llegó la hora de su mejor álbum, el único conceptual y en el que marcó el rumbo para el metal tras la oleada glam del Sunset Blvd. Cuando se creía que Somewhere in time nunca iba a ser superado, apareció esta maravilla. Fue el año del histórico Monsters of Rock junto a Kiss, Guns and Roses, Helloween y Megadeth, el año en que grabaron “Can I play with madness?” junto al director de Brazil, Terry Gilliam y al genio de Monty Python, Graham Chapman y el año de Maiden England, una demostración de la genialidad que pueden alcanzar algunas mentes humanas:

BONUS TRACK:

Stevie Ray Vaughan – SIEMPRE:

@AlejoBernasconi

Es uno de los tantos artistas que comenzó por el fracaso, cuando a mediados de los ’80 no fue aceptado en Poison por su estética. Su “venganza” llegaría años más tarde al cruzar a CC DeVille (guitarrista de la banda de Bret Michaels) en un festival. El blondo violero llevaba una galera, adorno característico de Slash, que enloqueció al por entonces músico de los Guns, él mismo afirma que le dijo: “¡Sacátela! y si te veo de vuelta con esto puesto, ¡te cago a trompadas!”. Años más tarde, con los Guns empezó a convertirse en la leyenda que hoy es, comenzó su gloria.

El haber oído todos y cada uno de los temas en los que participó Slash, desde sus comienzos en GNR, hasta lo último con The Conspirators, pasando por sus participaciones con Michael Jackson, Lenny Kravitz y sus maravillosas composiciones bluseras como solista, hacen que haya generado cierto sentido crítico para hablar de él. Él ganó millones de dólares y yo ninguno, él llenó cientos de estadios y yo ninguno, por lo que, ¿le molestará lo que un simple seguidor critique de él? No lo creo, tal vez le afecte a algún fan suyo, pero hay que tomarlo como de quien viene. Me encanta Slash y toda su música, bah, en verdad toda no. Desde Velvet Revolver que sus composiciones no me llegan ni llenan, las siento vacías de contenido, quizás se deba a que espero muchísimo más de él. Obvio, hay canciones buenas de la última época como “Sucker Train Blues” o “Nothing to say” con M Shadows de Avenged Sevenfold, pero son las menos.

Su banda solista no logra gustarme ni un poco, si bien el morocho quiere seguir experimentando nuevas composiciones, (como en el caso de “Anastasia”, con melodías cercanas al power metal), no puede llegarle ni a los talones a su mejor momento. Myles Kennedy puede cantar muy lindo, ser facherito, todo lo que quieran, pero está muuuy lejos de ser un rockstar, a mi parecer es muy gritoncito y es algo que le juega en contra a Slash. Juega en el límite de Axl Rose y Scott Weiland y no termina siendo ninguno de los dos (sino escuchen “One last thrill”). Esos agudos son inescuchables, fuera de lugar absolutamente, de más, los agudos de Axl eran (sí, eran) más rasposos, sucios, perfectamente complementarios a los riffs del hombre de la galera, no tan “limpios” como los de Kennedy, más cerca de géneros como el que practica su banda, Alter Bridge. Para argumentar lo dicho les dejo aquí las versiones de “Rocket Queen” por Axl Rose y por Myles Kennedy, escuchar a este último en el final de la canción es como oír un gato al que le apretaron los testículos.

Si me preguntan a mí por el mejor Slash, no dudo, no vacilo, ni el de “Out ta get me” ni el de “Bad Obsession”, ni el de “Patience”, mucho menos el de “November Rain” (canción que me aburre si las hay). Este sujeto se mantuvo en el cielo con Slash’s Snakepit, su mejor banda. Una seguidilla de rockazos, uno detrás de otro, sinceridad absoluta, canciones simples, nada de dobles sentidos ni cosas rebuscadas que no llevan a ningún lado: Riff, estrofa, estribillo, solo, no necesito nada más, el hard rock puro no necesita más que eso. Obras como “Good to be alive”, “I hate everybody (but you)”, “Back to the moment”, “Beggars and hangers on”, “Been there lately” o “The Alien” tendrían que ser clásicos, pero que por asuntos comerciales y marketineros nunca trascendieron. Dos discos que me dejaron con ganas de mucho más, una segunda formación asesina, con la voz de Rod Jackson, uno de los 5 mejores cantantes en la historia del hard rock (si piensan que exagero los invito a escucharlo) y el fantástico apoyo rítmico por Ryan Roxie en el primer caso y Keri Kelli más tarde. En esta etapa daba la sensación que Slash se sentaba en el inodoro y creaba genialidades, como que todo era demasiado fácil y simple para él. Pero lo bueno dura poco.

