Una voz especial. Una fisionomía inconfundible. Un mensaje convertido en canción que atravesó el mundo cual plegaria. Atributos de un joven nacido en Nine Mile, Jamaica, que logró transformarse en una figura axiomática del reggae.

Una distinguida selección de artistas nacionales decidió celebrar de un modo especial un nuevo aniversario -el número 69- del natalicio de Bob Marley. Armaron la Reggae Symphony Band y convocaron a 18 integrantes de la Sinfónica de Buenos Aires, dirigidos por Santiago Chotsourian, para materializar un concierto con versiones orquestadas de los clásicos creados por el máximo exponente de la cultura rasta.

Los integrantes del supergrupo regguero fueron “Mono” Avellaneda en batería; Germán “Papa” Alvarez en teclado; Maneco Saez más Hernán Milstein en guitarras; Guillermo Magni en bajo más Ezequiel Tuma en percusión. El condimento extra fue la rotación de cantantes: una combinación entre la nueva y la vieja escuela del reggae nacional que supo rociar con destellos autóctonos cada uno de los temas.

Bahiano explicitó su padrinazgo. Como alma mater del reggae argento, fue el primer vocalista que irrumpió en escena -adueñándose del micrófono en Three little birds- para obsequiarle el mensaje del profeta a los miles de corazones que latían en la sala. El ex cantante de Los Pericos reapareció al final del show coronar la noche con Is this love y exclamar su clásico: “uoooooiiioooooo”.

Los primeros acordes de I shot de sheriff aceleraron las pulsaciones. Pablito Molina, ex Todos tus Muertos, sumo su voz para imprimirle nuevos colores a uno de los grandes éxitos de Marley, incluido en su cuarto álbum junto a The Wailers: Burnin´.

Darío Alturria, vocalista de Kameleba, ofreció las versiones más potentes y arengó al público que degustaba atentamente la nueva sonoridad de las canciones. Exodus y Jamming fueron los temas que el vocalista puntano entonó con una combinación de respeto más muchísima personalidad.

Con su andar sereno, José Gahona -líder de Zona Ganjah- absorbió todas las miradas. A través de su magnetismo vocal, cautivó a la gente con excelentes interpretaciones de Natural mystic, Concrete jungle y Who the cap fit.

Pety de Riddim desplegó su talento en dos emblemáticos reggae lovers: Waiting in vain y One love. El cantante de la mirada cómplice y la sonrisa pícara enamoró a la multitud con sus cálidas armonías vocales.

Los hermanos Fidel y Amilcar Nadal fueron una furiosa tromba que arrasó con todo lo que se interpuso en su camino. En Get up, stand up y Iron, lion, zion, respectivamente, combinaron dancehall más raggamuffin para transformar el baile en enardecidos saltitos para acompañar el ritmo.

La velada que amalgamó a la tradición del reggae nacional con su actualidad culminó con todos los protagonistas en el escenario para cantar Could you be loved. De ese modo, los músicos argentinos seducidos por la música y el mensaje de Marley coronaron un respetuoso tributo sin precedentes, eternizado en un CD+DVD que se editará próximamente.

Mariano Castro aprovechó su visita a Jamaica para recluirse en los míticos estudios Tuff Gong, en Kingstong, durante mayo del año pasado. Respaldado por el aura de Bob Marley, creador del sello y la sala de grabación que lleva como nombre el apodo del indiscutido referente del género, trabajó en uno de los temas que integrará su nuevo material discográfico.

El sucesor de Transparente, publicado en 2012, aún no tiene un título definido. Sin embargo, el máximo exponente del reggae lover nacional adelantó el primer corte de difusión de su futura placa: Nada.

“Nada volverá a ser lo que fue, puras ilusiones sin saber, cuánto tiempo más para entender que esto fue ayer” armoniza Mariano sobre una base roots con una lírica que describe las sensaciones tras la ruptura de una relación amorosa.

