La historia sucede en el condado de Durham, nordeste de Inglaterra, durante la huelga de mineros de 1984: la más larga de la historia británica, bajo el mandato de la dama de hierro, Margaret Thatcher. En ese momento, en todo el mundo el neoliberalismo intentaba desregular el trabajo y someter a los sindicatos.

En dicho entorno, Billy,  huérfano de madre, vive con su abuela, su padre Jackie y su hermano Tony, ambos mineros y activistas gremiales.

Jackie envía a Billy a clases de boxeo, pero éste no se destaca ni disfruta de tal deporte.

En el mismo club al cual asiste se dan clases de ballet. Por pura curiosidad, y para espiar a las niñas en tutú, Billy se cuela en una de ellas. La profesora lo descubre y lo incluye con naturalidad, sin ver su actitud como reprensible. El ballet es un mundo totalmente desconocido para Billy, que a pesar de todos los tabúes que lo rodean, descubre que tiene talento y puede expresar sus sentimientos a través de su cuerpo, algo inaudito y maravilloso a la vez. A espaldas de su padre, Billy deja el boxeo y comienza a asistir a ballet.

Su profesor del gimnasio va a la casa de Billy a contarle a Jackie que su hijo no está asistiendo al ring, ante lo cual el padre enfurece y encara al niño. Billy confiesa que en cambio se dedica a la danza clásica, pero no se arrepiente. Por supuesto que –dadas las circunstancias sociales y el machismo de ese espacio social– Jackie no entiende la pasión de su hijo y mucho menos la acepta. Desde su punto de vista, el ballet no tiene sentido, es cosa de mujeres.
Enfrentando al entorno hostil y pesar de sus once años –con seguridad digna de un adulto– Billy se reafirma. Invierte todo su esfuerzo en seguir adelante con la danza y tiene el apoyo absoluto de su profesora.

La decisión del niño, al hacerse pública, genera múltiples reacciones y la película comienza a abrirse en muchos planos diferentes, que son tratados son verdadera maestría por el director Stephen Daldry (Las Horas, El Lector, Tan fuerte y tan cerca). Cada personaje tiene una individualidad rica y marcada, incluyendo a los secundarios. El espectador se identifica con cada uno de ellos, sin tomar partido. Cada posición está justificada y excelentemente interpretada.

En su sencillez es uno de los films más impactantes, emotivos y bien logrados que he visto. Tiene, además, una banda sonora (de la que ya hablé en otra nota) que acompaña a la perfección. Recomiendo que descubran la resolución de esta historia por sí mismos. Creo que, con profundidad y humorismo, cierra exitosamente la carga de emotividad que transmite.

El triunfo de una lucha por la propia identidad.

¿Me quiere o no me quiere? Esa detestable margarita que imaginamos cada vez que nos interesa alguien, la misma que nos dirá si ese amor es correspondido o no… Cuántas veces nos sentamos horas, semanas y a veces meses pensando en ese amor que nos quita el sueño, y cuando creemos que al fin logramos superar el asunto nos vuelve su imagen como un boomerang ¿Cómo llegamos a ese patético sentimiento? Es lo que Xavier Dolan intenta mostrarnos en su segunda película: Les Amours Imaginaires (Los amores imaginarios).

Dolan es un director, guionista, productor y actor canadiense de tan solo 23 años.
En el año 2009 escribió y dirigió su primera película: J’ai tué ma mère (Yo maté a mi madre) que ganó tres premios en el Festival de Cannes. La película es en parte autobiográfica y en parte fantasía, y trata de un joven homosexual y los problemas que genera su condición en la relación con su madre.

Los Amores Imaginarios es un film que hace que el espectador se identifique con cada una, o con al menos una, de las historias que allí se presentan. Nos muestra la otra cara de la moneda, el otro lado del amor ¿Quién dijo que el enamoramiento es magia, mariposas en la panza y una dulce fantasía? parafraseando a Tito El Bambino (perdón por el mal gusto, jaja). Debo decirles, queridos míos, que en general es un estado de ansiedad, angustia, a veces depresión, insomnio y mucho dolor de cabeza.

