Inicialmente Aurthohin (que significa sin sentido) comenzó en 1993 como el proyecto solista del bajista, cantante y compositor Sumon, quien hoy por hoy, es el único miembro de la formación original que permanece en el grupo. El nombre “Aurthohin” lo tomó de una canción de una de las bandas pioneras del metal, Warfaze, de la cual Sumon fue miembro.

Cercanos al heavy y al hard rock, Aurthohin, (que hasta 1997 se lo conoció como Sumon O’ Aurthohin), no se encerraba en un estilo particular, combinando canciones pesadadas con temas acústicos y melódicos, algo que se convertiría en su marca registrada. En la actualidad incluso han incursionado en el punk y en el rock alternativo.

En el 2000 Aurthohin debutó con su primer álbum, “Trimatrik” (que significa tres dimensiones). En él, el grupo incluyó la canción de Warfaze que dio nombre a la banda liderada por Sumon. Este primer disco, como también el segundo, “Biborton”, lanzado en el 2001, fueron los álbumes que, de manera más notoria, mostraron a Aurthohin como el proyecto solista de Sumon: todos los temas son composiciones del ex bajista de Warfaze y fueron grabados por una gran cantidad de músicos colaboradores.

Para el 2003, año del lanzamiento de su cuarto álbum, “Dhrubok”, Aurthohin ya era un grupo de rock propiamente dicho. Sin embargo, sufriría su golpe más duro: Sumon, cantante y alma de la banda enferma gravemente y le diagnostican que no podrá volver a cantar. Para cumplir con la grabación del disco, Aurthohin ficha al cantante y baterista Raef al Hasan (que actualmente sigue en el grupo). Con él, logran terminar y editar “Dhrubok”, que se convierte en un éxito.

A pesar del promisorio futuro del grupo gracias a “Dhrubok”, la salud de Sumon se deteriora aún más, obligando a Aurthohin a hacer un parate que duraría casi cinco años. Durante este período, además, sufren la partida del guitarrista Minhajuddin Ahmed. Pero lo que parecía ser el fin de Aurthohin, no fue sino un largo descanso. Milagrosamente, Sumon comienza a recuperarse y vuelve a cantar. Además, el guitarrista Kamal, ex compañero de Sumon en Warfaze se une al grupo y, en 2008, lanzan su quinto álbum: el aclamadísimo “Aushomapto – 1”. Con un estilo más cercano al rock alternativo y hasta al pop, “Aushomapto – 1” se convierte en el mayor éxito del grupo, ganando el premio a la Mejor Banda de Rock en los premios de música de Bangladesh en 2008. Tres años después lanzarían su sexto y, hasta ahora, último álbum: “Aushomapto – 2”.

Metal, pop, rock alternativo, hard rock, canciones acústicas. En 20 años de vida y con solo seis álbumes Aurthohin parece intentar suplir ese tardío comienzo del rock bengalí pasando por todos los estilos posibles. Un grupo que, con una calidad sorprendente, demuestra que la buena música no conoce fronteras.

Escuchá Raater Train, del álbum Biborton (2001).

Ali Farka Touré nació en 1939 en Kanau, Mali. Último de diez hermanos, Touré fue el único de los diez niños que logró sobrevivir a una durísima infancia, recibiendo de sus padres el apodo de “Farka” por su tenacidad a la vida. Y sería esta tenacidad inquebrantable la que lo convertiría en uno de los músicos más adorados del continente negro.

La sociedad en Mali (como en casi toda África), está dividida por un sistema de castas. Los músicos y poetas pertenecen a la casta griot. Famosos artistas africanos como Youssou N’Dour, Toumani Diabaté o Papa Susso son griot. Ali Farka Touré, sin embargo, nació dentro de la casta arma y su destino estaba en la milicia. Tenaz y obstinado como pocos, Touré rechazó ese futuro violento (que, dicho sea de paso, acabó con la vida de su padre, que murió combatiendo para Francia en la Segunda Guerra Mundial), se dedicó a cultivar el campo y a descubrir por sí sólo los secretos del gurkel, el violín njarka y la flauta peul.

