Inicialmente Aurthohin (que significa sin sentido) comenzó en 1993 como el proyecto solista del bajista, cantante y compositor Sumon, quien hoy por hoy, es el único miembro de la formación original que permanece en el grupo. El nombre “Aurthohin” lo tomó de una canción de una de las bandas pioneras del metal, Warfaze, de la cual Sumon fue miembro.

Cercanos al heavy y al hard rock, Aurthohin, (que hasta 1997 se lo conoció como Sumon O’ Aurthohin), no se encerraba en un estilo particular, combinando canciones pesadadas con temas acústicos y melódicos, algo que se convertiría en su marca registrada. En la actualidad incluso han incursionado en el punk y en el rock alternativo.

En el 2000 Aurthohin debutó con su primer álbum, “Trimatrik” (que significa tres dimensiones). En él, el grupo incluyó la canción de Warfaze que dio nombre a la banda liderada por Sumon. Este primer disco, como también el segundo, “Biborton”, lanzado en el 2001, fueron los álbumes que, de manera más notoria, mostraron a Aurthohin como el proyecto solista de Sumon: todos los temas son composiciones del ex bajista de Warfaze y fueron grabados por una gran cantidad de músicos colaboradores.

Para el 2003, año del lanzamiento de su cuarto álbum, “Dhrubok”, Aurthohin ya era un grupo de rock propiamente dicho. Sin embargo, sufriría su golpe más duro: Sumon, cantante y alma de la banda enferma gravemente y le diagnostican que no podrá volver a cantar. Para cumplir con la grabación del disco, Aurthohin ficha al cantante y baterista Raef al Hasan (que actualmente sigue en el grupo). Con él, logran terminar y editar “Dhrubok”, que se convierte en un éxito.

A pesar del promisorio futuro del grupo gracias a “Dhrubok”, la salud de Sumon se deteriora aún más, obligando a Aurthohin a hacer un parate que duraría casi cinco años. Durante este período, además, sufren la partida del guitarrista Minhajuddin Ahmed. Pero lo que parecía ser el fin de Aurthohin, no fue sino un largo descanso. Milagrosamente, Sumon comienza a recuperarse y vuelve a cantar. Además, el guitarrista Kamal, ex compañero de Sumon en Warfaze se une al grupo y, en 2008, lanzan su quinto álbum: el aclamadísimo “Aushomapto – 1”. Con un estilo más cercano al rock alternativo y hasta al pop, “Aushomapto – 1” se convierte en el mayor éxito del grupo, ganando el premio a la Mejor Banda de Rock en los premios de música de Bangladesh en 2008. Tres años después lanzarían su sexto y, hasta ahora, último álbum: “Aushomapto – 2”.

Metal, pop, rock alternativo, hard rock, canciones acústicas. En 20 años de vida y con solo seis álbumes Aurthohin parece intentar suplir ese tardío comienzo del rock bengalí pasando por todos los estilos posibles. Un grupo que, con una calidad sorprendente, demuestra que la buena música no conoce fronteras.

Escuchá Raater Train, del álbum Biborton (2001).

10) Omega (Purple Lady)

Una de las bandas húngaras más importantes de la historia, cercanas al Pink Floyd más psicodélico. Atenti a la guitarra espacial de György Molnár.

9) Thin Lizzy (Whiskey in a Jar)

Capitaneados por el bajista Phil Lynott, los dublineses de Thin Lizzy ofrecen una insuperable versión de esta tradición canción folklórica irlandesa con un gran solo de Eric Bell.  Click aquí para saber más.

8) Uchpa (Ananao)

El guitarrista peruano Marcos Maizel agrega un poco de Hendrix al poderoso blues de Uchpa. Click aquí para saber más.

7) Parikrama (Load Up)

Los “AC/DC” de la India y un temazo donde el enorme violero Sonam Sherpa demuestra toda su maestría con el slide. Click aquí para saber más.