La historia central del film es un triángulo amoroso entre dos amigos muy cercanos, Marie y Francis, que se enamoran de un mismo hombre. Ellos se ven obligados a luchar el uno contra el otro para conquistar el corazón de Nicolas, un joven Adonis, el David renacentista de Miguel Ángel, el Dorian Grey de Oscar Wilde. Esta sutil lucha los llevará por un camino de rivalidad, confusión, fantasía y angustia. Nico refleja ese objeto del deseo, la persona inalcanzable; un ser hedonista que goza siendo el centro de atención y para lograrlo no tiene compasión por los sentimientos de los demás.

En la película los diálogos no son lo esencial: los silencios, las miradas y el cuerpo de los protagonistas comunican, y el espectador va construyendo el sentido a partir de lo que interpreta de esos signos.

Sorprende que la película, realizada por alguien tan joven, esté perfectamente lograda: la fotografía es hermosa y colorida, las tomas son prolijísimas y la música y el uso de cámara lenta nos sumergen en un ambiente casi surreal, como si estuviésemos nosotros fantaseando esta historia.

Por último podríamos resaltar los variados testimonios de “gente común” que se presentan en el transcurso de esta historia. Estos relatos reflejan lo cotidiano del desamor. Lo maravilloso es que podrían ser nuestros propios relatos, nuestras experiencias, nuestros desamores. No podemos evitar empatizar con todas o al menos algunas de estas pobres víctimas de abandono o amor no correspondido.

1. Christopher Walken en Weapon of Choice de Fatboy Slim

En una conversación con el director Spike Jonze, Walken comentó que sabía bailar muy bien y que le encantaría hacerlo en alguna producción antes de ponerse demasiado viejo, a Jonze se le prendió la lamparita y realizó este ingenioso video, ganador de seis premios MTV, para su amigo Norman Quentin Cook, más conocido como Fatboy Slim.

http://www.youtube.com/watch?v=Y6MT20SW9Z0

2. Christina Richie y Fairuza Balk en Natural Blues de Moby

En la versión no animada de este tema, dirigida por David LaChapelle, podemos ver a estas hermosas y extrañas señoritas: una como la novia de Moby y la otra como un blanquísimo ángel. Esta obra fue galardonada como Mejor Video del Año en los MTV Europe Music Awards del 2000.

3. Sarah Michelle Geller en Sour Girl de Stone Temple Pilots

Sarah Michelle, a la que muchos conocemos con Buffy, la cazavampiros, protagoniza este videoclip junto al cantante de STP, Scott Weiland. Está dirigido por David Slade y las imágenes son macabras y a la vez inocentes.

4. Aaron Johnson en Überlin de REM

Algunos conocemos a este muchacho como el nerd que se convierte en superhéroe en Kick-Ass o como un joven John Lennon en la película Nowhere Boy dirigida por Sam Taylor, quien también dirige este videoclip.

Vale la pena mencionar que la directora está casada con el actor, 23 años más joven que ella (generalmente vemos el caso contrario). Gracias a Sam podemos ver Johnson bailando de manera muy peculiar y divertida.

5. Zooey Deschanel en She’s Got Issues de The Offspring

Una jovencísima y punky Zooey nos sorprende con sus alucinaciones caricaturísticas psicodélicas y nos hace perdernos en sus enormes ojos azules.

6. Angelina Jolie en Anybody Seen My Baby de The Rolling Stones

A esta sensual mujer todo le queda de maravilla y, en mi opinión, está en su mejor momento: con la cabeza rapada y sus curvas bien definidas por un corsé perlado.

7. Alicia Silverstone y Liv Tyler en Crazy de Aerosmith

Hablando de señoritas sensuales, oh los gloriosos 90… Liv, la hija de Steven Tyler, y Alicia habrán hecho infartar a más de uno con este video.

8. Makaulay Culkin en Sunday de Sonic Youth

Después del rotundo éxito en su niñez y su desaparición de los medios durante años, Makaulay reaparece con su novia en situaciones cándidas para este video.

9. Samantha Morton en Electrical Storm de U2

Después de haber actuado de precog en Minority Report, Samantha vuelve de la mano de Anton Corbijn como director, encarnando a una sirena enamorada de un humano.

