Ali Farka Touré nació en 1939 en Kanau, Mali. Último de diez hermanos, Touré fue el único de los diez niños que logró sobrevivir a una durísima infancia, recibiendo de sus padres el apodo de “Farka” por su tenacidad a la vida. Y sería esta tenacidad inquebrantable la que lo convertiría en uno de los músicos más adorados del continente negro.

La sociedad en Mali (como en casi toda África), está dividida por un sistema de castas. Los músicos y poetas pertenecen a la casta griot. Famosos artistas africanos como Youssou N’Dour, Toumani Diabaté o Papa Susso son griot. Ali Farka Touré, sin embargo, nació dentro de la casta arma y su destino estaba en la milicia. Tenaz y obstinado como pocos, Touré rechazó ese futuro violento (que, dicho sea de paso, acabó con la vida de su padre, que murió combatiendo para Francia en la Segunda Guerra Mundial), se dedicó a cultivar el campo y a descubrir por sí sólo los secretos del gurkel, el violín njarka y la flauta peul.

En 1960 Mali declaró la independencia de Francia y el nuevo gobierno comenzó a promover la música tradicional del país. Para ese entonces, Touré había formado su primer grupo, La Troupe 117, con el que comenzó a tocar en varios festivales de Mali. Ocho años después, viajaría a Bulgaria representando a Mali en un festival internacional.

A pesar de que ya era un músico conocido en su país, Alí Farka Touré se instaló en Bamako en 1970 y trabajó como ingeniero en Radio Mali. Allí, Touré accedería por primera vez a la música occidental, escuchando en especial blues y soul estadounidense. Esta época se convertiría en un punto de inflexión en la percepción musical de Torué, quien seis años después lanzaría su álbum debut, “Farka”, fusionando el blues norteamericano con la música tradicional maliense.

Sería la década del ochenta la que catapultaría a Alí Farka Touré a los primeros planos internacionales. Instalado en la localidad de Niafunké (localidad de la que, como dato de color, fue alcalde en 2004), Touré lanzó en 1988 el disco “Alí Farka Touré”, que se convirtió en un éxito tan grande que provocó la reedición del material suyo grabado en los años setenta.

Ya convertido en uno de los músicos más famosos y respetados del continente africano, en 1991 lanzó “The Source”, con la colaboración del gran Taj Mahal. Luego, en 1994, junto al enorme Ry Cooder publicó, quizá, su mejor álbum, “Talking Timbuktu”, disco que le haría ganar su primer premio Grammy. Volvería a trabajar con Ry Cooder para el álbum “In The Heart of The Moon”, publicado en el 2005 y por el cual ganaría su segundo premio Grammy.

En el año 2003, el director Martin Scorsese impulsa un proyecto de siete documentales sobre el blues. Él mismo filmaría el suyo, donde rastrea en los orígenes del blues. La película se llamó “Feel Like Going Home” y es un viaje hacia donde todo comenzó. Un viaje hacia la costa oeste africana. Narrado por el músico Corey Harris, Alí Farka Touré tiene una imprescindible participación.

Leyenda del blues y uno de los más grandes representante de la cultura de Mali y de todo el continente, Alí Farka Touré seguiría lanzando discos hasta el mismo año de su muerte, ocurrido en marzo del 2006, víctima de un cáncer de huesos. Eximio guitarrista, con un estilo minimalista por el cual ha sido comparado con John Lee Hooker, el tenaz Alí Farka Touré no sólo nos regaló su extraordinaria música, sino también la prueba, indefectible, de que con esfuerzo, cualquier cosa se puede lograr.

Amandrai, del discazo Talking “Talking Timbuktu” (1994), ideal para escuchar un jueves (los miércoles también sirve), después del trabajo, con luces bajas y en el sillón favorito!

