Fue modelo. Bonham supo darle protagonismo a su instrumento como nunca antes lo había hecho algún baterista.

‘Bonzo’ Bonham fue el mayor de los pioneros encargados de erradicar la concepción estandarizada del uso de la batería que hasta entonces se tenía como fórmula costumbrista. La tracción y el pulso vital de Bonham elevaron el instrumento hasta otorgarle ese sonido plano, seco, rotundo y vigoroso que otros tantos bateristas heredaron como inevitable referencia. Es que Bonham marcó el camino de un sinnúmero de bateristas introduciendo múltiples cambios de ritmo en las melodías, logrando que la batería se desmarque de su –junto quizás con el bajo- rol secundario, implantando novedosas formas en la percusión y desbrozando el instrumento hasta consolidarlo como entidad solista. Le daba duro a su tom superior, al de piso, al redoblante, a los címbalos y hasta un par de congas situadas a su izquierda; además, alternaba sus remates con las baquetas, a ratos, y hasta con las manos, a palma pelada, muchas veces hasta dejarlas sangrando por los cortes provocados por el roce con el filo de los platillos.

Un 25 de septiembre de 1980, mientras la banda se encontraba en los ensayos previos a una monumental gira por Estados Unidos, el responsable de empujar desde atrás a esa locomotora de fuerza bruta llamada Led Zeppelin puso punto final a su vida tras beber hasta 40 vasos de vodka (alrededor de 450 ml) en unas diez horas, lo que le provocó asfixia por la aspiración accidental de su propio vómito cuando se encontraba durmiendo. Al día siguiente, a la 1:45pm, John Bonham fue encontrado por Benji Le Fevre -manager detour de la banda- y por John Paul Jones; la autopsia no reveló presencia de otras sustancias en su cuerpo. El hecho ocurrió en la mansión Boleskine House, que había comprado Jimmy Page en Clever, y que también había pertenecido al misterioso ocultista Aleister Crowley, aquel a quien el mismísimo Ozzy Osbourne le dedicara el tema ‘Mr. Crowley’ en su primer disco solista. Problemas

En acción. Durante el tema ‘Moby Dick’, Bonham regalaba un solo de 20 minutos; comenzaba tocando con los palillos y terminaba con las manos.

de adicción a la heroína como los que venían azotando a Page y desgracias personales, como la muerte del hijo de Plant debido a una afección estomacal fueron quizás augurios fatales para el desenlace final.

La historia oficial del nacimiento de Zeppelin marca como inicio el año 1968, año en que Jimmy Page abandonó The Yardbirds –conocida por haber reclutado entre sus filas nada menos que a Eric Clapton, Jeff Beck y el propio Page, aunque en momentos distintos- para formar su propia banda. Chris Deja, bajista de The Yardbirds, fue también de la partida, aunque por poco tiempo, ya que luego se convirtió en el fotógrafo de las portadas de Zeppelin. Cuando la banda iba a ser bautizada como The New Yardbirds, el primer vocalista y líder de los primeros Yardbirds propuesto fue Terry Reid, pero rechazó la oferta y recomendó a su joven colega Robert Plant, quien entonces cantaba en The Band of Joy junto con John Bonham, mientras que John Paul Jones reemplazó a Dreja unos meses después de que dejó el bajo.

Las curiosidades de la historia hicieron que hasta un baterista estuviera implicado en el nombre de la banda, ya que fue Keith Moon, baterista ya consagrado en The Who y que también encontró una muerte prematura, había predicho que el proyecto de Page “caería como un Zeppelin de plomo (en inglés Lead Zeppelin, que por cuestiones de fonética contrajo la ‘a’).

La fama del grupo no solo se sustentó en el talento de sus cuatro integrantes, sino en la variedad de influencias que abrevaban en el blues americano, el primer rock and roll y la fusión de soul, jazz, folk, música celta e india, hasta el country y las obsesiones líricas sobre la obra de JRR Tolkien en canciones como ‘Ramble On’, ‘Misty Mountain Hop’ o ‘The Battle of Evermore’.