10. Aaron Paul en Toughless de Korn

Antes de ser mundialmente reconocido como Jesse Pinkman de Breaking Bad, este joven había hecho papeles pequeños en muchísimas series y protagonizado este video de Korn en el que es hostigado y maltratado por sus compañeros. Podría decirse que tuvo su dulce venganza…

Bonus: Me despido con We Are All Made of Stars de Moby, en el que verán varias caras conocidas como Sean Bean, Thora Birch y Leelee Sobieski… podría ser con Say It Isn’t So de Bon Jovi, pero éste me gusta más ¡Que lo disfruten!

Aquí va un top 5 de mis favoritas:

TWIN PEAKS 

La música de Angelo Badalamenti nos sumerge en una paz absoluta a medida que vamos recorriendo el pueblo de Twin Peaks, sus bosques, el aserradero, el río y las cascadas. Si bien la melodía es bastante tranquilizante, al mismo tiempo se torna misteriosa. Es difícil adivinar de qué trata la serie con solo ver su presentación.

Badalamenti cuenta que, cuando se reunió con David Lynch, el director de la serie, para crear la música, le preguntó “¿Qué ves?” a lo que Lynch respondió “Estamos en un oscuro bosque. Hay una suave brisa que sopla a través de unos árboles sicomoros. Está la luna y se oyen sonidos de animales de fondo. También se oye el ruido de una lechuza y estás en el bosque oscuro. Llévame a esa preciosa oscuridad con esa suave brisa.”

El resultado de este trabajo creativo puede apreciarse en toda la banda sonora de esta maravillosa serie de culto.

TRUE BLOOD

La presentación muestra imágenes, que parecen ser de archivo, del pueblito llamado Bon Temps, en el norte de Louisiana, donde se desarrolla la serie. La canción Bad Things  de Jace Everett es extremadamente sensual y hace contraste con las imágenes de rituales religiosos, cabezas de cocodrilo y el desolador paisaje del pantano. La estética de la presentación similar a lo que se ve en una pantalla de cine, como material fílmico, con quemaduras de proyección y unos colores que nos hacen acordar a las películas gore.

Esta intro imitaba a la perfección el ambiente de las primeras temporadas, después la serie derrapó y se convirtió en la típica historia vampírica de dramática un tanto adolescente, algo que al principio venía evitando, cuando nos daba la satisfacción de volver a ver vampiros sanguinarios de la vieja escuela.

SIX FEET UNDER 

No es casualidad que esta serie fuera creada por Alan Ball, el mismo que hizo True Blood. Tampoco que haya sido dirigida por Rodrigo García, el exitoso realizador de Con solo mirarte y la serie In Treatment, recientemente adaptada para la Argentina.

El tema principal de la serie, compuesto por Thomas Newman, ganó el Emmy ala Mejorcomposición musical en series y dos Premios Grammy en 2003.

La intro muestra planos detalle que anticipan la temática, que gira alrededor de la vida de una familia de funebreros y las historias ligadas a sus sucesivos “clientes”.

La fotografía de la presentación es bella y a la vez macabra.

HOUSE

La intro de la serie tiene una curiosidad que solo ha sido advertida por algunos fanáticos. House cuenta con tres diferentes melodías según la región en la que es transmitida: Estados Unidos, Europa o América Latina y Asia. Esta singularidad se debe aparentemente a derechos de autor. El tema original que se escuchaba en Estados Unidos, Teardrop de Massive Attack, ha sido modificado para las otras dos regiones (en el video que van a ver a continuación, nuestra versión es la segunda, la misma que utilizan en Singapur).

La presentación es corta y concisa, muestra a los personajes y los escenarios, con los créditos sobreimpresos en imágenes que imitan radiografías y viejas láminas de libros de anatomía.

http://www.youtube.com/watch?NR=1&v=x5i5ERDE_2E&feature=endscreen

CSI

The Who musicaliza las intros de las tres versiones de CSI. Mi preferida es la original: CSI (Las Vegas) con la canción Who are you? que a todos los fanáticos de esta serie, “aprendices de forenses”, nos llena de adrenalina.

La presentación de la serie fue cambiando y se actualizó a lo largo de sus exitosas trece temporadas. Siempre tuvo efectos especiales innovadores como el recorrido de una bala por dentro del cuerpo humano y otros recursos que han sido incorporados en muchas de las tantas series del género que surgieron después.