6) Focus (Sylvia)

En Holanda se formó una de las bandas progresivas más importantes de la historia. Con Sylvia, del disco Focus 3, Jan Akkerman ingresa al Olimpo de guitarristas.

5) Ali Farka Touré (Ai Du)

Llamado el “John Lee Hooker” africano, el enorme guitarrista de Mali demuestra que esa denominación le queda corta con este gran tema del disco Talking Timbuktu, grabado junto a Ry Cooder.

4) Ana Popovic (Love me Again)

La guitarrista nacida en Serbia ya puede ir considerándose como una de las mejores violeras femeninas de todos los tiempos. “Love me Again” es prueba de ello. Click aquí para saber más.

3) Breakout (Pomaluj moje sny)

La banda más grande de Polonia, la música de Breakout se alinea perfectamente con el blues blanco inglés de finales de los 60 y principios de los 70, y su guitarrista, Tadeusz Nalepa, cumple con creces el mote de “dios de la guitarra”. Click aquí para saber más.

2) Rory Gallagher (Cradle Rock)

Quizás el músico más conocido de esta lista, el irlandés Rory Gallager está considerado uno de los más grandes guitarristas de rock y blues de todos los tiempos.

1) Yavuz Çetin (Benimle Uçmak ister misin?)

Sólo dos discos le bastaron a Yavuz Çetin para convertirse en uno de los más influyentes músicos de rock de Turquía. Su prematura muerte (se quitó la vida a los 30 años), cortó una ascendente carrera y acabó con uno de los más talentosos músicos del nuevo milenio. Click aquí para saber más.

Ana Popovic nació en 1976 en Belgrado, por entonces, capital de la Yugoslavia socialista. Por influencia de su padre, Milutin, quien era un guitarrista y bajista no profesional, Ana comenzó a interesarse por el blues y el rock desde muy joven. Sin embargo, no sería hasta los quince años que consiguió su primera guitarra.

Hush!, su primer grupo, nació en 1995. La banda comenzó a tocar incansablemente, haciendo una innumerable cantidad de shows y aumentando así su fama. Su primer álbum, “Hometown” vio la luz en 1998. Para ese año, Hush! ya era un grupo conocido en su tierra y, con el fin del comunismo, comenzaron a girar por fuera del país, en especial por Grecia y Hungría.

A pesar del buen andar de Hush, Ana decidió abandonar el grupo y mudarse a Holanda, donde fue aceptada para estudiar en el prestigioso Conservatorio de Ultrech. Allí, Popovic formó un nuevo grupo y comenzó a tocar por bares y clubes de blues, tanto en Holanda como en Alemania. Esto llevaría a la guitarrista a firmar contrato con el sello alemán Ruf Records y, lógicamente, a abandonar el conservatorio.

En el año 2000 Ana viajó a Memphis, Estados Unidos, para grabar su primer álbum, que salió a la venta en el 2001. “Hush!”, su debut como solista, contó con la producción de Jim Gains (que trabajó con Santana y John Lee Hooker, entre otros), y sería el puntapié inicial de una carrera que no paró de crecer.

Después de “Hush”, la cantante y guitarrista serbia participó de un disco tributo a Jimi Hendrix junto a luminarias del rock y del blues como Taj Mahal, Eric Burdon y Buddy Miles. En el 2003, regresaría a Memphis para grabar su segundo LP, “Comfort to the Soul”, que la llevaría a recibir una nominación en los WC Handy Awards, siendo la primer artista europea en ser nominada.

“Still Making History” (2007), “Blind for Love” (2009), “Unconditional” (2011) y “Can You Stand the Heat”, lanzado este año, confirman el crecimiento de esta impresionante artista, que se dio el lujo de tocar con leyendas como Buddy Guy, Solomon Burke, Susan Tedeschi, entre muchas más. Con un estilo que fusiona el blues con el rock y el jazz, Ana Popovic ha sabido ganarse un lugar en el género y derribar, a puro solos de guitarra, ese rídiculo preconcepto de que las mujeres sólo pueden cantar el blues.