Las intervenciones del saxofonista Dean Fraser, productor artístico del single, le aportan al tema la innata pericia jamaiquina para ejecutar las melodías candentes del reggae. Además, las voces femeninas que abrigan a Castro con sus coros son oriundas de la isla; Por lo tanto, la canción permite conocer la sonoridad actual del género en Jamaica.

El videoclip, dirigido por Ramiro Mordcovich, exhibe el viaje a través de las calles jamaicanas hacia el estudio de grabación más las distintas sesiones en las que se registró la canción.

Tras superar un cuadro de anginas que le impidió brindar los últimos tres shows del 2013, Dread Mar I re-programó dichos conciertos para el jueves 16 de enero en La Trastienda Club, el viernes 17 en el Teatro Colonial de Avellaneda y el sábado 18 en el Teatro Cine de Ituzaingo. Los recitales servirán para matizar la espera hasta la llegada del nuevo álbum a las disquerías, prevista para los primeros meses del año.

“La gente que esta tratando de hacer este mundo peor no toman ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo?”, manifestó Bob Marley antes de empezar a cantar en un recital gratuito, por la paz, en la Jamaica de 1976, un día después de que intentaran matarlos a él, su esposa y su manager en su mansión en Kingston.

Después de sufrir el atentado, Bob se exilió en Londres. Allí compuso y grabó, junto con Los Wailers , su noveno disco de estudio: “Exodus”. Los principales medios de comunicación –tanto londinenses como jamaiquinos- calificaban a Marley como un blanco fácil para sus asesinos debido a que alternaba las sesiones de grabación con partidos de fútbol en parques públicos y reuniones con otros exiliados, familiares del depuesto emperador de Etiopía, Haile Selassie, que se escandalizaban al saber que muchos jamaiquinos le creían un dios viviente.

“Es necesario entender las letras, su profundo significado. Esta es la música del tercer mundo, una bendición. Es la noticia cantada, la que no se enseña en la escuela”, describió el autor a su álbum.

A nivel compositivo, “Exodus” exhibió a un Marley maduro que consolidó su lírica. En las diez canciones que componen el material, Bob desarrolló una gran variedad de tópicos como el amor, la redención, la pasión, la política, la inocencia y la ideología del rasta. Para comprender mejor el mensaje del disco es necesario tener en cuenta el contexto en el que fue craneado. Aunque algunos de los temas fueron compuestos antes del atentado, el exilio en Inglaterra influyó al máximo exponente del reggae music. El momento de sufrimiento que retrata “Natural Mystic”, la denuncia de “Guiltiness” y el carácter explícito de la canción que bautizó al CD son, probablemente, las muestras más evidentes.

La sonoridad del disco es sobresaliente. Representa un salto cualitativo en cuanto a la técnica empleada durante la grabación con respecto a sus discos anteriores. “Exodus” vendió 700 mil copias y superó ampliamente a su antecesor, “Rastaman Vibration”, que recibió muy malas críticas de la prensa especializada.

Musicalmente, el disco captó millones de oídos con reggaes melancólicos como “The Heathen”; Baladas dulces  -“Turn your Lights Down Low” – o pacifistas como “Jamming”. “Waiting in vain”, “One Love/People Get Ready” y “Three Little Birds” fueron los temas más populares del álbum. “Éxodus” alcanzó el puesto número 20 en el chart de los álbumes pop de Billboard y permaneció en las listas del Reino Unido durante 56 semanas consecutivas donde alcanzó el puesto 8.

La crítica musical definió a “Éxodus” como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. En 1999, la revista Time lo nombró el mejor álbum del siglo 20. En 2001, la cadena de televisión VH1 lo nombró el vigesimosexto mejor disco a nivel mundial. En 2003, el álbum ocupó el puesto número 169 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores discos.

Hace 36 años, el 3 de junio de 1977, Marley lanzó el disco que lo consolidó como un ícono popular y le otorgó reconocimiento internacional en la cúspide de su talento como músico.