Considerando que la televisión es muchas veces tomada como un género menor respecto del cine, es bueno que muchas de las producciones que venimos disfrutando hace algunos años tengan una estética que tenga poco que envidiarle a su hermano mayor. El hecho de que grandes directores como David Lynch o Rodrigo García se involucren en series nos da la pauta del peso que tienen este tipo de proyectos.

Así transcurrieron cuatro años en los que las desventuras del grupo de náufragos me fueron indiferentes.

Matthew Fox, Evangeline Lilly, Josh Holloway y Dominic Monaghan

Un día haciendo zapping (cuando, para variar, había poco y nada para ver en la tele) caí sobre un capítulo de la primera temporada que me agarró como chicle a una suela de zapato en día de verano. Intenté seguir mi recorrido por los otros canales, pero daba la vuelta y volvía a caer en la trampa mortal de AXN. Cuando vi que ya no tenía escapatoria, apagué la tele, porque detesto ver películas y series empezadas. Sin embargo, el virus Lost ya había entrado a mi sistema, esa misma noche conseguí la primera temporada y me comí los 5 primeros capítulos seguidos. Al cabo de un mes ya me había visto dos temporadas y media (la mejor parte de esta serie) y, finalmente, vi los capítulos de la última temporada en simultáneo con los sufridos fanáticos de la primera hora.

Lost es una serie que logró captar la atención de su público desde su originalidad y sus personajes excéntricos, misteriosos y con garra. El suspenso te mantenía al borde del asiento y era casi imposible que resistieras la tentación de ver el siguiente capítulo. Durante las dos primeras temporadas, la trama funcionaba como en una novela policial: todo pasaba por algo, cada detalle tenía un significado y una explicación coherente. A partir de la tercera, la serie comenzó a decaer y quedaron muchos elementos sin justificar. Como sucede varias veces con proyectos televisivos y cinematográficos masivos, esta producción podría haber terminado, con gloria, en la tercera temporada. Pero sabemos que, para todos los involucrados en un proyecto tan exitoso, es difícil matar a la gallina de los huevos de oro.
Soy parte de los muchos que, lamentablemente, nos desilusionamos con el final, aunque tengo que confesar que una vez que la empecé fue imposible dejarla.

Mi segunda experiencia de este tipo fue con una serie que había enloquecido a mi mamá. Como nos pasa a todos los hijos, miré con escepticismo el entusiasmo de mi progenitora e ignoré su recomendación. Al poco tiempo, una de mis mejores amigas, con la que coincido casi siempre en gustos televisivos, me empezó a taladrar la cabeza con que viera la misma serie: Breaking Bad, la historia de un subestimado profesor de química que se convierte en el rey de la metanfetamina. Cada vez que veía a mi amiga, me preguntaba amenazante “¿Ya viste Breaking Bad?” como si no hubiese hecho la tarea.

Aaron Paul y Bryan Cranston

Había escuchado inclusive que la trama de esta serie se ponía cada vez mejor y que cada temporada era más intensa que la anterior. Me negué a verla, de todos modos, casi por dos años. No sé si por miedo a que me provocara adicción (valga el comentario) o a que en realidad me desilusionara, por las expectativas que sus fans me habían generado.

Finalmente me animé a mirar el primer capítulo, intenté verlo cinco veces sin éxito, me dispersaba, me ponía a hacer otras cosas y no prestaba atención, hasta que por fin llegué al final y ahí me pasó me pasó lo mismo que antes: me vi los cuatro primeros capítulos de un saque. Y una vez más, no pude parar.

Breaking Bad se destaca por la riqueza de los personajes, no solo los principales, si no también los de reparto. Todos y cada uno de ellos están perfectamente construidos. Uno cree que tiene a alguno descifrado y de repente hace un giro en dirección opuesta. Alguien a quien en principio odiábamos se convierte en nuestro favorito…

Desde el punto de vista estético y artístico esta serie rompe con todo lo convencional para el género y se convierte en un producto más bien cinematográfico. Cada capítulo es una obra de arte, exquisitamente musicalizado, con puestas de cámara innovadoras. Hasta los capítulos de relleno son excelentes.