En 1960 Mali declaró la independencia de Francia y el nuevo gobierno comenzó a promover la música tradicional del país. Para ese entonces, Touré había formado su primer grupo, La Troupe 117, con el que comenzó a tocar en varios festivales de Mali. Ocho años después, viajaría a Bulgaria representando a Mali en un festival internacional.

A pesar de que ya era un músico conocido en su país, Alí Farka Touré se instaló en Bamako en 1970 y trabajó como ingeniero en Radio Mali. Allí, Touré accedería por primera vez a la música occidental, escuchando en especial blues y soul estadounidense. Esta época se convertiría en un punto de inflexión en la percepción musical de Torué, quien seis años después lanzaría su álbum debut, “Farka”, fusionando el blues norteamericano con la música tradicional maliense.

Sería la década del ochenta la que catapultaría a Alí Farka Touré a los primeros planos internacionales. Instalado en la localidad de Niafunké (localidad de la que, como dato de color, fue alcalde en 2004), Touré lanzó en 1988 el disco “Alí Farka Touré”, que se convirtió en un éxito tan grande que provocó la reedición del material suyo grabado en los años setenta.

Ya convertido en uno de los músicos más famosos y respetados del continente africano, en 1991 lanzó “The Source”, con la colaboración del gran Taj Mahal. Luego, en 1994, junto al enorme Ry Cooder publicó, quizá, su mejor álbum, “Talking Timbuktu”, disco que le haría ganar su primer premio Grammy. Volvería a trabajar con Ry Cooder para el álbum “In The Heart of The Moon”, publicado en el 2005 y por el cual ganaría su segundo premio Grammy.

En el año 2003, el director Martin Scorsese impulsa un proyecto de siete documentales sobre el blues. Él mismo filmaría el suyo, donde rastrea en los orígenes del blues. La película se llamó “Feel Like Going Home” y es un viaje hacia donde todo comenzó. Un viaje hacia la costa oeste africana. Narrado por el músico Corey Harris, Alí Farka Touré tiene una imprescindible participación.

Leyenda del blues y uno de los más grandes representante de la cultura de Mali y de todo el continente, Alí Farka Touré seguiría lanzando discos hasta el mismo año de su muerte, ocurrido en marzo del 2006, víctima de un cáncer de huesos. Eximio guitarrista, con un estilo minimalista por el cual ha sido comparado con John Lee Hooker, el tenaz Alí Farka Touré no sólo nos regaló su extraordinaria música, sino también la prueba, indefectible, de que con esfuerzo, cualquier cosa se puede lograr.

Amandrai, del discazo Talking “Talking Timbuktu” (1994), ideal para escuchar un jueves (los miércoles también sirve), después del trabajo, con luces bajas y en el sillón favorito!

Formada en Budapest en 1962, apenas unos años después que los Beatles, Omega comenzó como cualquier grupo de barrio: tocando covers de bandas inglesas y americanas. Liderada por el tecladista Laszlo Benko y el cantante y guitarrista Janos Kobor, los primeros pasos de Omega fueron como un grupo beat, de hecho sus primeros tres discos (lanzados en 1968, 1969 y 1970) estarían fuertemente influenciados por los Fab Four.

Durante sus primeros cinco años, Omega sufriría una serie de bajas y deserciones que llegaría a su fin en 1967 con el ingreso del bajista Tamás Mihaly y el tecladista Gabor Presser. A partir de allí, Omega comenzaría a escribir sus propias canciones, debutando al año siguiente con ‘Trombitás Frédi és a rettenetes emberek’. El álbum, que fue el primer disco húngaro de rock conformado por canciones de un mismo grupo, fue todo un éxito y le permitió a la banda hacer una gira por Inglaterra (que realizó bajo el nombre de Omega Red Star). Además, editaron una versión del disco en inglés para intentar ganar el mercado anglosajón. Las publicaciones en inglés de sus discos serían una constante en la carrera de Omega que, más allá de algún éxito aislado (como el tema Gyöngyhajú lány grabado como White Dove por los alemanes Scorpions en 1995), no obtendrían resultados significativos.