La mística de Marley se expandió por todo el mundo. Por supuesto, Latinoamérica no fue la excepción. Él supo convertirse, a través de su obra, en una de las figuras más destacadas en la historia de la música. Su legado lo mantiene vivo y vigente.

El 11 de mayo de 1981, en un hospital de Miami, murió a los 36 años uno de los mitos musicales del siglo XX, que dejó como legado canciones inolvidables como “Get up stand up”, “Buffalo soldier” y “No woman no cry”.

En el 2011, “Nonpalidece” realizó un respetuoso homenaje al máximo exponente de la música de la isla en el estadio Luna Park con motivo del aniversario número treinta de su muerte. El show fue grabado y posteriormente editado en formato CD-DVD bajo el título “Living Memory”. La banda oriunda de Tigre revivirá el majestuoso tributo a Bob sobre el escenario principal del Cosquín Rock 2013 el próximo domingo 13 de febrero junto a varios músicos invitados.

“Los Cafres” suelen incluir canciones de Bob Marley en sus shows. Una de ellas es la versión adaptada al castellano  de “Esperando en vano”, un clásico en la carrera del músico jamaiquino en clave lover.

Antes de reunir a “La Zimbabwe” y editar su nuevo disco, “Cuestión de tiempo”, Marcelo “Chelo” Delgado tocaba junto a “The Groove Factory” con quienes versionó “No more trouble”, un tema que forma parte de “Catch a fire”, el álbum con el que Marley alcanzó un reconocimiento a nivel mundial tras su re-edición en 1973.

La antigua formación de “Resistencia Suburbana” le estampó su linaje rockero a una canción con muchísima mística en su lírica. La elección de “Iron, lion, zion” es sumamente coherente tanto con el mensaje que difundía el grupo, en aquél momento liderado por Luis Alfa, como con su sonoridad, mérito de los atronadores y distorsionados solos del guitarrista Fabián Leroux.

“Bad card” es el tema con el que “Riddim” participó en el segundo volumen del disco tributo a Marley editado por Subterrania discos en el año 2011.Es una canción que, quizás,  no es muy conocida por el gran público pero demuestra la sabiduría de Pety, vocalista y líder del grupo, un verdadero laborioso melómano del género.

La banda chilena “Gondwana” suele elegir “Could you be loved” para finalizar sus conciertos. Una canción en la que Bob Marley se dirige directamente a los jóvenes y los advierte para que no se dejen persuadir por otros y piensen por sí mismos.

Otro de los grupos que registró su homenaje al máximo profeta del reggae fue “Cultura Profética”. Los boricuas editaron “Tribute to the Legend: Bob Marley” en el año 2007 y uno de los temas que interpretaron fue “Get up, Stand up” donde, a través de su pluma, Bob le pide a los oprimidos que se levanten a pelear por sus derechos; Su objetivo era ayudarlos a utilizar sus propios medios para exigir igualdad y no transformarse en un chivo expiatorio.

En la pantalla grande.

Son varios los documentales que retrataron la vida de Bob Marley pero, sin dudas, uno de los más atractivos es “El camino hacia la libertad”, que, a través de entrevistas a personas que formaban parte del circulo íntimo del artista, revela aspectos íntimos y desconocidos de la personalidad, el pensamiento o los modos de proceder del símbolo de la cultura jamaiquina.

Marley es sinónimo de reggae: fue la máxima figura del género y el primer artista jamaiquino que logró el reconocimiento internacional con estatus de superestrella. Nació en Nine Mile, Jamaica, el 6 de febrero de 1945. Hijo de Cedella Booker, una africana afincada en la isla, y de Norval Marley, un capitán del ejército británico que pronto se desentendió de su hijo quien murió cuando Bob tenía 10 años.

A finales de los 50, Robert se trasladó con su madre a Kingston, la capital de la isla, en busca de alguna oportunidad para mejorar su situación económica pero, como la mayoría de las familias rurales, su destino fueron los barrios pobres.