Para disfrutar todo el día, el temazo “Cand You Stand the Heat”, del álbum del mismo nombre del 2013.

Originarios de Paris, Louise Attaque se formó en 1994, cuando Arnaud Samuel respondió un anuncio publicado por Gaëtan Roussel (voz y guitarra), Robin Feix (Bajo) y Alexandre Margraff (batería), (que en ese entonces se llamaban Caravage), buscando guitarrista. Samuel tocaba la guitarra, pero su primer instrumento era el violín. De esta forma, Caravage moriría y nacería Louise Attaque, y el violín de Arnaud Samuel se convertiría en la marca distintiva del grupo.

Bautizados en honor a Louise Michel, una anarquista francesa del Siglo XIX, y también en referencia a la (recomendadísima) banda norteamericana Violent Femmes, Louise Attaque comienza a tocar en bares, pubs y festivales de Francia, donde van cobrando cada vez más fama. En 1997, Marck Thonon, quien había creado un año antes la productora “Atmosphériques”  los descubre y les ofrece la posibilidad de lanzar su primer álbum. De esa forma, sale a la venta “Louise Attaque”, álbum debut del grupo, con producción del líder de los Violent Femmes, Gordon Cano. El álbum vende 2,5 millones de copias y se convierte en un récord absoluto para una banda francesa desconocida.

Louise Attaque no lanzaría un segundo disco sino hasta tres años después. A principios del 2000 vería la luz “Comme on a dit”, que también sería un éxito al venderse unas 700 mil copias. Sin embargo al año siguiente, a pesar del éxito, el grupo decide tomarse un descanso. Las razones: agotamiento, presión y falta de inspiración. Este hiato en la carrera del grupo duraría hasta el 2004, cuando se rencuentren para una gira mundial.

SI bien nunca perdieron contacto, (durante los tres años de separación nacieron dos nuevos grupos: “Tarmac” con Gaëtan Roussel y a Arnaud Samuel y “Ali Dragon”, formado por Robin Feix y Alexandre Margraff), el rencuentro de Louise Attaque cobraría forma en el 2004, cuando emprendieron una gira mundial que los llevó por primera vez a Latinoamérica (incluida la Argentina). La gira, que acabó exitosamente en el 2005 y fue, según sus palabras, una vuelta a los inicios, produjo el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, bautizado “A plus tard, crocodrile”.

El grupo inicia una nueva gira, ésta vez sólo por Europa, para promocionar el nuevo álbum, disco que fue, como los anteriores dos, un éxito. Sin embargo, la banda casi sorpresivamente decide separarse de nuevo en 2007. A pesar del lanzamiento en el 2011 de un álbum recopilatorio, los miembros de Louise Attaque continúan en la actualidad con sus proyectos y colaboraciones por separado, sin dar señales de volver a reunirse.

A pesar de sólo haber editado tres discos, Louise Attaque se las ingenió para convertirse en una de las bandas francesas más exitosas. Como la gran mayoría de los grupos franceses de rock, Louise Attaque es difícil de clasificar, aunque es el folk (un folk a la francesa mezclado con punk y art rock), el género que más se acerca a la música del grupo liderado por Gaëtan Roussel. Y mientras esperamos un nuevo rencuentro, les dejamos uno de los mejores temas de esta banda parisina: “J’t'emmène au vent”, del disco “Louise Attaque”.

Thin Lizzy se formó en Dublín en 1969. Si bien sufrieron varias separaciones y reuniones,-la última de ellas fue en el 2010 y hasta hoy permanecen en actividad- y muchos cambios en su formación, esta nota se ocupará del período 1969-1983, período liderado por su fundador, alma y corazón del grupo: Phil Lynott.

Bajista, cantante y poeta (publicó dos libros de poesía), Phil Lynott nació el 20 de agosto de 1940 en West Bromwich, Inglaterra. Hijo de padre guyanés y madre irlandesa, se mudó a la isla esmeralda en su infancia, luego de ser abandonado por su progenitor. Bien podría decirse que Lynott era el único niño de raza negra en Irlanda.