¿Hace falta decir cuándo conoció el infierno? Sí, porque algunos fans que lo tienen como EL MEJOR GUITARRISTA DEL MUNDO parece que se olvidan. ¿Qué de rockero tiene tocar con Paulina Rubio, Fergie, Martha Sánchez y Rihanna? Por favor, si alguien lo sabe que me lo haga llegar a mondorock@infobae.com o por Twitter, porque lo de “artista versátil” no me va, no creo que sea para ganar dinero y si quiere fines sexuales con dichas figuras femeninas no le haría falta grabar una canción (también se lo vio junto a Justin Bieber en una ocasión pero condenarlo sería un poco retrógado, un saludo no se le niega a nadie). Tal vez sea muy fatalista, pero me parecen participaciones nefastas que restan. Él es libre, puede hacer lo que quiera, ¡por supuesto que sí! Sino me convierto en uno de esos fanáticos ortodoxos enceguecidos (tengo que escribir sobre estos sujetos algun día) que condenan a los que no piensan como ellos, pero así como él está en su derecho de ponerse a tocar con personalidades vomitivas para el mundo de la música, yo estoy en el mío de criticarlo por ello, sin dejar de lado mi admiración por todo lo bueno que hizo antes. Repito, no me vengan con que “demuestra que es un verdadero músico porque toca varios géneros” porque para eso que toque con Los Wachiturros y vamos a ver cuántos lo defienden. En una de esas Paulina Rubio y le preguntó “¿venís a tocar un tema conmigo?” haciéndole pucherito…imposible decirle que no, seamos sinceros. ¿Tiene algo de malo? Y…a mi no me gusta para nada, pero Slash no se debe a sus seguidores, ni a Axl Rose ni a Izzy Stradlin, se debe a sí mismo, todo lo que consiguió se lo ganó solito. Creo que por ese lado viene la mano, Slash toca porque ama la música, no le hace asco a casi nada y menos aún le importa el qué dirán, pero algo está en claro, NO es el mejor del planeta.

Como ya les dije, Slash me producía una frustración musical detrás de otra y encima se juntaba a tocar con estas muchachas, hasta que este año me cerró la boca para siempre, volviéndose a ganar el cielo. Horas después de La Tragedia de Once, publicó, en su Twitter y Facebook oficiales, sus condolencias por las víctimas fatales saludando a todo el pueblo argentino, sin ningún tipo de necesidad de hacerlo. No lo conozco, pero calculo que eso habla excelentemente bien de la calidad de persona que es más allá de mis diferencias a la hora de escucharlo. Me gusta tener así a los artistas ni subirlos a un pedestal ni defenestrarlos, tratarlos como lo que son, seres humanos, con errores y aciertos, destacando lo que hacen bien pero también lo que siento que hacen mal, por más que sean mis músicos favoritos.  Así lo veo a Slash, un terrenal que se bate a duelo con él mismo entre el cielo y el infierno.

Nunca me llevé bien con los supergrupos, de hecho el único que me gusta en serio es Traveling Wilburys, ese manjar de músicos integrado por Dylan, Petty, Harrison, Lynne y el ENORME Roy Orbison (Del Shannon estuvo a punto de integrar el quinteto tras el fallecimiento de The Big O).  Todos los demás me parecen tremendamente superfluos, innecesarios y muy poco sinceros. A mi no me interesaría ver, por ponerles un caso hipotético, al cantante de Scorpions, con el baterista de KISS, el bajista de Def Leppard y el guitarrista de Black Sabbath, claro que no me gustaría. Sí, sería lindo desde el punto de vista de”wow, grosso, todos esos tipos juntitos haciendo música”, todo lo que ustedes quieran, pero no nos mintamos: es mejor ver a Scorpions por un lado y a Sabbath por otro.

Contraband, el proyecto de Tracii Guns y Michael Schenker

Tenemos que hacer una clara diferencia entre aquellos grupos que son producto de la unión entre artistas mundialmente conocidos (por ejemplo Audioslave, formada por ex integrantes de Rage Against The Machine y Chris Cornell, de Soundgarden y el otro supergrupo Temple of the Dog), las otras agrupaciones ya consolidadas que incorporan en sus filas a músicos preponderantes para la escena (como es el caso de Steve Vai en Whitesnake, Gary Cherone en Van Halen, Glenn Hughes en Black Sabbath) y los conjuntos reconocidos que una vez separados, los integrantes forman nuevas bandas (aquí podríamos apuntar a Soulfly, Hellyeah o Down). Estas pueden ser consideradas “Superbandas” pero el primer caso es el que más se ajusta al concepto, ahondemos un poco más en el asunto y focalicemos distintos ejemplos.

Neurotic Outsiders: Sorum (GNR), Taylor (Duran Duran), Jones (Sex Pistols), McKagan (GNR)

Hay un sinfín de bandas con estas características, por nombrarles algunas nada más, me refiero a Chickenfoot, que nació en 2008 y en la que tocan el virtuoso guitarrista Joe Satriani, el baterista de RHCP Chad Smith, Michael Anthony y Sammy Hagar (estos últimos ex Van Halen). Una propuesta impecable desde el punto musical pero carente de sentimientos, lo mismo me ocurre con Black Country Communion, donde están Joe Bonamassa (la guitarra sensación del blues actual), Glenn Hughes en voces y bajo, Jason, el hijo de Bonzo, Bonham en batería y Derek Sherinian en teclados. ¿Buenos músicos? Obvio ¿Buena música? Por supuesto ¿Gustan? Mmmm.