En 1971, con el ingreso del baterista Ferenc Debreczeni y la baja del tecladista Gabor Presser, la alineación del grupo se estabilizaría hasta seguir en la actualidad (sumándose a ella el guitarrista György Molnár). También, a partir de ese año, Omega dejaría el beat, cambiando a un estilo más duro, cercano al hard rock. Durante este período rockero, el grupo viviría en carne propia los embates del sistema político comunista. Vale recordar que en los años 70, Hungría se encontraba bajo la órbita de la Unión Soviética y los atentados contra la libertad eran moneda corriente. En 1972 el grupo liderado por Janos Kobor grabaría su cuarto álbum: “200 évvel az utolsó háború után” (traducido como “200 años antes de la primera guerra”). El álbum fue inmediatamente censurado por el gobierno y recién pudo ser editado más de 20 años después, en 1998 con la cortina de hierro destruida.

A pesar de esta triste realidad, Omega se las ingenió para lanzar 10 discos de estudio entre 1972 y 1987, cambiando el sonido crudo y poderoso del hard rock por la experimentación del rock progresivo. En 1975, con el lanzamiento de “Omega 6: Nem tudom a neved” la banda húngara se alineaba oficialmente junto con Pink Floyd, Camel y Caravan. En 1979 vería la luz “Gammapolis”  su noveno álbum y el que se convertiría en el más exitoso de su carrera (y el más exitoso en la historia del rock húngaro), vendiendo 650 mil copias.

Luego de un parate de ocho años, Omega volvería a grabar a mitad de los años noventa, publicando en 1995 “Trans and Dance”. Ya instalados como una de las bandas de Space Rock más importantes de Europa, el legendario grupo húngaro seguiría trabajando, aunque en menor proporción, durante el nuevo milenio, editando “Omega XVI: Égi jel: Omega” en 2006 y “Omega Rhapsody” en 2010, siendo éste su último álbum de estudio a la fecha.

Con más de 50 años de carrera, Omega ha sabido bucear por el beat, el hard rock y el rock progresivo con una originalidad y profesionalismo pocas veces vista. Pocas bandas han cambiado de estilo tan radicalmente sin pisar en falso. El grupo húngaro, apelando a un asombroso caso de personalidad múltiple, logró pasar de un género a otro con total libertad y credibilidad. Al escuchar sus primeros discos, pensamos que Omega es una banda beat. En sus discos posteriores, descubrimos que Omega también es una banda de hard rock. Y luego, que es una de las mejores bandas de Space rock del planeta. Quizás, Omega sólo sea esto último: una de las mejores bandas del planeta.

Para disfrutar, el temazo Gammapolis 1, del disco homónimo de 1979.

10) Omega (Purple Lady)

Una de las bandas húngaras más importantes de la historia, cercanas al Pink Floyd más psicodélico. Atenti a la guitarra espacial de György Molnár.

9) Thin Lizzy (Whiskey in a Jar)

Capitaneados por el bajista Phil Lynott, los dublineses de Thin Lizzy ofrecen una insuperable versión de esta tradición canción folklórica irlandesa con un gran solo de Eric Bell.  Click aquí para saber más.

8) Uchpa (Ananao)

El guitarrista peruano Marcos Maizel agrega un poco de Hendrix al poderoso blues de Uchpa. Click aquí para saber más.

7) Parikrama (Load Up)

Los “AC/DC” de la India y un temazo donde el enorme violero Sonam Sherpa demuestra toda su maestría con el slide. Click aquí para saber más.