Ya en la adolescencia, a fines de los años sesenta, Lynott conoce al baterista Brian Downey y juntos forman Thin Lizzy. El guitarrista Eric Bell y el tecladista Eric Wrixon completarían la base fundacional. Sin embargo, en 1970, Wrixon abandonaría el grupo. En 1971 viajan a Inglaterra y lanzan su homónimo álbum debut, (el cual incluye “Whiskey in a Jar”, una tradicional canción irlandesa cuya versión rockera del grupo sería rescatada, muchos años después, por Metallica: acá el link). A pesar del álbum, el guitarrista Eric Bell deja la banda y es reemplazado, por un breve periodo, por el genial Gary Moore. Pero sería en 1974, con la incorporación de los guitarristas Scott Gorham y Brian Robertson que Thin Lizzy encontraría su sonido característico y comenzaría el camino del éxito.

Thin Lizzy, a partir de la llegada de Gorham y Robertson, se convierte en una de las primeras bandas de hard rock en utilizar dos guitarras melódicas a la vez, técnica que influiría directamente en grupos de Heavy Metal como Judas Priest o Iron Maiden. La influencia del par de guitarristas traería, además, los álbumes más exitosos y elogiados de la banda: “Nightlife” (1974) y, sobre todo, “Figthing” (1975) y “Jailbreak” (1976, considerado su disco definitivo).

En 1983 vería la luz el último disco de estudio del grupo “Thunder and Lightning”, (la discografía de Thin Lizzy se ampliaría con decenas de discos en vivo y recopilaciones que se publicarían, en especial, a partir de los años 90), y sería también el año en que Phil Lynott desintegraría la banda para continuar con su carrera solista que había arrancado en 1980. Sin embargo, su incipiente carrera quedaría trunca al morir, súbitamente, por sobredosis el 4 de enero de 1986. En 2005 una estatua de bronce fue erigida en Dublin en su honor.

Con un personalísimo estilo musical que influyó a buena parte de las bandas de heavy metal británicas que nacieron en los años 80, Thin Lizzy llevó el hard rock a un lugar que muy pocos pueden llegar, cubriendo además terrenos como el country y el folk. Párrafo aparte merecen las poéticas y comprometidas letras de Lynott, influenciado por Bod Dylan, Van Morrison, Bruce Springsteen y la literatura irlandesa, donde las críticas sociales y los dramas de amor y odio son moneda corriente. El predominio actual de grupos, supuestamente, de “rock” con letras “jugadas”, genera un especie de engaño, haciéndonos creer que la profundidad, tanto lírica como musical, equivale a tocar tres acordes, hablar de la minita que se fue o lo enojado que estamos y poner cara de circunstancia. Pero siempre es bueno recordar que la realidad es mucho más que todo eso. Y nada mejor que Thin Lizzy para hacerlo.

“The Boys are Back in Town”, de Jailbreak (1976), el mayor éxito de Thin Lizzy:

A lo largo de los años, el país andino ha dado sobradas muestras de su calidad y originalidad artística, no sólo en la música, sino en todas las ramas del arte, (siendo la literatura, quizás la más notoria con escritores y poetas de la talla de Mario Vargas Llosa, César Vallejo y José María Arguedas, entre muchísimos otros). En lo que se refiere a lo musical, y al rock estrictamente, no existe mejor ejemplo que Los Saicos, formados en 1964 en Lima, quienes podrían considerarse una de las primera (sino la primera) banda de garage rock o proto punk del mundo.

En la misma línea de originalidad, arrojo y fusión entre lo autóctono y extranjero, se encuentra Uchpa. Este grupo que se formó en 1991 en Ayacucho y cuyo nombre significa “ceniza”, comenzó como una banda de covers, en quechua… ¡de Nirvana! Liderado por Freddy Ortíz e Igor Montoya, Uchpa rápidamente abandonarían el grunge y se sumergirían en el blues y al rock, haciendo versiones (en quechua, obvio), de clásicos de los 60 y 70. Ese mismo año debutaban con el álbum Wayrapin qaparichkan (que significa “gritando en el viento”).