Durante las presentaciones en vivo de la banda, John Bonham fue ganando renombre de baterista dotado de una técnica impecable complementada con una velocidad, remate e inédita improvisación cuando, durante el tema ‘Moby Dick’, se empeñaba en soltar una descarga de aporreos sobre la batería que duraba –en el mejor de los casos- 14 minutos, hecho que quedó documentado en la película ‘The Song Remains The Same’ del 9 de enero de 1970 durante la presentación de la banda en el mítico Royal Albert Hall londinense.

Tras 32 años de separación, Led Zeppelin ha vendido aproximadamente 300 millones de discos en el mundo -111 millones solo en Estados Unidos- hecho que les ha permitido sumar varios discos de diamante, galardón que solo se le otorgan a aquellas bandas que hayan superado los diez millones de copias. Desglosando cada una de sus producciones, ‘Led Zeppelin IV’ lleva vendidas 23 millones de unidades; ‘Physical Graffiti’ 15 millones; ‘Led Zeppelin II’, 12 y ‘Houses of the Holy’, 11. ‘Led Zeppelin IV’, llamado también ‘Zoso’ por los signos zodiacales que correspondían a los cuatro integrantes de la banda, se editó el 8 de noviembre de 1971 y es el disco más exitoso de la banda y el cuarto más vendido en la historia del rock, según la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos.

Al momento del fallecimiento de Bonham, la banda tenía contrato vigente con Atlantic Records que los obligaba a grabar un nuevo disco. El resto de los integrantes se negaron a grabar con otro baterista, por lo que finalmente optaron por recolectar material inédito para la realización de ‘Coda’ (1982), el último y póstumo trabajo de la banda que incluyó ‘Bonzo’s Montreux’ un tema de 4 minutos con otro solo de Bonham que grabó el 12 de septiembre de 1976.

Para poder comprender la importancia de Bonham sirvan estas palabras de Page quien, durante un documental de la banda, afirmó que “Robert Plant me recomendó a John Bonham. Su sonido estaba más allá de cualquier límite que pudiese imaginar; de hecho, mi principal reticencia en cuanto al sonido que debía tener Led Zeppelin quedó aclarada en cuanto le vi tocar. Los bateristas con los que había trabajado en sesiones sonaban como si golpearan una caja de cartón, debido a que estaban encerrados en pequeñas peceras de grabación que les chupaban el sonido. Una batería debe respirar. Y Bonham sabía cómo hacerlo, sabía cómo afinarla. Para mí, la batería debe ser la columna vertebral del grupo. Todo lo demás tiene que basarse en ella. Y Bonham era esa columna vertebral”.

El 4 de diciembre de 1980 se hizo público un comunicado de prensa que ponía fin a la continuidad de la banda: “Queremos dar a conocer que la pérdida de nuestro querido amigo y el profundo respeto que le tenemos a su familia, juntamente con un sensación de plena armonía sentida por nosotros y nuestro representante, nos ha llevado a decidir que no podremos continuar como estábamos.”

Joplin había llegado al cuarto cerca de la una de la madrugada y se estima que 45 minutos después se produjo su fallecimiento cuya causa oficial se encuentra caratulada como “muerte por sobredosis” de heroína cuya pureza, de entre 60 y 80%, era ocho veces más poderosa que lo que entonces solía consumirse; esa misma noche, también fallecieron otras ocho personas que compraron heroína al mismo dealer. Varios escépticos coinciden en que, si bien la cantidad era lo suficientemente fuerte para matarla, las jeringas para su suministro nunca fueron halladas en la habitación, lo que ha levantado sospechas en cuanto a la presencia de una segunda persona en el lugar.