Breaking Bad acaba de terminar su quinta temporada. En principio se creía que no iba a salir una sexta pero ya está anunciado que la historia continuará.

La película Billy Elliot está perfectamente musicalizada de principio a fin. Desde los temas enérgicos como London Calling de The Clash y a Town Called Malice de The Jam, hasta los temas suaves y apaciguadores como Cosmic Dancer de T-Rex.

Una de mis escenas preferidas, en cuanto a la elección de la música, es en la que va la profesora de danza a hablar con el padre de Billy y comienzan a discutir acaloradamente, Billy queda loco de ira y se escapa bailando por la calles, descargando la bronca, saltando muros y tirando abajo puertas.

Otras dos son; en la introducción, cuando Billy salta sobre su cama al son de Cosmic Dancer y, la segunda, Cuando baila I love to boogie. Las últimas dos canciones son de T-Rex.

Lamentablemente estas escenas tienen derechos de autor, así que no las puedo mostrar. Para consuelo aquí van los temas.

Full Monty (Todo o Nada) nos contagia las ganas de bailar sexy con el tema Sexy Thing de Hot Chocolate y quién podría olvidar la escena de la cola del banco, cuando comienza a sonar Hot Stuff de Donna Summer y los muchachos no pueden evitar ensayar los pasos de baile.

Una introducción que me derrite el corazón es la de Philadephia, con el temazo Streets of Philadelphia de Bruce Springsteen. Esta canción me estremece, la asocio inmediatamente con la película, me produce una profunda angustia y me emociona.

Million Dollar Hotel es una película dirigida por Wim Wenders y está musicalizada por Bono y Brian Eno entre otros, creando una atmósfera muy calma. Pero hay un tema que rompe con esta atmósfera: en la escena en que el protagonista comienza a hacer payasadas usando un casco de boxeador. La canción es un cover Anarchy in the UK de The Sex Pistols.

Y para despedirme los dejo con una melodía épica: me refiero al tema de 2001: Odisea del Espacio.

http://www.youtube.com/watch?v=cWnmCu3U09w

¡Que disfruten!

Fight Club (El club de la pelea) dirigida por David Fincher y musicalizada por varios artistas, entre ellos Pixies y su tema Where is my mind? que aparece en la escena final cuando todo comienza a explotar. Es un tema perfecto para el climax de esta película.

Velvet Goldmine, dirigida por Todd Haynes y musicalizada por Carter Burwell en colaboración con varios músicos; entre ellos Placebo y Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead. Este soundtrack tiene casi lo mejorcito del glam rock británico.

Blade Runner, dirigida por Ridley Scott y musicalizada íntegramente por Vangelis.

Trainspotting, dirigida por Danny Boyle y musicalizada por varios artistas como por ejemplo Brian Eno, Iggy Pop, Lou Reed y New Order.

Otro genio a la hora de elegir la música para sus películas es Quentin Tarantino con bandas sonoras como las de Pulp Fiction, Jackie Brown y Kill Bill.

Una colaboración que me encanta es la de la banda francesa Air con la directora Sofia Coppola. Juntos trabajaron en las bandas sonoras de las películas Las Vírgenes Suicidas y Lost in Translation (Perdidos en Tokio). El disco de Las Virgenes Suicidas es casi completamente acústico y experimental, destacándose Playground Love por tener letra.

Las siglas AIR significan Amour, Imagination, Rêve (Amor, Imaginación, Sueño) y sus temas realmente transmiten esos sentimientos.

En Perdidos el Tokio, la música crea una atmósfera onírica y relajada que nos acompaña a lo largo de esta película como si fuéramos otro viajero más, estancado en la ciudad.

Un maestro de la musicalización para películas es Ennio Morricone, el multipremiado compositor y director de orquesta italiano. La música que crea es perfecta para cada película, no puedo imaginarlas sin ella.

Ennio colaboró con más de 500 bandas sonoras para películas y televisión. Su trabajo más destacado quizás es el que hizo con su amigo Sergio Leone y su saga de spaghetti western: Por un puñado de dólares, Por unos pocos dólares más, El bueno, el feo y el malo, protagonizadas por Clint Eastwood.

Otras bandas sonoras de él que me resultan excelentes son las de La Misión dirigida por Roland Joffé y Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore, dos de mis películas preferidas.