Ana Popovic nació en 1976 en Belgrado, por entonces, capital de la Yugoslavia socialista. Por influencia de su padre, Milutin, quien era un guitarrista y bajista no profesional, Ana comenzó a interesarse por el blues y el rock desde muy joven. Sin embargo, no sería hasta los quince años que consiguió su primera guitarra.

Hush!, su primer grupo, nació en 1995. La banda comenzó a tocar incansablemente, haciendo una innumerable cantidad de shows y aumentando así su fama. Su primer álbum, “Hometown” vio la luz en 1998. Para ese año, Hush! ya era un grupo conocido en su tierra y, con el fin del comunismo, comenzaron a girar por fuera del país, en especial por Grecia y Hungría.

A pesar del buen andar de Hush, Ana decidió abandonar el grupo y mudarse a Holanda, donde fue aceptada para estudiar en el prestigioso Conservatorio de Ultrech. Allí, Popovic formó un nuevo grupo y comenzó a tocar por bares y clubes de blues, tanto en Holanda como en Alemania. Esto llevaría a la guitarrista a firmar contrato con el sello alemán Ruf Records y, lógicamente, a abandonar el conservatorio.

En el año 2000 Ana viajó a Memphis, Estados Unidos, para grabar su primer álbum, que salió a la venta en el 2001. “Hush!”, su debut como solista, contó con la producción de Jim Gains (que trabajó con Santana y John Lee Hooker, entre otros), y sería el puntapié inicial de una carrera que no paró de crecer.

Después de “Hush”, la cantante y guitarrista serbia participó de un disco tributo a Jimi Hendrix junto a luminarias del rock y del blues como Taj Mahal, Eric Burdon y Buddy Miles. En el 2003, regresaría a Memphis para grabar su segundo LP, “Comfort to the Soul”, que la llevaría a recibir una nominación en los WC Handy Awards, siendo la primer artista europea en ser nominada.

“Still Making History” (2007), “Blind for Love” (2009), “Unconditional” (2011) y “Can You Stand the Heat”, lanzado este año, confirman el crecimiento de esta impresionante artista, que se dio el lujo de tocar con leyendas como Buddy Guy, Solomon Burke, Susan Tedeschi, entre muchas más. Con un estilo que fusiona el blues con el rock y el jazz, Ana Popovic ha sabido ganarse un lugar en el género y derribar, a puro solos de guitarra, ese rídiculo preconcepto de que las mujeres sólo pueden cantar el blues.

Para disfrutar todo el día, el temazo “Cand You Stand the Heat”, del álbum del mismo nombre del 2013.

A lo largo de los años, el país andino ha dado sobradas muestras de su calidad y originalidad artística, no sólo en la música, sino en todas las ramas del arte, (siendo la literatura, quizás la más notoria con escritores y poetas de la talla de Mario Vargas Llosa, César Vallejo y José María Arguedas, entre muchísimos otros). En lo que se refiere a lo musical, y al rock estrictamente, no existe mejor ejemplo que Los Saicos, formados en 1964 en Lima, quienes podrían considerarse una de las primera (sino la primera) banda de garage rock o proto punk del mundo.

En la misma línea de originalidad, arrojo y fusión entre lo autóctono y extranjero, se encuentra Uchpa. Este grupo que se formó en 1991 en Ayacucho y cuyo nombre significa “ceniza”, comenzó como una banda de covers, en quechua… ¡de Nirvana! Liderado por Freddy Ortíz e Igor Montoya, Uchpa rápidamente abandonarían el grunge y se sumergirían en el blues y al rock, haciendo versiones (en quechua, obvio), de clásicos de los 60 y 70. Ese mismo año debutaban con el álbum Wayrapin qaparichkan (que significa “gritando en el viento”).

Cuatro años más tarde, en 1995, logran grabar Qawka kawsay (“viviendo en paz”), segundo disco del grupo y último con esa formación, ya que al año siguiente, los músicos seguirían caminos y proyectos por separado. Sin embargo, Uchpa seguiría vivo. Freddie Ortíz, líder e ideólogo del grupo, viaja a la capital peruana donde convoca a otros músicos y forma una segunda formación de la banda, la cual se mantiene hasta la actualidad.