El mayor fracaso de una superbanda se dio a mediados de la década pasada cuando el canal VH1 decidió armar un Reality Show agrupando a distintos estandartes, y otros no tanto, de la música heavy para establecerlos en un conjunto. “Supergroup” se llamó el programa que desde el vamos fue una infinidad de escándalos (armados o no) entre los integrantes que vivían en una mansión en Las Vegas. Allí participó el guitarrista Ted Nugent (que también integró el supergrupo Damn Yankees), Sebastian Bach (la excelentísima voz que tuvo Skid Row y Madame X), Jason Bonham (famoso por haber tocad…ejem, por ser “el hijo de”), Scott Ian de Anthrax y Evan Seinfeld, líder de Bio Hazard que con el tiempo se fue alejando de la música para dedicarse por completo a su otra gran pasión: La industria pornográfica. Uno ve esta lista de individuos y, a priori, se ilusiona, cualquier proyecto en el que cante Bach me entusiasma, pero lo cierto es que el ciclo fue un bochorno. Una pelea detrás de otra, el manager Doc McGhee (quien trabajó con Mötley Crüe, Bon Jovi y KISS, entre otros) nunca pudo llevarlos a buen puerto. Para elegir el nombre del proyecto, que terminó siendo Damnocracy, estuvieron como 50 capítulos (exagero, claramente no duró tanto). Hasta llegaron a haber golpes de puño entre ellos. El programa terminó, se grabó una sola canción original, se presentaron una sola vez en vivo y nunca sacaron disco.

El caso Velvet Revolver me genera muchísimas opiniones encontradas. En su momento, cuando aparecieron, mi satisfacción al escucharlos era inmensa pero me dí cuenta que se dio en una época en la cual aquellos que amamos el hard rock estábamos totalmente necesitados de algo que no sea Ñu Metal, sobre todo porque la oleada rockera sueca aun no había llegado por estos pagos. Entonces al pegarle las primeras oídas al disco Contraband pensé que esos cinco muchachos venían a salvar el rock. Las dos presentaciones en Buenos Aires fueron magníficas, la química entre Slash y Scott Weilland era fantástica, el dúo Duff McKagan – Matt Sorum se conoce de memoria y la base del único “ignoto” Dave Kushner era justa. Con el tiempo me di cuenta que era un oasis, que no hacían nada del otro mundo, tal como se demostró en Libertad, una placa que pasó sin pena ni gloria. Me di cuenta que el bosque me había tapado el árbol.

Algunas me agradan más que otras, como el caso de los Brides of Destruction o Contraband, proyectos de Tracii Guns (guitarrista de L.A. Guns) junto a Nikki Sixx de Mötley en los Brides y acompañado de Michael Schenker (MSG, UFO y Scorpions), Bobby Blotzer (baterista de RATT), Share Pedersen (bajista de Vixen) y Richard Black (voz de Shark Island) en el segundo ejemplo. El dream team del power metal, Avantasia, también tiene muy buenas composiciones y grandes discos, pero Unisonic (formada por los ex Helloween Kai Hansen y Michael Kiske) no me gusta para nada, seguramente porque tengo el chip incorporado del Keeper of the Seven Keys.

Pero sin lugar a dudas el mejor proyecto lo tuvo Slash. A mediados de los ’90 creó un “Supergrupo” junto al cantante Eric Dover, el bajista Mike Inez y los ex Guns and Roses Matt Sorum y Gilby Clarke al que llamó Slash’s Snakepit. Una banda que merece un post aparte, sobre todo porque la segunda formación es la gestora de uno de los mejores discos en la historia del hard rock, Ain’t life grand. Precisamente esta alineación es totalmente distinta a la primera, el morocho es el único que continúa, obvio y se le suma Keri Kelli, un virtuoso guitarrista que lideró Big Bang Babies a principios de los ’90 y que luego pasó a formar las filas de Alice Cooper, Warrant y Pretty Boy Floyd.

Otro caso particular es el del Ozzy Osbourne de No more tears. El príncipe de las tinieblas en la voz, un purrete Zakk Wylde en guitarras, Bob Daisley en el bajo (aunque es Mike Inez el que figura) y Randy Castillo en batería. Aquí, vemos un claro ejemplo del tercer caso. Músicos que en ese momento no eran tan reconocidos (salvo Ozzy), pero que con el tiempo se fueron convirtiendo en leyendas.

Mejor dicho, no es que no me llevo bien con los supergrupos, lo que me causa una total apatía es leer-escuchar, opiniones de aquellos que piensan que dichos conjuntos “son lo más grande que hay”. No, son bandas buenas y punto, no las agrandemos más de lo lógico. Sí, claro que todas van a ser escuchadas y prefiero comprarme un disco de Velvet Revolver que oír media canción de La Mancha de Rolando. De eso se trata, de agrupaciones que se juntan para pasar el rato, por eso si duran más de tres álbumes es un milagro, la lucha de egos y las responsabilidades sean los factores, en una de esas. Pero algo tengo en claro, son bandas del montón.