Cuatro años más tarde, en 1995, logran grabar Qawka kawsay (“viviendo en paz”), segundo disco del grupo y último con esa formación, ya que al año siguiente, los músicos seguirían caminos y proyectos por separado. Sin embargo, Uchpa seguiría vivo. Freddie Ortíz, líder e ideólogo del grupo, viaja a la capital peruana donde convoca a otros músicos y forma una segunda formación de la banda, la cual se mantiene hasta la actualidad.

Estimulado por los aires de la capital, con la frescura y el talento de sus nuevos compañeros de ruta, y una producción más importante sosteniéndole sus espaldas, Freddie y Uchpa lanzan en el 2000 Qukman muskiy (que significa “respiro diferente”), su tercer disco y el que transformaría al grupo en estrellas de rock. Uno de los temas del disco, Chachaschay, que paradójicamente no es un blues, sino un huayno peruano, se convertiría en el mayor éxito de su carrera.

A pesar del amor de los fanáticos, los elogios de la crítica y las grandes canciones, Uchpa ha mantenido un silencio discográfico desde el 2005. Luego de Qukman muskiy en el 2000, sólo han viso la luz dos discos en vivo, (“En concierto en la Noche de Barranco”, del 2003 y “Concierto”, del 2005) y un álbum de grandes éxitos (“Lo mejor de Uchpa”, también lanzado en el 2005).

Con guitarras filosas, una base sólida, una voz de reviente y un sonido limpio pero poderoso, Uchpa ha logrado seguir esa especie de tradición implícita del arte peruano: valentía creadora, originalidad infinita y fusión cultural. Mientras tanto, nosotros aquí, esperamos ansiosamente su próximo trabajo.

Mientras esperamos un próximo álbum de Uchpa, les dejo el video del temón Kusi Kusun, del álbum Qukman muskiy.

Yavuz Çetin nació el 25 de septiembre de 1970 en la ciudad de Samsun, al norte de Turquía. Hijo de un periodista, Çetin pasó gran parte de su infancia y adolescencia recorriendo todo el país, empapándose y absorbiendo las distintas culturas y realidades de un país tan diverso como el turco.

Durante la secundaria traba amistad con Ercan Saatci, quien también se convertiría en un famoso músico y sería el productor de su segundo disco. Juntos componen una canción, “I Will Cry”, que gana un concurso organizad por una conocida revista. A pesar del buen augurio, una vez terminada la secundaria Çetin, que ya en ese momento era un gran guitarrista de blues, decide ingresar al departamento de música de la Universidad de Marmara. Paralelamente, forma su primera banda, Blue Blues Band.

A pesar de su gran talento, el grupo no logra despegar y Çetin se convierte en músico cesionista, colaborando con muchos músicos turcos como el grupo Mazhar-Fuat-Ozkan, Teoman, Kirac y Sibel Tüzün, entre otros. Durante sus años como cesionista, (en donde también trabaja componiendo jingles), lanza su primer álbum, Ilk ve Son (que significa “primero y último”), en 1997. El disco, hoy considerado un clásico, fue un rotundo fracaso. A tal punto que Çetin se alejó de los primeros planos musicales, (con la salvedad de que un tema suyo fue incluido en la banda sonora de la película “Propaganda”, de 1999), viviendo como músico de cesión y compositor de jingles.

En septiembre del 2001, cuatro años después de su debut discográfico, veía la luz Satilik (que significa “En venta”). El álbum fue aclamado en todo el país, se convirtió en un éxito sin precedentes, provocó el redescubrimiento de su primer trabajo y fue tildado por la crítica especializada como la obra de un genio.