Marley incursionó en la música a comienzos de los ´60 junto a sus grandes amigos Neville O’Riley Livingstone (Bunny) y Peter McIntosh con quienes funda el grupo “Wailing Wailers” en 1963 con marcadas influencias de grandes músicos como Ray Charles, Brook benton, Curtis Mayfield o Fats Domino. Lanzaron un primer single que alcanzó el primer puesto en las listas jamaicanas, y Marley se convirtió en uno de los primeros en escribir canciones sobre los jóvenes delincuentes del ghetto de Kigston.

“Sólo tengo una ambición: ver a la humanidad unida. Negros, blancos, todo el mundo viviendo juntos.”

Debido a la “espiritualidad” que emanaba en sus canciones, tuvieron problemas para encontrar representantes pero, con el gran Lee Perry como productor surgieron algunas de las canciones que marcaron su obra como ‘Soul Rebel’, ‘Small Axe’, ’400 Years’.

Tras la re-edición de “Catch a fire” y la publicación de “Burnin”, en 1973, Bunny y Peter dejaron el grupo para dedicarse a sus carreras solistas. Marcia Griffiths y Judy Mowatt los reemplazaron y el grupo adoptó el nombre: “Bob Marley & The Wailers”.

En 1976, “Rastaman vibrations” llegó a las bateas. Un disco en el que Marley afianzó su mensaje y se consolidó como un referente de la cultura rastafari. El 5 de diciembre de ese año, Bob fue víctima de un atentado cuando se disponía a dar un concierto como reivindicación de la paz y los derechos de los ciudadanos de su país.

Al año siguiente, editó “Exodus”, el álbum que se convirtió en un éxito en Reino Unido; Mientras que, doce meses más tarde, vio la luz “Kaya”, un nuevo material de estudio con canciones de amor, homenaje y reivindicación a la marihuana.

Tras la publicación del disco “Babylon By Bus”, fruto de una gira por Europa y América Latina, Bob visitó África, hecho que le inspiró un nuevo álbum, “Survival”. En 1980, “Uprising” demolió todos los esquemas con un éxito arrollador y fomentó la realización de una nueva gira europea que superó todos los récords de asistencia.

El 11 de mayo de 1981, en un hospital de Miami, murió a los 36 años uno de los mitos musicales del siglo XX, que dejó como legado canciones inolvidables como “Get up stand up”, “Buffalo soldier” y “No woman no cry”, que se han convertido en himnos de la lucha contra la discriminación racial.

Bob Marley no solo es recordado por su música, sino también por los mensajes de amor y paz que esta contenía, siempre inspirada en los temas sociales que acontecían en su país.

“Mientras haya hombres de primera y segunda categoría, yo seguiré gritando guerra.”

En el estreno mundial de “Marley” durante el pasado Festival de Berlín, nadie imaginó el largo camino que este documental había recorrido. Tras dos cambios de directores -primero Martin Scorsese, luego Jonathan Demme- y de productora (en un principio, The Weinstein Company) el panorama se aclaró. Casi por gracia divina, cayó en las manos de Macdonald, quien contó con la colaboración de uno de los hijos del músico, Ziggy, y de la legendaria Rita, la primera esposa de Marley.

El resultado es una producción muy diferente a las anteriores: aporta nueva información, pone frente a la cámara a muchas personas que tuvieron una participación significativa en la vida de Marley, o a aquellas que, aún siendo sus familiares, nunca tuvieron contacto con él. Kevin Macdonald cumplió con su misión: mostrar al verdadero ser humano más allá de sus largos dreadlocks, de su pasión por el fútbol, su activismo político y el manto de mitología que lo rodea.

¿Fue difícil evitar el aspecto místico y profético que rodea a Bob Marley?