Hippie que te quiero hippie. El famoso y psicodélico Porsche de Janis, hoy en el Salón de la Fama del Rock and Roll de Cleveland (Ohio, USA)

El sábado 3 de octubre, Joplin visitó el estudio para escuchar la parte instrumental de “Buried Alive in the Blues”, antes de grabar su pista vocal, programada para el día siguiente. En algún momento de ese mismo día, le comunicaron por teléfono que Seth Morgan, su nuevo prometido -un estudiante de la universidad de Berkeley, hijo de una familia acomodada de Nueva York y que fingía ser nieto del banquero J.P. Morgan- estaba en su casa jugando al billar junto a otras mujeres que había conocido ese mismo sábado. En el estudio se escuchó expresar el enojo ante esa noticia, sumado a que Morgan había incumplido su promesa de visitarla la noche anterior. Una vez salida del estudio y junto a Ken Pearson, miembro de la banda, decidieron relajarse en el bar Barney’s Beanery. Después de la medianoche, Joplin llevó a Pearson y a un fan a sus casas y luego se retiró a su habitación en el Landmark Motor Hotel. La heroína cortada en estado demasiado puro hizo el resto.

Joplin fue incinerada en la funeraria Pierce Brothers Westwood Village en Los Ángeles. De allí, sus cenizas fueron esparcidas desde una avioneta al Océano Pacífico a lo largo de Stinson Beach. El único servicio fúnebre tuvo un carácter privado, ya que sólo asistieron los padres de Joplin y su tía materna. Por paradójico que parezca, el 1° de octubre –tan sólo tres días antes de su deceso- Joplin había decidido modificar su testamento en el punto relativo a la repartición de bienes, en el que agregó una cláusula donde indicaba una donación de U$S2.500 para realizar una fiesta en su honor en caso de su desaparición.

El 26 de octubre, alrededor de 200 personas recibieron invitaciones para concurrir a la fiesta; las tarjetas remataban con la leyenda “Las bebidas son por Pearl”, una referencia al apodo de la cantante. El evento, que tuvo lugar en Lion’s Share, San Anselmo, California, contó con la presencia de su hermana Laura y amigos cercanos de Joplin, que incluyó a la artista del tatuaje Lyle Tuttle, el prometido de Joplin, Seth Morgan, Bob Gordon, y su manager de gira John Cooke. Entre los asistentes, se repartieron brownies mezclados con hachís.

Sensualidad a flor de piel. Joplin fue la primer gran voz femenina del rock y R&B

Janis Joplin fue un símbolo de la contracultura de género de los ‘60 y el movimiento hippie y la primera mujer en ser considerada estrella de rock. En 1995 ingresó en el Salón de la Fama del Rock; en 2004, la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos y en 2008 la situó en el puesto 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.

Dueña de una voz templada a fuego, dotada de unas cuerdas vocales que parecían forjadas a base de hierro, Joplin era capaz de alcanzar los mayores registros vocales que una voz femenina de rock podía conquistar hasta ese momento y susurrar en un gemido desesperante si el tema así lo demandaba. Su perfil de comehombres, adicta a las drogas y al sexo libre le confería cierta apariencia disoluta, aspecto que en realidad escondía una Joplin rodeada de extrema soledad, hecho que la partía en dos frecuentemente. “En el escenario le hago el amor a 25.000 personas diferentes; luego me voy sola a casa”, llegó a declarar.

AC/DC, casi en pañales (de izq. a der.) Bon Scott, Malcolm Young, Phil Rudd, Angus Young

Durante el viaje, Kinnear percibió que Bon se había dormido; pero Kinnear no pudo ni siquiera sacarlo del coche una vez que llegaron a su destino, y optó por llevárselo a su propia casa, tras no conseguir despertar a Scott luego de varios intentos; luego de ver frustrada una vez más su tentativa de retirarlo del coche, decidió dejarlo dormir. Transcurridas 15 horas, Kinnear regresó a su auto y se encontró con Bon totalmente inconsciente; aterrorizado, lo llevó hasta el King’s College Hospital. La pesadilla se había tornado realidad y Bon ya estaba muerto. Tenía 33 años. La causa certificada de su muerte fue “intoxicación etílica” y “muerte accidental”.