Lamentablemente, seis semanas antes de su lanzamiento, Yavuz Çetin se suicidó tirándose al Bósforo, alcanzando por ello el estatus de leyenda. ¿Qué hubiera pasado si hubiese nacido en, digamos, Seattle? Seguramente no se hablaría tanto de Jeff Buckley. Lo cierto es que el breve paso de Yavuz Çetin por este mundo fue tan efímero como profundo: con sólo dos discos transformó el rock de un país para siempre.

Acá les dejo la canción Sadece Seninle Olmak, del álbum Satilik (2001). Como dato de color, Yavuz Çetin fue, además, el primer músico turco en utilizar la Talk Box, efecto que se escucha en esta canción y que fue popularizado por Peter Frampton.

Parikrama, que significa revolución orbital en sánscrito, nace en 1991 en Nueva Delhi, luego de que seis estudiantes del colegio St. Xavier’s School descubran que compartían los mismos gustos musicales. Fanáticos de Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Lynard Skynard y The Allman Brothers Band (estos dos últimos se pueden incluir perfectamente en ese imaginario soundrtrack de la “Ruta 66”), Parikrama comienza a hacer, lisa y llanamente, rock.

Liderada por los hermanos Malik, (Nitin en voz y Subir en teclados) y la americana guitarra de Sonam Sherpa, Parikrama, sin embargo, no se olvidó de su propia cultura, creando una interesante fusión entre el rock occidental y la música hindú. De este modo, a la formación habitual de voz, dos guitarras, bajo, teclados y batería, se le suma el violinista Imran Khan y el percusionista Shambu Nath, quien interpreta instrumentos autóctonos como la tabla y el mridangam.

Aunque para hacer más particular esta banda, (ya bastante rara es la imagen de un grupo hindú alejados del clásico “intérprete de sitar”), Parikrama no lanza discos de estudio. La gran mayoría de sus álbumes son grabaciones de conciertos en vivo, que realizan, prácticamente, todo el tiempo. También pueden aparecer canciones suyas en discos de compilados, como sucedió con “Til I’m no One Again”, de 1995, que fue su primer éxito e integró, junto a temas de otros 13 grupos, el álbum “The Great Indian Rock, Volume 1”.

Y para seguir en la misma línea de singularidades, Parikrama no tiene una política en contra de la copia y reproducción de sus canciones por Internet. De hecho en 2001 grabaron un álbum con canciones y videos que lanzaron gratis de forma virtual. Además, toda su música, o al menos la mayor parte, puede bajarse sin costo desde su Facebook, my space  o desde su sitio oficial

Herederos directos de Lynard Skynard y AC/DC, Parikrama es la prueba irrefutable de que el rock es propiedad de todo el planeta. Además, con su admirable postura sobre la copia y distribución de su música, el grupo se erige como la antítesis de Metallíca (banda que se convirtió en el paladín de la lucha Rock vs. Descargas ilegales), demostrando que se puede componer, tocar y vivir sin ninguna otra preocupación que la música misma.

Para cerrar, dejo el video, (horrible en lo visual, lo sé) de la canción “Rhythim and Blues”, donde cuentan con la colaboración de Usha Utchup, una prestigiosa cantante de jazz y pop hindú.  आमन्त्र्

Hans Theessink es una rara avis dentro del blues. No porque sea holandés y toque la música de B.B. King, (porque no existe país en el mundo donde no se toque el blues), sino porque se especializa en el Delta Blues, quizá el subgénero más puro y el que más contacto tiene con los orígenes y las raíces de la música estadounidense. Si quisiéramos hacer una analogía, sería como si un sueco tocara milongas y cantara sobre los arrabales de Buenos Aires. No quiere decir que no exista, sólo que no es muy común.

Hans Theessink nació el 5 de abril de 1948 en Enschede, Holanda y tuvo su primer encuentro con el Blues propiamente dicho en los años sesenta gracias a un programa de radio donde pasaban canciones de Big Bill Broonzy y Leadbelly, ambos bluseros de principio de siglo XX e interpretes paradigmáticos del sonido rural. Ese primer acercamiento al género acabaría por definir a Theessink, quien nunca más se alejaría del camino.