Un dúo inseparable, en cuanto a unir imágenes con música, son Danny Elfman con Tim Burton. Elfman ha trabajado con Burton en El gran pez (por la cual recibió una nominación al Oscar), Sleepy Hollow, Batman (las dos primeras), Beetlejuice, El joven manos de tijera y otras muchas, creo, sin ir más lejos, que en todas las del director.

Mis dos bandas sonoras favoritas son Edward Scissorhands, antes nombrada, y A Nightmare Before Xmas, conocida aquí como El extraño mundo de Jack, ideada por Burton, pero dirigida por Henry Selick.

http://www.youtube.com/watch?v=3YodNzufQUg&feature=fvwrel

Muchos no saben que Elfman es el creador del icónico tema de la serie Los Simpsons.

Nació el 10 de Agosto de 1957 en Milano, Italia. Inició sus estudios para convertirse en maestro de primaria, pero muy pronto se dio cuenta de que no estaba hecho para eso.

Nicola se interesó en la fotografía porque prácticamente se crió en un cuarto oscuro, su abuelo, Fedele Toscani, era un pionero en fotorreportaje.

A pesar de ser ciego del ojo izquierdo desde su infancia (perdió la visión a los 16 meses de edad por retinoblastoma), en 1976, Pecorini comenzó su labor en como asistente fotográfico para Oliviero Toscani, un fotógrafo publicitario, pero también sintió que la industria de la moda le resultaba aburrida. En el año 1978 comenzó a trabajar como camarógrafo para la televisión suiza (Swiss Television) utilizando una cámara Eclaire NPR, que se convirtió en su método de auto aprendizaje. Este trabajo le permitió entrar en la industria audiovisual.

Tideland, dirigida por Terry Gilliam

En el año 1981, Pecorini asistió a un Workshop para la steadicam e inmediatamente se enamoró de las posibilidades que ofrecía este instrumento, todavía en un nivel precario ya que era relativamente nuevo pues estaba en una primera etapa de desarrollo técnico. Para finales de ese mismo año compró su primera steadicam y abandonó la televisión suiza. A partir de entonces comenzó a trabajar con Garrett Brown, el creador de la steadicam, y ambos fundaron en 1988 la Asociación para Operadores de Steadicam (Steadicam Operators Association, Inc.). Pecorini trabajó dando cursos sobre la steadicam y aportó al mejoramiento de la misma, diseñando nuevos modelos y testeando los prototipos. Gracias al desarrollo técnico al que llegó, la steadicam se convirtió en un instrumento muy utilizado como recurso para contar una historia en el cine. Nicola pasó a ser uno de los operadores más confiables de este instrumento lo cual le dió la oportunidad de ser convocado y trabajar en muchísimas producciones cinematográficas, que le permitieron experimentar nuevos estilos y técnicas.

Pecorini en Tideland con la actriz Jodelle Ferland – Foto: François Duhamel

Con el correr de los años, Nicola pasó de simple operador de steadicam a Camarógrafo y, en 1995, su amigo Tommy Schlamme, el productor, lo convenció de cumplir el rol de Director de Fotografía en su siguiente proyecto con HBO: Tracey Takes On… Desde esa primera experiencia con la cinematografía, Pecorini encontró su verdadera pasión y no ha dejado de trabajar en eso.

Pánico y Locura en Las Vegas, dirigida por Terry Gilliam

Una de sus mayores colaboraciones es con el Director Terry Gilliam, con quien trabajó en Pánico y Locura en Las Vegas, Tideland y El Imaginario del Doctor Parnassus, así también como DF adicional en Los Hermanos Grimm y DF en el Proyecto no terminado de Don Quijote. Pecorini dice que es un placer trabajar con Terry porque se siente libre de improvisar e innovar, que los dos tienen una mirada similar de la estética cinematográfica. En el 90 % de los casos (filmando Tideland) tomó las decisiones estéticas en el mismo día del rodaje según las condiciones de la locación y el set. Dice que Gilliam siempre deja que lo inesperado se inmiscuya y moldee el resultado final.