6) Focus (Sylvia)

En Holanda se formó una de las bandas progresivas más importantes de la historia. Con Sylvia, del disco Focus 3, Jan Akkerman ingresa al Olimpo de guitarristas.

5) Ali Farka Touré (Ai Du)

Llamado el “John Lee Hooker” africano, el enorme guitarrista de Mali demuestra que esa denominación le queda corta con este gran tema del disco Talking Timbuktu, grabado junto a Ry Cooder.

4) Ana Popovic (Love me Again)

La guitarrista nacida en Serbia ya puede ir considerándose como una de las mejores violeras femeninas de todos los tiempos. “Love me Again” es prueba de ello. Click aquí para saber más.

3) Breakout (Pomaluj moje sny)

La banda más grande de Polonia, la música de Breakout se alinea perfectamente con el blues blanco inglés de finales de los 60 y principios de los 70, y su guitarrista, Tadeusz Nalepa, cumple con creces el mote de “dios de la guitarra”. Click aquí para saber más.

2) Rory Gallagher (Cradle Rock)

Quizás el músico más conocido de esta lista, el irlandés Rory Gallager está considerado uno de los más grandes guitarristas de rock y blues de todos los tiempos.

1) Yavuz Çetin (Benimle Uçmak ister misin?)

Sólo dos discos le bastaron a Yavuz Çetin para convertirse en uno de los más influyentes músicos de rock de Turquía. Su prematura muerte (se quitó la vida a los 30 años), cortó una ascendente carrera y acabó con uno de los más talentosos músicos del nuevo milenio. Click aquí para saber más.

Ana Popovic nació en 1976 en Belgrado, por entonces, capital de la Yugoslavia socialista. Por influencia de su padre, Milutin, quien era un guitarrista y bajista no profesional, Ana comenzó a interesarse por el blues y el rock desde muy joven. Sin embargo, no sería hasta los quince años que consiguió su primera guitarra.

Hush!, su primer grupo, nació en 1995. La banda comenzó a tocar incansablemente, haciendo una innumerable cantidad de shows y aumentando así su fama. Su primer álbum, “Hometown” vio la luz en 1998. Para ese año, Hush! ya era un grupo conocido en su tierra y, con el fin del comunismo, comenzaron a girar por fuera del país, en especial por Grecia y Hungría.

A pesar del buen andar de Hush, Ana decidió abandonar el grupo y mudarse a Holanda, donde fue aceptada para estudiar en el prestigioso Conservatorio de Ultrech. Allí, Popovic formó un nuevo grupo y comenzó a tocar por bares y clubes de blues, tanto en Holanda como en Alemania. Esto llevaría a la guitarrista a firmar contrato con el sello alemán Ruf Records y, lógicamente, a abandonar el conservatorio.

En el año 2000 Ana viajó a Memphis, Estados Unidos, para grabar su primer álbum, que salió a la venta en el 2001. “Hush!”, su debut como solista, contó con la producción de Jim Gains (que trabajó con Santana y John Lee Hooker, entre otros), y sería el puntapié inicial de una carrera que no paró de crecer.

Después de “Hush”, la cantante y guitarrista serbia participó de un disco tributo a Jimi Hendrix junto a luminarias del rock y del blues como Taj Mahal, Eric Burdon y Buddy Miles. En el 2003, regresaría a Memphis para grabar su segundo LP, “Comfort to the Soul”, que la llevaría a recibir una nominación en los WC Handy Awards, siendo la primer artista europea en ser nominada.

“Still Making History” (2007), “Blind for Love” (2009), “Unconditional” (2011) y “Can You Stand the Heat”, lanzado este año, confirman el crecimiento de esta impresionante artista, que se dio el lujo de tocar con leyendas como Buddy Guy, Solomon Burke, Susan Tedeschi, entre muchas más. Con un estilo que fusiona el blues con el rock y el jazz, Ana Popovic ha sabido ganarse un lugar en el género y derribar, a puro solos de guitarra, ese rídiculo preconcepto de que las mujeres sólo pueden cantar el blues.