Ya existe suficiente material acerca de Marley como icono, como leyenda. Lo que quise fue ir detrás de esa imagen de las camisetas y posters: mi intención era saber quién fue ese ser humano. De hecho, nunca me planteé hacer una película de culto. Mi aproximación y mis sentimientos hacia él fueron más bien escépticos pero al final terminé adorándole; Pienso que es un héroe real, que es una de las figuras culturales más importantes del siglo XX y que, como ningún otro, tiene un impacto perdurable en diferentes generaciones.

¿Por qué dice que su acercamiento inicial fue con recelo?

Porque era muy consciente de la iconografía de Marley. Estudié con gente que perdió su vida fumando (marihuana), escuchando reggae e intentando ser rastas. Suena tonto, pero lo que persigue la película es recuperar la figura y el trabajo musical de Marley para que logremos escuchar su música de una forma fresca. Estamos acostumbrados a oírla en todas partes: en los supermercados, en la radio, en los ascensores y ya no la escuchamos de verdad. Se trata entonces de aprender más de él y de dónde vienen realmente sus canciones, con el trasfondo político de su tiempo, para poder acercarnos otra vez a su música. La razón para hacer un documental como éste sobre cualquier artista es que la audiencia tenga la posibilidad de volver al arte de esa persona para apreciarlo aún más. Esa es la ambición de este film.

“Marley” intenta lo imposible: desmenuzar la leyenda y prensarla para exhibir a un Bob entero, sacado de la remera: “No puedo negar que eso hizo la diferencia: ellos, los Marley, Rita Marley, incluso hasta su padre, todos cooperaron desde el principio. Y eso fue lo que me sacó del uso genérico del archivo: era imposible negar todo lo hay sobre Marley, galaxias de material, de documentales etéreos que solo reafirman lo que ya se sabía. Y ellos ayudaron a que hubiera un tono realmente íntimo. Les dije que quería que fuera así, personal: los hijos, que no conocen mucho a sus padres, están porque querían dejar algo en el proceso de conocerlo. Todos fueron muy sinceros. Hablaron de sus errores. Era un tipo muy complejo”.

Hay una sensación, innegable, de biografía autorizada en el documental, agigantada por la colosal lista de conocidos e íntimos del músico: “Era lo que quería lograr. Por eso los busqué a todos. Y todos, en un momento, me decían que querían ser parte de esa vida, que sienten que está representada en la película. Quería mostrar a Marley, el tipo, entero, sin matices. Y eso implicó meter la mano en lugares no tan amables. No era buen padre, no podía no estar con otras mujeres, tenía problemas con las drogas”, explicó el director.

Pero sabe que hay otros lugares, embarrados también, donde tenía que estar: “Es el momento ‘Cornerstone’. Su familia llora mucho cuando ve la película. Cuando su medio hermano se emociona oyendo ‘Cornerstone’, y nos damos cuenta que Marley la escribió como reacción al abandono de su padre blanco. Ahí se muestra que todos los dolores, errores, todo eso que estamos mostrando sobre Bob, lo pasaba a su música, él lo traducía ahí. Por eso necesitaba que la narración fuera cronológica, que fuera simple; así, en el crecer de su música, es más fácil rastrear al Bob humano”.

¿Qué lo motivó a indagar en los orígenes de Bob Marley?

Eso hacía el proceso más interesante. Esta es una historia muy diferente a la de los Rolling Stones de la que casi cada paso ha sido documentado, fotografiado o filmado. La de Marley es de alguien que nació y creció en el campo, en un mundo lleno de mitos y magia, donde la gente puede llegar a vivir más de 100 años, donde nadie tiene certificado de nacimiento ni se preocupa por guardar fotos. Es un mundo completamente diferente. La única fotografía que se conserva de Bob -anterior a su estrellato- es de cuando tenía 17 años… Todo eso fue difícil de entender, pero se convirtió también en un punto determinante para este trabajo. Otra cosa que no puedes subestimar es el hecho de que Bob Marley proviene de uno de los países más pobres del mundo, y de la parte de Jamaica aún más necesitada, así que su discurso sobre sufrimiento, igualdad u opresión viene de una persona que de verdad ha vivido todo eso, y no de un revolucionario educado en Europa. Creo que esa es una de las razones del poder de su música: aunque sus frases puedan sonar a cliché como “everything’s gonna be alright” -todo va a estar bien- y, como dice uno de los entrevistados en la película: “Bob canta de un modo que hay que creerle”. Ahí radica su éxito, en la historia que nos cuenta y en la manera como lo hizo.