El Imaginario del Dr. Parnassus, dirigida por Terry Gilliam

Nicola también ha trabajado como DF en varios videos musicales, como por ejemplo “Bodies” de Robbie Williams, “Do It Again” de Chemical Brothers, “Hole In My Soul” de Aerosmith, “Oh Sailor” de Fiona Apple y otros.

En 2000 ganó en el San Sebastian Film Festival el premio a Mejor Dirección de Fotografía por su trabajo en Harrison’s Flowers.

Harrison’s Flowers, dirigida por Élie Chouraqui

No hace falta decir que recomiendo todas las películas que mencioné anteriormente, pero además sugiero que vean también La prima cosa bella dirigida por Paolo Virzí.

La Prima Cosa Bella, dirigida por Paolo Virzí

Willie (Kate Capshaw) en Indiana Jones y el Templo de la Perdición:

Kate interpreta a una chillona artista de cabaret que es víctima de un altercado al comienzo del film, pero lamentablemente este personaje no desaparece en los primeros 10 minutos de la película, acompaña a Jones en lo que queda de ella.

La consentida de Willie casi le cuesta la vida a Indy en varias ocasiones y no pasan ni 5 minutos sin que escuchemos una queja de esta señorita.
El personaje está hecho para aportar la parte cómica y la romántica, pero lo único que logra es que deseemos que se caiga de un precipicio o la devoren los insectos exóticos.

Para no quedarse atrás, también tenemos a Short Round, el niño oriental que es una especie de ayudante de Indy. Este muchachito se las da de adulto y de sabelotodo y así también casi termina matando al héroe.

Como si no fuera suficiente no puede decir ninguna frase sin gritarla como un histérico. Este niño es tan insoportable que, para ser sincera, me produce un poco de satisfacción cuando Indiana Jones, poseído, lo tumba de un sopapo.

Realmente no entiendo como no los deja a estos dos en algún calabozo lleno de escorpiones y continúa con la aventura solo.

Paradójicamente, la actriz Kate Capshaw se convirtió en la esposa de Steven Spielberg ¡con el que tuvo cinco hijos!

Los niños de Jurassic Park (Ariana Richards y Joseph Mazzello):

Lex y Tim son los malcriados nietos del millonario John Hammond, el creador del Parque Jurásico.
Estos niños son mañosos, petulantes y completamente irritantes.
Cuando los dinosaurios comienzan a escapar, los niños quedan con el Dr. Alan Grant (Sam Neill) quien tiene que cuidarlos y rescatarlos durante lo que queda de la película. Estos niños no le dan respiro.

Me encanta Jurassic Park, es un clásico de mi infancia, pero para debo admitir que es un desfile de personajes insoportables: El Dr. Ian Malcolm (Jeff Goldblum), Dennis Nedry (Wayne Knight, más conocido como Newman en Seinfeld) y el mismísimo John Hammond (Richard Attenborough) que no pinta mal al principio del film, pero a medida que avanza la trama resulta ser muy molesto también.

Ruby Rhod (Chris Tucker) en El quinto elemento:

Ruby es un súper popular DJ y presentador de radio del futuro, admirado por una horda de mujeres salivantes, que se une a Korben Dallas (Bruce Willis) y LeeLoo (Milla Jovovich) en su aventura.

A la personalidad de Chris Tucker, voz nasal y gritona, se le suman unos gestos símiles a Prince, movimientos frenéticos, atuendos y peinados que le darían envidia a Lady Gaga y a Katy Perry.

A pesar de que mucha gente preferiría que este personaje desapareciera de la faz dela Tierra(o del universo si vamos al caso) a mí me parece que funciona muy bien y me causa mucha gracia, sobre todo en la escena de acción, el tiroteo, cuando queda para cubrirle las espaldas a Korven.

Y para terminar los dejo con otros tres candidatos a ser tirados por la borda de un barco:

Anakin Skywalker (Jake Lloyd y Hayden Christensen) en los Episodios 1, 2 y 3 de Star Wars: Parece un nenito haciendo berrinches… lejos de ser Darth Vader.

Bella Swan (Kristen Stewart) en las primeras 4 películas de la saga Crepúsculo:
Si hablamos de damiselas en peligro ella es la típica; no se vale por sí misma y para colmo es descuidada, empecinada e histérica… no puedo decir mucho más porque realmente es un pescado.