Tras sí, Bon Sctott, de origen escocés, dejó en tan sólo seis discos de estudio, -‘High Voltage’ (1974); ‘TNT’ (1975); ‘Dirty Deeds Done Dirt Cheap’ (1976); ‘Let There Be Rock’ (1977); ’Powerage’ (1978) y ‘Highway to Hell’ (1979), más uno en vivo, el imprescindible ‘If you want blood (You’ve got it)’ (1978)- uno de los legados más emblemáticos del hard rock, una invalorable guía para los cantantes del género y una inequívoca marca de género para todos aquellos que quieran incursionar en el sagrado panteón de cantantes dotados de fuego en las venas.

Ronald Belford Scott (Kirriemuir, Escocia, 1946) era el cantante que necesitaba la banda desde su nacimiento tras despedir en 1974 a Dave Evans. Primero al volante de la furgoneta que transportaba a AC/DC en sus primeras giras regionales y tras su paso por The Spektors

Inmortal. La estatua de Bon en Fisherman’s Wharf (Fremantle, Australia), localidad donde Scott creció.

(donde se desempeñó como baterista), The Valentines y Fraternity, se inventó a sí mismo como prototipo del cantante descarado y bravucón con kilómetros de baldosa, que transformó a AC/DC de una banda de rock a una bomba de tiempo al límite permanente de explosión.

Bon fue incinerado y sus cenizas enterradas en el cementerio de la ciudad australiana de Fremantle; su tumba se ha convertido en uno de los iconos culturales de Australia. Tras su muerte, Brian Johnson ocupó el puesto del fallecido cantante, unos meses después de su muerte, editando otra de las gemas de la banda, ‘Back in Black’ (1980), disco que hasta la actualidad lleva 40 millones de placas vendidas.

En uno de nuestros anteriores posts, recordábamos la muerte de Kurt Cobain, una de las más resonantes de los últimos veinte años, tanto quizás como la de Michael Jackson, con la única diferencia que la ‘Jacko’ aún guarda ciertos costados enigmáticos acompañados del escándalo que rodea a sus familiares en la pugna legal por adjudicarse su herencia. Antagónica a estas dos es el fallecimiento de Layne Staley, líder y cantante del conjunto grunge Alice In Chains, aunque comparte con la muerte de Cobain en que se produjeron exactamente en el mismo día pero con diez años de diferencia. Al momento de su muerte, Staley tenía tan solo 34 años y pesaba 45 kilos.

Staley, una de las voces más personales del grunge de los 90s

Alice in Chains (de izq. a der.) Michael Inez (bajo); Layne Staley (voz); Jerry Cantrell (guitarra); Sean Kinney (batería)

Junto con Nirvana, Pearl Jam y Soundgarden, Alice In Chains formaba parte de la obligada recitación de bandas grunge que salían de memoria porque ocupaba, durante toda la década del ’90 –y más allá también- el podio privilegiado de bandas que definían con mayor fuerza y expresión al movimiento grunge nacido en Seattle; la banda liderada por Staley era oriunda de Washington.

Si más que la profesionalidad con que maneja su instrumento o el virtuosismo con que lo encarna, el músico –y más de rock- pudiera definirse con la pasión o la entrega con que lo ejecuta, el caso de Layne Staley resulta prototípico. En efecto, su estilo fluctuaba desde el grito agudo, desgarrador y carrasposo, en parte intentando emular al Ozzy de Black Sabbath –de enorme influencia para la banda- hasta tonos suaves armoniosos, con un perfecto dominio del falsete. La capacidad de Layne de demostrar emociones y sentimientos de angustia, dolor e ira en sus presentaciones fue siempre motivo de reconocimiento entre sus fans; un cantante que demuestra un gran trabajo vocal, con un rango y timbre únicos sazonados con una oscuridad que lo caracterizó a lo largo de toda su carrera.