Para disfrutar todo el día, el temazo “Cand You Stand the Heat”, del álbum del mismo nombre del 2013.

En 1971, el panorama musical se había modificado. Bandas como Led Zeppelin, Supertramp, Marvin Gaye, o Santana dominaban la escena. En Nigeria, (y la mayor parte de África), el “afrobeat”, con Fela Kuti como su mayor representante, ya era parte del ADN de los jóvenes. Es en 1971 que Ofege ve la luz, formado por seis compañeros de colegio secundario St. Gregory’s Collage, en Lagos, capital del país. Led Zeppelin, los Bay City Rollers, las bandas locales BLO, Monomono y The Funkees y, en especial, Santana fueron la mayor influencia de este grupo de chicos.

En 1974 lanzan su primer álbum “Try and Love”. El álbum fusiona el afrobeat con funk, armonías vocales cercanas a The Supremes y las bandas Motown de los años sesenta, al que agregan efectos y sonidos psicodélicos. El mismo año graban un segundo disco: “The Last of the Origins”, más rockero, pero sin desprenderse de la psicodelia y las armonías vocales que ya eran una marca registrada. El afrobeat y Santana continúan siendo su mayor influencia.

En 1975 se separan, pero regresan en el ‘77 para lanzar dos discos más, (que serían los últimos), “Higher Plane Breeze” (1977) y How do You Feel (1978). Luego, se separarían otra vez, siendo ésta, en forma definitiva. Con una corta carrera, marcada por algunos vaivenes, Ofege desplegó una frescura y un desparpajo musical como pocos, obteniendo, no sólo una obra original, honesta y divertida, sino también un gran éxito en los años 70. A pesar del éxito, Ofege parece no haberse tomado muy en serio su carrera, y quizá fue por esta razón que su música trascendió las fronteras.

Los álbumes enteros de esta gran banda nigeriana se pueden encontrar en Internet. Acá les dejo un temazo, digno de una película de Blaxploitation: “Evil Child”, del álbum “The Last of the Origins”.

Originarios de Paris, Louise Attaque se formó en 1994, cuando Arnaud Samuel respondió un anuncio publicado por Gaëtan Roussel (voz y guitarra), Robin Feix (Bajo) y Alexandre Margraff (batería), (que en ese entonces se llamaban Caravage), buscando guitarrista. Samuel tocaba la guitarra, pero su primer instrumento era el violín. De esta forma, Caravage moriría y nacería Louise Attaque, y el violín de Arnaud Samuel se convertiría en la marca distintiva del grupo.

Bautizados en honor a Louise Michel, una anarquista francesa del Siglo XIX, y también en referencia a la (recomendadísima) banda norteamericana Violent Femmes, Louise Attaque comienza a tocar en bares, pubs y festivales de Francia, donde van cobrando cada vez más fama. En 1997, Marck Thonon, quien había creado un año antes la productora “Atmosphériques”  los descubre y les ofrece la posibilidad de lanzar su primer álbum. De esa forma, sale a la venta “Louise Attaque”, álbum debut del grupo, con producción del líder de los Violent Femmes, Gordon Cano. El álbum vende 2,5 millones de copias y se convierte en un récord absoluto para una banda francesa desconocida.

Louise Attaque no lanzaría un segundo disco sino hasta tres años después. A principios del 2000 vería la luz “Comme on a dit”, que también sería un éxito al venderse unas 700 mil copias. Sin embargo al año siguiente, a pesar del éxito, el grupo decide tomarse un descanso. Las razones: agotamiento, presión y falta de inspiración. Este hiato en la carrera del grupo duraría hasta el 2004, cuando se rencuentren para una gira mundial.