Estimulado por los aires de la capital, con la frescura y el talento de sus nuevos compañeros de ruta, y una producción más importante sosteniéndole sus espaldas, Freddie y Uchpa lanzan en el 2000 Qukman muskiy (que significa “respiro diferente”), su tercer disco y el que transformaría al grupo en estrellas de rock. Uno de los temas del disco, Chachaschay, que paradójicamente no es un blues, sino un huayno peruano, se convertiría en el mayor éxito de su carrera.

A pesar del amor de los fanáticos, los elogios de la crítica y las grandes canciones, Uchpa ha mantenido un silencio discográfico desde el 2005. Luego de Qukman muskiy en el 2000, sólo han viso la luz dos discos en vivo, (“En concierto en la Noche de Barranco”, del 2003 y “Concierto”, del 2005) y un álbum de grandes éxitos (“Lo mejor de Uchpa”, también lanzado en el 2005).

Con guitarras filosas, una base sólida, una voz de reviente y un sonido limpio pero poderoso, Uchpa ha logrado seguir esa especie de tradición implícita del arte peruano: valentía creadora, originalidad infinita y fusión cultural. Mientras tanto, nosotros aquí, esperamos ansiosamente su próximo trabajo.

Mientras esperamos un próximo álbum de Uchpa, les dejo el video del temón Kusi Kusun, del álbum Qukman muskiy.

Yavuz Çetin nació el 25 de septiembre de 1970 en la ciudad de Samsun, al norte de Turquía. Hijo de un periodista, Çetin pasó gran parte de su infancia y adolescencia recorriendo todo el país, empapándose y absorbiendo las distintas culturas y realidades de un país tan diverso como el turco.

Durante la secundaria traba amistad con Ercan Saatci, quien también se convertiría en un famoso músico y sería el productor de su segundo disco. Juntos componen una canción, “I Will Cry”, que gana un concurso organizad por una conocida revista. A pesar del buen augurio, una vez terminada la secundaria Çetin, que ya en ese momento era un gran guitarrista de blues, decide ingresar al departamento de música de la Universidad de Marmara. Paralelamente, forma su primera banda, Blue Blues Band.

A pesar de su gran talento, el grupo no logra despegar y Çetin se convierte en músico cesionista, colaborando con muchos músicos turcos como el grupo Mazhar-Fuat-Ozkan, Teoman, Kirac y Sibel Tüzün, entre otros. Durante sus años como cesionista, (en donde también trabaja componiendo jingles), lanza su primer álbum, Ilk ve Son (que significa “primero y último”), en 1997. El disco, hoy considerado un clásico, fue un rotundo fracaso. A tal punto que Çetin se alejó de los primeros planos musicales, (con la salvedad de que un tema suyo fue incluido en la banda sonora de la película “Propaganda”, de 1999), viviendo como músico de cesión y compositor de jingles.

En septiembre del 2001, cuatro años después de su debut discográfico, veía la luz Satilik (que significa “En venta”). El álbum fue aclamado en todo el país, se convirtió en un éxito sin precedentes, provocó el redescubrimiento de su primer trabajo y fue tildado por la crítica especializada como la obra de un genio.

Lamentablemente, seis semanas antes de su lanzamiento, Yavuz Çetin se suicidó tirándose al Bósforo, alcanzando por ello el estatus de leyenda. ¿Qué hubiera pasado si hubiese nacido en, digamos, Seattle? Seguramente no se hablaría tanto de Jeff Buckley. Lo cierto es que el breve paso de Yavuz Çetin por este mundo fue tan efímero como profundo: con sólo dos discos transformó el rock de un país para siempre.

Acá les dejo la canción Sadece Seninle Olmak, del álbum Satilik (2001). Como dato de color, Yavuz Çetin fue, además, el primer músico turco en utilizar la Talk Box, efecto que se escucha en esta canción y que fue popularizado por Peter Frampton.