El 19 de abril de 2002, la madre de Layne, Nancy McCallum, hizo una llamada al 911 para alertar que no había oído de él alrededor de dos semanas. Horas más tarde, fue encontrado muerto en su casa, después que su madre y su padrastro fueron a su apartamento con la policía. Su cuerpo estaba rodeado de drogas diversas y elementos para su consumo, en un sofá, iluminados por una TV ya parpadeante, junto a varias latas de pintura en aerosol en el suelo. Estaba sentado en un sofá. Había cocaína cerca de él y dos pipas de crack sobre la mesa. El informe de la autopsia posterior concluyó que había muerto porque se había inyectado una mezcla de heroína y cocaína conocida como Speedball. Sobredosis fatal. La noticia se hizo pública el 20 de abril de 2002. Otro ídolo del grunge había fallecido.

Una pequeña e informal reunión, a modo de homenaje, se llevó a cabo el 20 de ese mimo mes en el parque Seattle Center, de la misma ciudad. Sólo asistieron unas 100 personas, incluyendo unos conmocionados Jerry Cantrell, Mike Starr, Mike Inez, Sean Kinney, Susan Silver (manager de Alice in Chains) y Chris Cornell.

El pasado 2 de abril, el sello Columbia reeditó ‘Above’, el único trabajo de lo que en 1995 fue un intento por conformar uno de los grandes supergrupos del momento que, bajo en nombre de Mad Season, incluía al propio Staley en voces, Mike McReady (Pearl Jam) en guitarras y Barrett Martin (Screaming Trees) en batería.

Links sugeridos:

- Reporte del Departamento de la Policía de Seattle del viernes 19 de abril de 2002, dando cuenta del hallazgo del cadáver de Layne Staley

- Reporte de MTV News sobre el fallecimiento de Layne Staley

A los 27 años de edad, Cobain puso punto final a su vida dejando un enigma sobre cuáles serían sus próximos pasos en la música.

Cobain, el pibe atormentado que solo quería componer.

8 de abril y pasaron ya tres días cuando el habitante ilustre de Aberdeen, Kurt Cobain (20/02/1967-05/04/1994), fue hallado muerto en una habitación encima de su garaje por Gary Smith, un empleado de Veca Electric. Smith llegó a la casa esa mañana para instalar un sistema eléctrico de seguridad y descubrió el cuerpo sin vida del emblema del movimiento grunge. Con la excepción de una pequeña cantidad de sangre saliendo del oído de Cobain, Smith informó que no había notado signos visibles de traumatismo, y al principio creyó que estaba dormido. Smith encontró lo que parecía ser una nota de suicidio en un pequeño jarrón de flores diciendo, entre otras cosas: «Por favor, Courtney, sigue adelante. Por Frances. Por su vida, que va a ser mucho más feliz sin mí. Los quiero, ¡los quiero!». Al lado del cuerpo se encontró una escopeta. Una autopsia concluyó que la muerte de Cobain fue el resultado de «una herida por bala infligida en la cabeza» debido a una profunda depresión por la que atravesaba, producto de su adicción a la heroína y el consumo recurrente de barbitúricos.

Los primeros indicios de que Kurt Cobain pretendía quitarse la vida surgieron a comienzos de marzo de 1994 luego de que se sometiera a un tratamiento médico a causa de una bronquitis y laringitis severas, pues a la mañana siguiente, Courtney Love (esposa del líder de Nirvana) halló que el músico había sufrido una sobredosis por combinar champán y flunitrazepam, un psicofármaco sedante de venta ilegal. En los próximos días, Courntey Love trataría de mantener vigilado a Cobain, pues lo había encontrado en una ocasión encerrado en su habitación y en posesión de armas. El 30 de marzo, Cobain fue recluido en un centro de recuperación en Los Angeles, pero fugó del lugar sin que sus conocidos lo supieran.