SI bien nunca perdieron contacto, (durante los tres años de separación nacieron dos nuevos grupos: “Tarmac” con Gaëtan Roussel y a Arnaud Samuel y “Ali Dragon”, formado por Robin Feix y Alexandre Margraff), el rencuentro de Louise Attaque cobraría forma en el 2004, cuando emprendieron una gira mundial que los llevó por primera vez a Latinoamérica (incluida la Argentina). La gira, que acabó exitosamente en el 2005 y fue, según sus palabras, una vuelta a los inicios, produjo el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, bautizado “A plus tard, crocodrile”.

El grupo inicia una nueva gira, ésta vez sólo por Europa, para promocionar el nuevo álbum, disco que fue, como los anteriores dos, un éxito. Sin embargo, la banda casi sorpresivamente decide separarse de nuevo en 2007. A pesar del lanzamiento en el 2011 de un álbum recopilatorio, los miembros de Louise Attaque continúan en la actualidad con sus proyectos y colaboraciones por separado, sin dar señales de volver a reunirse.

A pesar de sólo haber editado tres discos, Louise Attaque se las ingenió para convertirse en una de las bandas francesas más exitosas. Como la gran mayoría de los grupos franceses de rock, Louise Attaque es difícil de clasificar, aunque es el folk (un folk a la francesa mezclado con punk y art rock), el género que más se acerca a la música del grupo liderado por Gaëtan Roussel. Y mientras esperamos un nuevo rencuentro, les dejamos uno de los mejores temas de esta banda parisina: “J’t'emmène au vent”, del disco “Louise Attaque”.

The 5,6,7,8’s es un trío femenino de surf rock, rockabilly y garage, quizá, tres de los subgéneros del rock más asociados a la cultura estadounidense. Formada en Tokyo en 1986 por las hermanas Sachiko y Yoshiko Fujiyama, en batería y voz y guitarra respectivamente, Yoshiko Yamaguchi en bajo y Rico en guitarra, el grupo adoptaría oficialmente el formato de trío en 1992, cuando antes de iniciar una exitosa gira por Australia, Rico dejaría la banda. Para ese año, ya habían lanzado su disco debut “The 5.6.7.8′s Can’t Help It!” (1991), álbum, en su mayoría, formado por covers de populares canciones norteamericanas de los años 60.

A pesar de su estética pin up de los años 60 y de una discografía en donde prevalecen los covers de grupos estadounidenses, The 5.6.7.8′s cantan la mayoría de sus canciones en su idioma nativo. El grupo ha lanzado ocho discos de estudio, entre los que se destacan “Bomb The Twist”, que vio la luz en 1996, “Pin Heel Stomp”, de 1997 y “Bomb the Rocks: Early Days Singles”, lanzado en el 2003.

En 2003 la música de The 5.6.7.8′s tuvo un impulso gigantesco gracias a Quentin Tarantino y su película Kill Bill Vo. 1. El director incluyó no sólo canciones suyas en el soundtrack del film, sino también una escena del grupo tocando en vivo en un izakaya, un típico bar nipón. En esa grandiosa escena de la película, las chicas de The 5.6.7.8′s tocaban “Woo-hoo”, tema del álbum “Bomb the Twist”.

Actualmente, y con Akiko Omo en el bajo en lugar de Yoshiko Yamaguchi, las desfachatadas chicas japonesas siguen tocando y girando por el mundo. Y, como decíamos al comienzo, con la cultura nipona en auge, no estaría mal un poco de música acorde para acompañar un buen plato de sushi mientras se lee el primer tomo de Shingeki no Kyojin.

Acá les dejamos “Green Onions”, tema lanzado en el álbum “Teenage Mojo Workout” (2002).

Thin Lizzy se formó en Dublín en 1969. Si bien sufrieron varias separaciones y reuniones,-la última de ellas fue en el 2010 y hasta hoy permanecen en actividad- y muchos cambios en su formación, esta nota se ocupará del período 1969-1983, período liderado por su fundador, alma y corazón del grupo: Phil Lynott.