Robin (Chris O’Donnell) en Batman y Robin: La película entera es un gran fiasco, pero este personaje realmente logra irritarme. No para de hacer berrinches, quejarse y desobedecer a su tutor, parece un adolescente malcriado más que un superhéroe.

12 MONOS

En el año 1996 se desata un virus letal que aniquila la mayor parte de la raza humana. Para el año 2035 solo sobrevive el 1% de la población, que vive bajo tierra por miedo a contaminarse.
James Cole (Bruce Willis), un convicto, se ofrece a viajar al pasado para localizar el virus antes de que mute y averiguar sobre el origen de la epidemia, que según cuentan, fue propagada por el “ejército de los 12 monos”.

Cole es enviado al año 1990 por error, seis años antes de lo planeado, y es arrestado y encerrado en un manicomio a raíz de sus locas teorías sobre provenir del futuro. Allí conoce a la psiquiatra Kathryn Railly (Madeleine Stowe) y a otro paciente, Jeffrey Goines (Brad Pitt), hijo de un científico famoso por ser experto en virología.

Aquí podemos ver a un Brad Pitt completamente desquiciado y eléctrico, con un ojo torcido y unas muecas desopilantes, creyendo en teorías conspirativas, un paranoico absoluto.
La película está dirigida por Terry Gilliam (en una nota anterior ya lo mencioné por Brazil). La estética de este film es loquísima; las caracterizaciones de los personajes, con caras deformadas utilizando lentes gran angulares, puestas de cámara escorzadas, el vestuario…
La historia está muy bien lograda y la trama resulta atrapante.

SNATCH 

Consta de varias historias entrelazadas que principalmente giran en torno a mafiosos en la búsqueda de un carísimo diamante robado.
Por otra parte, Turkish (Jason Statham) y su amigo Tommy (Stephen Graham) entran en el mundo del boxeo arreglado por dinero (match fixing), ellos tienen a un boxeador preparado para eso, pero las cosas se complican cuando Mickey O’Neil (Brad Pitt) un irlandés gitano lo muele a golpes en una pelea y lo deja inutilizable. Los dos amigos quieren convencer entonces a Mickey para remplazar a su oponente, pero no saben que va a ser casi imposible de controlar.

Aquí Brad Pitt encarna a este avivado, letal e incontrolable Mickey, con un acento irlandés graciosísimo y casi inentendible.
Podemos ver un desfile de personajes marginales, violentos y a su vez comiquísimos, como el jefe “Brick Top” (Alan Ford), “Bullet Tooth” Tony (Vinnie Jones), Franky “Four Fingers” (Benicio del Toro) y el “primo” Avi Denovitz (Dennis Farina) bajo la magnífica dirección de Guy Ritchie (Rocknrolla, Revolver y Juegos, trampas y dos armas humeantes).
El humor negro gobierna este film.

KALIFORNIA 

El periodista Brian Kessler (David Duchovny) y su novia fotógrafa, Carrie (Michelle Forbes) emprenden un viaje a lo largo del país recorriendo lugares en donde se cometieron matanzas, haciendo una investigación de campo acerca de asesinos seriales. Por falta de dinero deciden compartir los gastos con otros viajeros, así es que conocen a Early Grayce (Brad Pitt) y a su novia Adele (Juliette Lewis) que sueñan con ir a California.

A medida que el viaje avanza, Early comienza a mostrarse extraño e inestable y Brian y Carrie empiezan a sospechar que pueden estar transportando a un verdadero asesino.

Esta road trip movie está dirigida por Dominic Sena (Swordfish y 60 segundos), la fotografía y los paisajes de la película son hermosos, los diálogos son geniales, pero lo que más quiero destacar son las actuaciones de Brad Pitt, como este bruto psicópata sureño y sobre todo Juliette Lewis en el mejor papel de su carrera como su aniñada, ingenua y enternecedora novia.

Otras películas en las que Pitt hace papeles diferentes y valen la pena ser mencionadas son: Bastardos sin gloria de Quentin Tarantino, True Romance del recientemente fallecido Tony Scott, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford de Andrew Dominik y por supuesto Pecados Capitales y El club de la pelea, ambas de David Fincher.