19 años después, Cobain cumpliría 46 años. Vivió con prisa, pasó fugaz y efímero como ave rasante, pero dejó un invaluable legado que abrió las puertas compositivas para siempre de las generaciones musicales venideras y escupió en la cara del género rock -que, por otra parte amaba- despabilándolo de un sopor que lo tenía cómodamente acunado, mamando de la teta de la industria y descansando adormecido sobre su inescrupuloso regazo. Con solo tres discos oficiales en su haber –‘Bleach’ (1989), ‘Nevermind’ (1991), ‘In Utero’ (1993) más el imbatible ‘MTV Unplugged in New York’ (1994)- junto a Nirvana, Cobain se llevó puestos los límites que por ese entonces se esperaban de la música, mutándola de forma tal que, al momento de su popularización, nadie, ni las radios, ni los críticos, ni las discográficas y ni siquiera el público podían encorsetar temas como ‘About a Girl’, ‘Big Cheese’, ‘Lithium’, ‘Territorial Pissings’ o ‘Rape Me’; porque Nirvana en general y Cobain en particular fueron mucho, muchísimo más que el hit ‘Smells Like Teen Spirit’ y su incansable loop repetitivo en MTV.

Nirvana marcó el comienzo de un cambio dramático en la escena musical de su época, alejándola de los géneros dominantes de los años ochenta, el glam metal y el pop del tipo «radio friendly» y llevando al ascenso al rock alternativo y su subgénero, el grunge, convirtiéndolo en el estilo dominante de la primera mitad de la década de los ‘90. Baste recordar que para enero de 1992, ‘Nevermind’ había desplazado al disco ‘Dangerous’ de Michael Jackson del primer puesto del Billboard, marcando así la supremacía contradictoria del grunge y sus cinco minutos de gloria dentro de la historia de la música contemporánea. En buena parte, ese fuego punk y contracultural con que la crítica especializada intentó definir una música hecha por tres pibes de un pueblo de la Norteamérica profunda, los terminó devorando de a poco, empujándolos casi sin querer a un abismo del cual ya era difícil retornar.

La única solución posible a semejante contradicción era la muerta física. El plan había tocado su fin con éxito.

Andy Wood. Una voz, una vida

Junto a Chris Cornell, futuro cantante de Soundgarden

Considerado uno de los vocalistas más promisorios de la escena grunge de finales de la década de los 80, Wood fue fundador de Malfunkshun, una de las primeras bandas clasificables dentro de ese género, que luego de la disolución de Green River, en donde tocaban Stone Gossard y Jeff Ament (guitarrista y bajista de Pearl Jam, la banda más representativa y poderosa de ese movimiento), formaron Mother Love Bone. Además, Andy era muy amigo de Chris Cornell, con quien compartía habitación y componía.

Andy Wood murió a los 24 años luego de pasar unos días en coma. Acababan de grabar el primer y único disco de Mother Love Bone, ‘Apple’, que sería lanzado unos meses después de su muerte. Su partida significó un llamado de atención generacional, sobre todo para aquellos miembros cercanos del grupo y el entorno, Jeff Ament, Stone Gossard y Chris Cornell. Según el actual vocalista de Soundgarden, “él era como un haz de luz que estaba por encima de todo y, verlo conectado a las máquinas, fue como la muerte de la inocencia en nuestra historia. No fue después cuando la gente creyó que el fin de la inocencia se produjo cuando Kurt Cobain se voló la cabeza. No. Fue antes. Se produjo al entrar a esa habitación.”