Bajista, cantante y poeta (publicó dos libros de poesía), Phil Lynott nació el 20 de agosto de 1940 en West Bromwich, Inglaterra. Hijo de padre guyanés y madre irlandesa, se mudó a la isla esmeralda en su infancia, luego de ser abandonado por su progenitor. Bien podría decirse que Lynott era el único niño de raza negra en Irlanda.

Ya en la adolescencia, a fines de los años sesenta, Lynott conoce al baterista Brian Downey y juntos forman Thin Lizzy. El guitarrista Eric Bell y el tecladista Eric Wrixon completarían la base fundacional. Sin embargo, en 1970, Wrixon abandonaría el grupo. En 1971 viajan a Inglaterra y lanzan su homónimo álbum debut, (el cual incluye “Whiskey in a Jar”, una tradicional canción irlandesa cuya versión rockera del grupo sería rescatada, muchos años después, por Metallica: acá el link). A pesar del álbum, el guitarrista Eric Bell deja la banda y es reemplazado, por un breve periodo, por el genial Gary Moore. Pero sería en 1974, con la incorporación de los guitarristas Scott Gorham y Brian Robertson que Thin Lizzy encontraría su sonido característico y comenzaría el camino del éxito.

Thin Lizzy, a partir de la llegada de Gorham y Robertson, se convierte en una de las primeras bandas de hard rock en utilizar dos guitarras melódicas a la vez, técnica que influiría directamente en grupos de Heavy Metal como Judas Priest o Iron Maiden. La influencia del par de guitarristas traería, además, los álbumes más exitosos y elogiados de la banda: “Nightlife” (1974) y, sobre todo, “Figthing” (1975) y “Jailbreak” (1976, considerado su disco definitivo).

En 1983 vería la luz el último disco de estudio del grupo “Thunder and Lightning”, (la discografía de Thin Lizzy se ampliaría con decenas de discos en vivo y recopilaciones que se publicarían, en especial, a partir de los años 90), y sería también el año en que Phil Lynott desintegraría la banda para continuar con su carrera solista que había arrancado en 1980. Sin embargo, su incipiente carrera quedaría trunca al morir, súbitamente, por sobredosis el 4 de enero de 1986. En 2005 una estatua de bronce fue erigida en Dublin en su honor.

Con un personalísimo estilo musical que influyó a buena parte de las bandas de heavy metal británicas que nacieron en los años 80, Thin Lizzy llevó el hard rock a un lugar que muy pocos pueden llegar, cubriendo además terrenos como el country y el folk. Párrafo aparte merecen las poéticas y comprometidas letras de Lynott, influenciado por Bod Dylan, Van Morrison, Bruce Springsteen y la literatura irlandesa, donde las críticas sociales y los dramas de amor y odio son moneda corriente. El predominio actual de grupos, supuestamente, de “rock” con letras “jugadas”, genera un especie de engaño, haciéndonos creer que la profundidad, tanto lírica como musical, equivale a tocar tres acordes, hablar de la minita que se fue o lo enojado que estamos y poner cara de circunstancia. Pero siempre es bueno recordar que la realidad es mucho más que todo eso. Y nada mejor que Thin Lizzy para hacerlo.

“The Boys are Back in Town”, de Jailbreak (1976), el mayor éxito de Thin Lizzy:

Amberes, 1991. El guitarrista y vocalista Tom Barman, junto al violinista Klaas Janzoons, el bajista Stef Kamil Carlens, el tecladista Mark Meyers, el guitarrista Rudy Trouvé y el baterista Julle De Borgher se unen y forman un grupo de música al que llaman dEUS en honor a una canción del mismo nombre de The Sugarcubes (grupo islandés alternativo de fines de los ochenta liderado por Bjork). Luego de un breve comienzo como banda de covers, dEUS empieza a componer material propio y a tocar en vivo. Y son, justamente, sus shows –llenos de improvisación, quizás como una herencia genética del legendario Django Reinhardt- los que promueven al grupo una incipiente fama en el mundillo del rock.