El Delta Blues, nació –si se puede decir que un género musical nace- en los campos algodoneros del sur de Estados Unidos a principios del Siglo XX. Allí, músicos como Robert Johnson, Bukka White, Charley Patton o Son House cantaban sobre amores peligrosos, engaños, viajes y la vida en las plantaciones, delineando un género que se extendería por Chicago y Detroit, luego por todo el país y, eventualmente, en todo el mundo, y que forjó la identidad cultural de Estados Unidos.

Theessink comenzó su carrera a fines de los años sesenta. En 1970 vio la luz el EP “Next Morning at Sunrise”, pero su primer larga duración lo lanzaría recién 12 años después. En 1982 debuta con “Cushioned for a Soft Ride”, aunque sin demasiada repercusión. Pero luego de un viaje a Nueva Orléans, el músico holandés se une a Jon Sass, un prestigioso instrumentista de tuba, y lanza “Baby Wants to Boogie” en 1987. Ese álbum, el tercero en su discografía, fue el primero en editarse en Estados Unidos y también el primero en cosechar excelentes críticas. Mismo origen y destino tuvo su siguiente disco, “Johnny & the Devil”, de 1989. Grabado con la colaboración de Sass, el álbum fue también editado en la tierra de la libertad con grandes reseñas por parte de la crítica especializada.

Ya con un nombre hecho, durante la década del noventa y lo que va del nuevo milenio, Theessink se convirtió en una máquina de grabar discos, alcanzando al asombroso número de 19 álbumes en 20 años. Bendecido por músicos de la talla de Bo Didley y Ry Cooder, Theessink ha tocado en festivales de blues tan importantes como el “New Orleans Jazz & Heritage Festival” o el “Chicago Blues Festival”. Entre sus mejores discos podemos recomendar “Call Me”, de 1991 y grabado con la colaboración del gran saxofonista Maceo Parker; “Songs from the Southland”, del 2003 (un homenaje a la música del sur de Estados Unidos) y “Delta Time” de 2012, junto al bluesman norteamericano Terry Evans.

Hans Theessink, quizá como ningún otro músico europeo, ha sabido penetrar en la raíz del blues norteamericano, lográndola traducir y moldear hacia un sonido personal y auténtico. Dueño de una voz grave y envolvente, la guitarra (acústica) de Theessink habla con los silencios, transformando su música casi como en un susurro, ideal para acompañar un viaje por los campos de tulipanes holandeses.

Acá les dejo un gran cover del standard “St. James Infirmary” compuesta por Joe Primrose, lanzada en el álbum “Songs From the Southland”. Enjoy!

Casi un siglo después, en 1979 y en un campo de refugiados de Argelia, nacía Tinariwen, formada por músicos de la etnia Tuareg del norte de Mali, una ex colonia africana francesa. Los miembros de Tinariwen sufrieron tres insurrecciones/guerras civiles en Mali y recién lograron grabar su primer álbum en 2001, 23 años después de su formación. Hoy, Tinariwen ha lanzado cinco discos, se alzó con el Premio Grammy al Mejor álbum de World Music 2011 y tocó en festivales de todo el mundo. Un ejemplo de superación que refuta en su totalidad ese concepto determinista nacido casi un siglo antes en el primer mundo.

Los tuareg son un pueblo nómade e islámico del desierto del Sahara. Su población se extiende por Argelia, Libia, Níger, Burkina Faso y el norte de Mali. Tienen lengua, tamashek, y escritura propia, tifinagh. En 1960 Mali proclamó su independencia de Francia, pero el nuevo gobierno no incluyó a los Tuareg, quienes vieron amenazadas sus tierras. En 1962 movimientos separatistas tuareg comenzaron una insurrección que duró hasta 1964. El gobierno de Mali, luego de reprimir y masacrar a las tribus, forzó un armisticio, obligando a muchos tuaregs a emigrar a países vecinos. Ibrahim Ag Allhabib, quien por entonces tenía cuatro años y presenció la ejecución de su padre, fue uno de ellos. Se exilió junto a su familia en Tamanrasset, un campo de refugiados al sur de Argelia. Allí, durante los años setenta Ibrahim conocería a Hassan Ag Touhami con quien compartiría un mismo interés por la música, tanto autóctona como por bandas occidentales como Led Zeppelin, Dire Straits, Santana y Bob Marley.