Hans Theessink es una rara avis dentro del blues. No porque sea holandés y toque la música de B.B. King, (porque no existe país en el mundo donde no se toque el blues), sino porque se especializa en el Delta Blues, quizá el subgénero más puro y el que más contacto tiene con los orígenes y las raíces de la música estadounidense. Si quisiéramos hacer una analogía, sería como si un sueco tocara milongas y cantara sobre los arrabales de Buenos Aires. No quiere decir que no exista, sólo que no es muy común.

Hans Theessink nació el 5 de abril de 1948 en Enschede, Holanda y tuvo su primer encuentro con el Blues propiamente dicho en los años sesenta gracias a un programa de radio donde pasaban canciones de Big Bill Broonzy y Leadbelly, ambos bluseros de principio de siglo XX e interpretes paradigmáticos del sonido rural. Ese primer acercamiento al género acabaría por definir a Theessink, quien nunca más se alejaría del camino.

El Delta Blues, nació –si se puede decir que un género musical nace- en los campos algodoneros del sur de Estados Unidos a principios del Siglo XX. Allí, músicos como Robert Johnson, Bukka White, Charley Patton o Son House cantaban sobre amores peligrosos, engaños, viajes y la vida en las plantaciones, delineando un género que se extendería por Chicago y Detroit, luego por todo el país y, eventualmente, en todo el mundo, y que forjó la identidad cultural de Estados Unidos.

Theessink comenzó su carrera a fines de los años sesenta. En 1970 vio la luz el EP “Next Morning at Sunrise”, pero su primer larga duración lo lanzaría recién 12 años después. En 1982 debuta con “Cushioned for a Soft Ride”, aunque sin demasiada repercusión. Pero luego de un viaje a Nueva Orléans, el músico holandés se une a Jon Sass, un prestigioso instrumentista de tuba, y lanza “Baby Wants to Boogie” en 1987. Ese álbum, el tercero en su discografía, fue el primero en editarse en Estados Unidos y también el primero en cosechar excelentes críticas. Mismo origen y destino tuvo su siguiente disco, “Johnny & the Devil”, de 1989. Grabado con la colaboración de Sass, el álbum fue también editado en la tierra de la libertad con grandes reseñas por parte de la crítica especializada.

Ya con un nombre hecho, durante la década del noventa y lo que va del nuevo milenio, Theessink se convirtió en una máquina de grabar discos, alcanzando al asombroso número de 19 álbumes en 20 años. Bendecido por músicos de la talla de Bo Didley y Ry Cooder, Theessink ha tocado en festivales de blues tan importantes como el “New Orleans Jazz & Heritage Festival” o el “Chicago Blues Festival”. Entre sus mejores discos podemos recomendar “Call Me”, de 1991 y grabado con la colaboración del gran saxofonista Maceo Parker; “Songs from the Southland”, del 2003 (un homenaje a la música del sur de Estados Unidos) y “Delta Time” de 2012, junto al bluesman norteamericano Terry Evans.

Hans Theessink, quizá como ningún otro músico europeo, ha sabido penetrar en la raíz del blues norteamericano, lográndola traducir y moldear hacia un sonido personal y auténtico. Dueño de una voz grave y envolvente, la guitarra (acústica) de Theessink habla con los silencios, transformando su música casi como en un susurro, ideal para acompañar un viaje por los campos de tulipanes holandeses.

Acá les dejo un gran cover del standard “St. James Infirmary” compuesta por Joe Primrose, lanzada en el álbum “Songs From the Southland”. Enjoy!