Aún como una banda indie (categoría en la que hoy, 22 años y 7 discos después, parece no haberse despegado), lanzan en 1993 su primer EP, “Zea”. Este EP, junto a los irreverentes e improvisados shows en vivo, llamó la atención de la legendaria productora inglesa Island Records, quienes le ofrecieron su primer contrato. De esta forma, el grupo liderado por Tom Barman se convertía en la primera banda indie en firmar para una productora internacional en la historia del rock belga. A partir de allí, la historia de dEUS estaría marcada por dos tópicos: por un lado, el crecimiento, tanto de fanáticos como en lo musical. Por el otro, los interminables cambios de integrantes.

Con influencias de Frank Zappa, Tom Waits y Capitain Beefheart, en 1994 ve la luz el primer álbum de dEUS, “Worst Case Scenario”, que incluyó dos de sus canciones más populares: “Suds and Soda” y “Via”. El disco también marcó el primer alejamiento de un integrante. Mark Meyers, tecladista del grupo, abandonaría dEUS antes de la salida del álbum debut.

En 1995 lanzan el segundo disco, “In a Bar, Under the Sea”. El álbum, que se convierte en un gran éxito, tanto en críticas como en ventas, provocó el alejamiento del guitarrista Rudy Trouvé, quien dejó el grupo alegando que el éxito conseguido por el disco le quitaba tiempo para realizar otras actividades. Claro que esas actividades eran sus otras bandas “Kiss My Jazz”, “Dead Man Ray” y “The Love Substitutes”, grupos formados por miembros actuales y pasados de dEUS. También el bajista Stef Kamil Carlens se alejó para enfocarse en su otro grupo, “Zita Swoon”. Fueron reemplazados por Craig Ward y Danny Mommens respectivamente.

Cuatro años más tarde, en 1999, lanzaban su tercer álbum, “The Ideal Crash”, con un estilo menos experimental y excéntrico, y mucho más accesible. Los tres álbumes vendieron unas 750 mil copias y convirtió a la banda en un grupo de culto. Luego de la gira para promocionar su último álbum, dEUS se toma un largo descanso de seis años, donde cada miembro aprovecha para enfocarse en sus proyectos personales. El cantante Tom Barman, por ejemplo, escribe y dirige en 2003 la película “Any Way the Wind Blows”, que ganó dos premios Joseph Plateau (algo así como los Oscar belgas).

Recién en el 2005, el grupo regresa al ruedo con el álbum “Pocket Revolutions”, al que acompañaron con una gira internacional. El disco, además, sería el último con Danny Mommens en la formación, una de las bajas más importantes que sufrió el grupo nacido en Amberes. Con “Pocket Revolutions” la formación dEUS se estabilizaría con Tom Barman y Klaas Janzoons (únicos miembros originales), en voz y violín, Stéphane Misseghers en batería, Alan Gevaert en bajo y el guitarrista Mauro Pawlowski. Esta formación lanzaría los álbumes “Vantage Point” (2008), “Keep You Close” (2011) y “Following Sea” (2012).

Manteniendo un espíritu indie que, pareciera, les da la libertad para hacer y deshacer a su antojo, dEUS, sin embargo, es una de las bandas más importantes de Bélgica y una de las más conocidas fuera del país. Con influencias de Bauhaus, Sonic Youth, The Velvet Underground, Frank Zappa y Leonard Cohen, entre otros, dEUS se da el lujo de fusionar géneros tan disímiles como el jazz, el pop, el funk, el avant-garde y el rock alternativo, acercándose al art-rock y obteniendo, como resultado, uno de los sonidos más originales, no solo en Bélgica, sino de toda Europa.

Te dejamos para que disfrutes del temazo “The Architect”, lanzado en el disco “Vantage Point” de 2008.