Luego del fallecimiento de Wood, los miembros de Mother Love Bone decidieron separarse porque pensaban que Andy era irremplazable. Como homenaje póstumo, Chris Cornell le escribió dos canciones (‘Say hello 2 heaven’ y ‘Reach Down’). Posteriormente, Cornell, junto con dos ex miembros de Mother Love Bone (Stone Gossard y Jeff Ament), dos amigos (Eddie Vedder y Mike McCready) y Matt Cameron (compañero de Chris Cornell en Soundgarden) se unieron bajo el nombre Temple of the Dog, para lanzar el álbum homónimo en homenaje a Andy. El nombre está extraído de un verso de la canción ‘Man Of Golden Words’ de Mother Love Bone.

Moon fue conocido por su dramática e incendiaria forma de tocar la batería—evitando frecuentemente los ritmos básicos, enfocando su técnica en la rapidez, subrayando los redobles a través de los tambores, manejando el doble bombo de forma ambidiestra y golpeando los platillos hasta conjugar la enorme técnica con su personalidad frenética. Es mencionado en el Salón de la Fama del Rock como uno de los grandes bateristas del género, y de manera póstuma, fue inducido al Salón de la Fama del Rock en 1990.

La noche de su muerte, Moon fue invitado por Paul McCartney al pre-estreno de la película ‘The Buddy Holly Story’ (basada en el álbum del mismo nombre) el 6 de septiembre de 1978. Después de cenar con Paul y Linda McCartney en Peppermint Park, en Covent Garden, Moon y su novia, Annette Walter-Lax, regresaron al piso donde se alojaban.

Moon ingirió 32 pastillas de Clometiazol. El medicamento fue un sedante que le había sido prescrito para lidiar con sus síntomas de abstinencia al alcohol, mientras intentaba desintoxicarse en su propia casa. Moon estaba desesperado por limpiarse, pero estaba aterrado con la posibilidad de volver a otro hospital psiquiátrico de desintoxicación. Sin embargo, está específicamente contraindicado el consumo de Clometiazol en casa y sin supervisión, debido a su adicción y al riesgo de mezclar el medicamento con el alcohol, pudiendo provocar la muerte.

Moon murió poco después del lanzamiento de ‘Who Are You’, editado sólo tres semanas antes de su muerte. Como una paradójica chanza del destino, en la portada del álbum, se le observa sentado en una silla con el respaldo hacia adelante para ocultar el peso ganado durante los últimos tres años. Casualmente las palabras «No quitar» aparecen en la parte posterior de la silla.

Keith Moon fue incinerado ese mismo mes en Londres, en el Golders Green Crematorium, donde una placa conmemorativa con la frase «There is no substitute» («No hay sustituto», utilizando la palabra «Substitute», sencillo de The Who) fue puesta en el lugar. Sus cenizas fueron esparcidas en Gardens of Remembrance.

Antes de su fallecimiento, Moon ya había experimentado algunos serios problemas por el constante abuso de todo tipo de drogas y estupefacientes. Ya en la gira de Quadrophenia de 1973, en el Cow Palace en San Francisco, California, Moon tomó una gran mezcla de tranquilizantes de caballo con brandy. Keith se desmayó en el escenario durante «Won’t Get Fooled Again» y nuevamente en «Magic Bus». Fue ahí, casi de forma inesperada, cuando Townshend -inaugurando una modalidad que hasta bandas nacionales como Divididos supieron llevar a cabo- preguntó a la audiencia, «¿Puede alguien tocar la batería? – me refiero a alguien bueno». Un miembro del público, Scot Halpin, completó el resto de la presentación. Townshend más tarde, dijo en una entrevista que él no sabía cuánto era lo que consumían John y Keith. «Keith consumía de todo… mandrax para irse a dormir, tranquilizantes de elefante. Tomaba lo que le dieran». Durante el receso de grabaciones que se tomó la banda entre 1975 y 1978, Moon subió mucho de peso. Sin embargo, John Entwistle, bajista de la banda, sostuvo que Moon y él alcanzaron su cima en vivo durante los años 1975 y 1976. Esa gira les valió el apelativo de la revista Rolling Stone como la mejor banda de rock en vivo.