Casi un siglo después, en 1979 y en un campo de refugiados de Argelia, nacía Tinariwen, formada por músicos de la etnia Tuareg del norte de Mali, una ex colonia africana francesa. Los miembros de Tinariwen sufrieron tres insurrecciones/guerras civiles en Mali y recién lograron grabar su primer álbum en 2001, 23 años después de su formación. Hoy, Tinariwen ha lanzado cinco discos, se alzó con el Premio Grammy al Mejor álbum de World Music 2011 y tocó en festivales de todo el mundo. Un ejemplo de superación que refuta en su totalidad ese concepto determinista nacido casi un siglo antes en el primer mundo.

Los tuareg son un pueblo nómade e islámico del desierto del Sahara. Su población se extiende por Argelia, Libia, Níger, Burkina Faso y el norte de Mali. Tienen lengua, tamashek, y escritura propia, tifinagh. En 1960 Mali proclamó su independencia de Francia, pero el nuevo gobierno no incluyó a los Tuareg, quienes vieron amenazadas sus tierras. En 1962 movimientos separatistas tuareg comenzaron una insurrección que duró hasta 1964. El gobierno de Mali, luego de reprimir y masacrar a las tribus, forzó un armisticio, obligando a muchos tuaregs a emigrar a países vecinos. Ibrahim Ag Allhabib, quien por entonces tenía cuatro años y presenció la ejecución de su padre, fue uno de ellos. Se exilió junto a su familia en Tamanrasset, un campo de refugiados al sur de Argelia. Allí, durante los años setenta Ibrahim conocería a Hassan Ag Touhami con quien compartiría un mismo interés por la música, tanto autóctona como por bandas occidentales como Led Zeppelin, Dire Straits, Santana y Bob Marley.

En 1979 el grupo comienza a encaminarse. Tocan bajo el nombre de Taghreft Tinariwen, que luego abrevian Tinariwen y que significa “del desierto” en lengua tamashek. Sin embargo el camino del grupo sufre un parate. Aún en el exilio, en 1980 los miembros del grupo responden un llamado del dictador libio Muammar al-Gaddafi, quien invitaba a todo tuareg exiliado a recibir entrenamiento militar. Cinco años después, en 1985, responderían un llamado similar, pero ésta vez por parte de líderes tuareg rebeldes en Libia. Allí, Ibrahim Ag Allhabib conocería a Keddou Ag Ossade, Mohammed Ag Itlale (alias “japonés”), Sweiloum, Abouhadid, y Abdallah Ag Alhousseyni, quienes conformarían la base estructural de Tinariwen. A partir de 1985, el grupo graba algunas canciones en casettes, los que se distribuyen velozmente por toda la región, convirtiéndose en referentes de la liberación tuareg.

En 1990 estalla una segunda insurrección tuareg en Mali y Níger. El objetivo, nuevamente, era crear una nación autónoma. En 1991, paradójicamente, un golpe de estado al gobierno de Mali conlleva una serie de modificaciones constitucionales que convierte al país africano en una nación democrática. Al año siguiente, Alpha Oumar Konaré gana las primeras elecciones democráticas en el país y logra aplacar la rebelión tuareg, dándole más autonomía a la región de Kidal (foco de la rebelión). La paz y la democracia provocan que los Tinariwen regresen a Mali, luego de 30 años de exilio.

Convertidos ya en los referentes de toda una nación, en los años 90, la fama y el prestigio del grupo crecen a pasos agigantados, grabando en el 2001 su primer disco, The Radio Tisdas Sessions, y girando por toda Europa. Además, ese año el grupo deja de ser una banda propiamente dicha para convertirse en un colectivo de músicos tuareg, integrando en sus filas a muchos jóvenes músicos. En el 2004 lanzan Amassakoul, pero no sería hasta 2007, cuando ve la luz su tercer disco Aman Iman, que la crítica internacional se rendiría a sus pies. Dos años más tarde, Imidiwan es lanzado con gran éxito. Pero la frutilla del postre vendría con Tassili, su último álbum, publicado en el 2011 y con el cual ganaron el Premio Grammy al Mejor álbum de World Music.

Elogiados por músicos de la talla de Robert Plant, Elvis Costello, Thom York o Carlos Santana, (con quien compartieron escenario en el Montreux Jazz Festival 2006), la música de Tinariwen está signada por la guitarra de Ibrahim Ag Allhabib. Fusionan instrumentos autóctonos con rock y blues logrando un sonido hipnótico, crudo y envolvente, muy cercano al blues del Oeste de África y al reggae roots.

En enero del 2012, mientras en Occidente pasaban por la televisión el hundimiento del crucero italiano Costa Concordia, estallaba en Mali un nuevo intento separatista Tuareg, liderado por el Movimiento Nacional para la Liberación de Azawad, el cual provocaría un sangriento golpe de Estado. Este desconocimiento crónico del mundo de sí mismo fue, salvando las distancias entre un siglo y otro, el que podría haber fundamentado el carácter trágico del determinismo naturalista. Quizá, si Emile Zola y Eugenio Cambaceres hubieran conocido la historia de Tinariwen, el movimiento literario se hubiera dotado de, al menos, un poco de esperanza.

En el siguiente link, el tema Tenere Taqhim Tossam, del álbum Tassili (2011), grabado con la colaboración con Kyp Malone y Tunde Ademipe, del grupo Tv On The Radio:

Luego de un tiempo de tocar con el nombre de Blackout, en febrero de 1968 ofrece su primer recital como Breakout, comenzando así una carrera que se extendería por más de una década. Comandados por el eximio guitarrista Tadeusz Nalepa, la formación de Breakout consistía en un trío armónico á la Cream (esto es, guitarra, bajo y batería) al que se le agregaba un teclado y una voz femenina (a cargo de la bella Mira Kubasińska) que compartía micrófono con el mismo Nalepa. En junio de ese mismo año, el grupo realiza una pequeña gira por Bielorrusia.

1969 sería el año del debut discográfico de la banda bajo el nombre de Breakout, ya que en 1967 ya habían lanzado un primer disco, pero con el antiguo nombre de Blackout. El LP de Breakout, en cuestión, se llamó Na drugim brzegu tęczy (cuya traducción sería En el otro lado del arco iris) y contuvo su primer éxito: Gdybyś kochał, hej! (¡Hey, si te gusta!). A partir de este momento, y con excepción de Nalepa y Kubasińska, el grupo comienza a sufrir diferentes cambios en su formación que durarían hasta, prácticamente, el momento en que se disuelve la banda, en 1982.

A pesar de que la carrera de Breakout iba en franco ascenso, el régimen comunista que gobernaba el país, (recordemos que Polonia estuvo bajo influencia de la Unión Soviética desde 1939 hasta su disolución en 1991), comenzó a censurar su música, acusándolos de llevar un modo de vida demasiado “occidental”. La respuesta de Breakout fue contundente: en 1971 lanzan un álbum titulado simplemente Blues. Este trabajo, el tercero en su discografía, es actualmente considerado como el mejor álbum de rock polaco de todos los tiempos e influyó soberanamente en todas las bandas del momento y las que vinieron después.

Durante los años 70, el grupo se estableció como una de los grupos más importantes de la Europa oriental, lanzando discos y realizando giras, tanto por los países soviéticos, como por Inglaterra y Holanda. Finalmente, en 1982, y con nueve discos de estudio editados, Tadeusz Nalepa abandona la banda para comenzar su carrera en solitario, marcando el fin de Breakout.

Haciendo un paralelismo con otro importantísimo movimiento rockero de habla no inglesa, (o sea, el rock nacional), se puede afirmar que el rock polaco nació en simultáneo con el vernáculo, pero a diferencia del nuestro, cuyo primer grupo considerado de rock -Los Gatos- estuvo más cerca del Beat, en Polonia la expresión primigenia del género estuvo más relacionada con bandas como Manal.

En el siguiente link, uno de los mejores temas de Breakout, Kiedy byłem małym chłopcem (Cuando era un niño pequeño), del álbum Blues de 1971.