¿Cuál fue su mayor descubrimiento con respecto a Marley como persona?

Muchos pequeños detalles que me ayudaron a entenderlo más. Para mí, el momento más importante es cuando sus parientes blancos escuchan sus canciones: en ese instante entendí muchas cosas… Por otra parte, una de las falsas concepciones que se tiene de Bob Marley es que era un tipo perezoso y no es así. Él era muy trabajador y siempre estuvo muy concentrado en alcanzar los objetivos que se proponía: trabajaba unas 18 horas al día y ensayaba muchísimo con su grupo porque, en realidad, era un perfeccionista dispuesto a darlo todo para que su música se escuchara y trascendiera. Todos esos aspectos definieron su carácter.

Lo extraño es que el propio MacDonald confesó que no es un gran fanático de Marley: “Soy un cineasta, y el cine está hecho de hitos, iconos  y ahí es donde aparece el documental, que es lo contrario a la narración, ya que permite en lugar de construir, al menos, desarmar el icono  Puede que se crea que algunos momentos mi montaje, o mis formas, son cínicas, pero solo quería desactivar la devoción para entender a ese hombre, en extremo único, y también cómo se construye toda una mística alrededor de él.” Y sigue: “Pero el tiro me salió por la culata: salí sintiéndolo más un héroe, alguien completamente coherente con la vida que vivió, con las ideas que profesó, cómo quería que su música fuera una herramienta para su mensaje. Ahí su ambición, ahí las crisis cuando se lo acusa de venderse, y él quería solo llegar”.

¿El reggae significó algo para usted en su juventud?

Recuerdo que tenía 14 años cuando anunciaron la muerte de Bob Marley. Definitivamente, formó parte de mi juventud pero no estaba obsesionado con él. Años más tarde me interesó como fenómeno: quería entender porqué le llegaba a tanta gente y me llamaba la atención indagar sobre cuál era el valor de su mensaje. La clave para mí fue cuando estaba filmando “El último Rey de Escocia” en Uganda: uno de los actores me llevó por uno de los barrios donde vivía su familia y por la calle vi con sorpresa muchos murales de retratos y frases de sus canciones. Para aquella gente él era una especie de santo o profeta. Me impresionó que, después de más de 20 años de su muerte, Marley aún le llegaba muy fuerte a la gente.

Ha dicho que una de las claves para usted fue entender la importancia que tuvo para Bob Marley el ser una mezcla de dos razas.

El hecho de que su padre fuera blanco explica mucho de su personalidad. Al principio, fue un marginado: nació en una comunidad donde él era prácticamente el único niño mulato, lo que le hizo sentirse inferior a los demás. Todo eso también explica por qué la cuestión rasta tuvo tanto significado para él. Pienso que Bob nunca se sintió totalmente aceptado, por eso, tuvo que luchar mucho para que él y su público llagaran a todo el mundo.

¿Pudo entender la esencia de la cultura rastafari?

Es un fenómeno muy interesante. Para mí, es una combinación entre religión y política, de cómo se define la identidad a través del movimiento político, de liberarse de la cultura de la colonización y de crecer como país. Jamaica consiguió su independencia en 1962, cuando The Wailers comenzaron su carrera. La política alimentó muchos movimientos, como el Black Power en Norteamérica y en la región del Caribe, que perseguían reencontrar la identidad en África; De allí la importancia de Etiopía para los rastafaris y de la necesidad de desmarcarse de la cultura europea.

Fuentes: Revista “Los Inrocks” // Diario “Gara”.