En 1979 el grupo comienza a encaminarse. Tocan bajo el nombre de Taghreft Tinariwen, que luego abrevian Tinariwen y que significa “del desierto” en lengua tamashek. Sin embargo el camino del grupo sufre un parate. Aún en el exilio, en 1980 los miembros del grupo responden un llamado del dictador libio Muammar al-Gaddafi, quien invitaba a todo tuareg exiliado a recibir entrenamiento militar. Cinco años después, en 1985, responderían un llamado similar, pero ésta vez por parte de líderes tuareg rebeldes en Libia. Allí, Ibrahim Ag Allhabib conocería a Keddou Ag Ossade, Mohammed Ag Itlale (alias “japonés”), Sweiloum, Abouhadid, y Abdallah Ag Alhousseyni, quienes conformarían la base estructural de Tinariwen. A partir de 1985, el grupo graba algunas canciones en casettes, los que se distribuyen velozmente por toda la región, convirtiéndose en referentes de la liberación tuareg.

En 1990 estalla una segunda insurrección tuareg en Mali y Níger. El objetivo, nuevamente, era crear una nación autónoma. En 1991, paradójicamente, un golpe de estado al gobierno de Mali conlleva una serie de modificaciones constitucionales que convierte al país africano en una nación democrática. Al año siguiente, Alpha Oumar Konaré gana las primeras elecciones democráticas en el país y logra aplacar la rebelión tuareg, dándole más autonomía a la región de Kidal (foco de la rebelión). La paz y la democracia provocan que los Tinariwen regresen a Mali, luego de 30 años de exilio.

Convertidos ya en los referentes de toda una nación, en los años 90, la fama y el prestigio del grupo crecen a pasos agigantados, grabando en el 2001 su primer disco, The Radio Tisdas Sessions, y girando por toda Europa. Además, ese año el grupo deja de ser una banda propiamente dicha para convertirse en un colectivo de músicos tuareg, integrando en sus filas a muchos jóvenes músicos. En el 2004 lanzan Amassakoul, pero no sería hasta 2007, cuando ve la luz su tercer disco Aman Iman, que la crítica internacional se rendiría a sus pies. Dos años más tarde, Imidiwan es lanzado con gran éxito. Pero la frutilla del postre vendría con Tassili, su último álbum, publicado en el 2011 y con el cual ganaron el Premio Grammy al Mejor álbum de World Music.

Elogiados por músicos de la talla de Robert Plant, Elvis Costello, Thom York o Carlos Santana, (con quien compartieron escenario en el Montreux Jazz Festival 2006), la música de Tinariwen está signada por la guitarra de Ibrahim Ag Allhabib. Fusionan instrumentos autóctonos con rock y blues logrando un sonido hipnótico, crudo y envolvente, muy cercano al blues del Oeste de África y al reggae roots.

En enero del 2012, mientras en Occidente pasaban por la televisión el hundimiento del crucero italiano Costa Concordia, estallaba en Mali un nuevo intento separatista Tuareg, liderado por el Movimiento Nacional para la Liberación de Azawad, el cual provocaría un sangriento golpe de Estado. Este desconocimiento crónico del mundo de sí mismo fue, salvando las distancias entre un siglo y otro, el que podría haber fundamentado el carácter trágico del determinismo naturalista. Quizá, si Emile Zola y Eugenio Cambaceres hubieran conocido la historia de Tinariwen, el movimiento literario se hubiera dotado de, al menos, un poco de esperanza.

En el siguiente link, el tema Tenere Taqhim Tossam, del álbum Tassili (2011), grabado con la colaboración con Kyp Malone y Tunde Ademipe, del grupo Tv On The Radio: