Es difícil definir hasta donde llega y hasta donde no llega el “Street art”. Y quizás eso, la falta de un marco, es lo que lo hace así de fantástico. En este post uno de los lugares menos tratados desde la mirada del arte.

Hay una frase que dice que lo triste no es ir al cementerio, sino quedarse ahí. En México en cambio la muerte se celebra, es colorida, y los fallecidos se recuerdan en medio de brindis y de fiesta. Existen el Día de los Muertos, se venera a San la Muerte y se llenan las calles de Calaveras de azúcar, hoy populares hasta en el diseño de tatuajes, aunque los que los lleven quizás no siempre sepan su verdadero significado.

Desde una mirada amplia, y que tiene que ver con todo lo que pasa en la calle, desde la arquitectura, pasando por la naturaleza, el graffiti, y principalmente sus combinaciones, un arte urbano diferente.

Alguien un día me preguntó que si el “Street art” como su nombre lo indica es “arte de la calle”, por qué ese malabarista en el semáforo, o por qué ese cantante en la avenida, o esa gárgola allá arriba, no podían ser parte. Y fue una buena pregunta.

El cementerio, considerado en muchas culturas como triste, lúgubre y un lugar donde jamás podría existir el arte en ninguna de sus formas, es quizás en cambio uno de los espacios menos mirados por todos. En este post, algunas buenas opciones donde pasar el resto de la eternidad.

Panteón Antiguo, Oaxaca, México

Cementerior Okunoin, Monte Koya, Japón

Cementerio Merry, Sapanta, Rumania

Cementerio Highgate, Londres, Inglaterra

Cementerio de León, Guanajuato, México

Cementerio de León, Guanajuato, México

Cementerio de Aviones

Cementerio de Aviones

Cementerio de Aviones

Cementerio de Aviones

Cementerio de Aviones

Arrecife Memorial, Cayo Vizcaíno, Florida, EUA

El sábado pasado se hizo la segunda edición de Replika en Buenos Aires, un festival de arte contrapublicitario que propone modificar artísticamente las propagandas y a fuerza de fibrones, aerosoles o un  collage, descubrirlas en sus verdades  y sus contradicciones.

Para entender qué es el festival Replika,  puede servir primero saber qué es Proyecto Squatters: en una lucha por ganar la calle, pero sobre todo por los sentidos,  Squatters actúa como una guerrilla urbana que se “venga” de una jugada cada vez más común del marketing. Así como muchas empresas tomaron un arte -muchas veces- crítico de la sociedad de consumo como brazo armado y lo usaron para sus campañas, ahora sus publicidades son el lienzo en blanco de estos creativos que entienden el espacio público, la ciudad, como un campo de batalla en el que se disputa sentido (ver más).

Salgo a la vereda y millones de estímulos me pasan delante de los ojos: palabras, imágenes, símbolos, mensajes o marcas. Un tsunami de “Votá”, “Comprá”, “Vendé”, “Tomá”, “Comé”, pretende decirme qué es exactamente lo que necesito y aunque yo crea que no me están diciendo nada, que no los leo, que no los veo, se van escondiendo pequeñas imágenes en alguna parte que minutos, horas, días, meses más tarde, pueden terminar convirtiéndose en acciones, que lejos de relacionar con eso que me vienen gritando las paredes hace diez cuadras, podría confundir con decisiones.

No lo veo, pero lo veo, no los leo, pero lo leo, no me afectan pero me afectan, principalmente porque atacan a ese lugar en el que estoy con la guardia baja y no puedo defenderme; mi subjetividad. Creo que las cosas simplemente están ahí, que no tienen poder sobre mí, que son carteles y personas, y remeras, y chocolates, y gaseosas, y mensajes en el aire,  pero una y otra vez, año tras año, desde la cajita felíz de hace mucho y hasta el combo que compré ayer,  me sorprendo de que la hamburguesa no sea como la de la foto. ¿De donde saqué yo que esto debería diferente? Ah, de la publicidad.

Un poco de eso viene a hablarnos Proyecto Squatters y un poco eso vino a proponer el sábado pasado por segundo año consecutivo el Festival Replika, que se hizo en el Club Cultural Matienzo (Pringles 1249). El evento convocó a artistas que se encargaron de darle una vuelta contrapublicitaria a afiches y a todos los que se animaron a hacer collages, pintar y poner su creatividad al servicio de lo que hay detrás de la propaganda, de decir eso que otros no cuentan.

Debe ser una de las prácticas más controversiales en el ambiente del arte urbano, una de las pioneras, una de las que todavía mantiene cierta esencia, y para muchos lo primero que se les viene a la cabeza a la hora de pensar en “graffiti”. Pero hay reglas.

Notas relacionadas: “Style Wars, un documental que responde a la pregunta de ¿Por qué se graffitea un vagón de tren?“ y “Street Art en el subte de Buenos Aires”

Es muy difícil ver con los mismos ojos las cuevas de las manos en Santa Cruz y las letras color flúo que tapan los vidrios de un vagón de tren en Capital, pero en esencia vienen de un mismo lugar. De la necesidad de decir algo, dejar una marca y hacer propio un espacio en el que hay gente viva y que vive. El brazo armado (de aerosoles) en contra de los afiches de Nike, Adidas, Marllboro y los miles de políticos que salen a empapelar paredes en un año electoral.

A la hora de hablar de arte urbano, o de intervenciones callejeras, o hasta de vandalismo, hay que entender que no todo es lo mismo en la calle: bombing, muralismo, graffitis, son categorías que si bien están todas en la ciudad, poco o a veces nada tienen que ver unas con otras.

El año pasado fueron graffiteadas las nuevas formaciones del tren Sarmiento, a una semana de ser estrenadas por el ministro del Interior y Transporte Florencio Randazzo, en lo que responde a lo que se conoce como “bombing”. Desde el punto de vista del graffitero, la idea es poner ahí frente a los ojos de todos, y todas las veces que pueda, en subtes o paredes, su firma (tag).

HAY REGLAS

No todos las cumplen, pero para ser respetado en el ambiente, hay cierrtos códigos que no deberían romperse.

• Un tag, una bomba, por ejemplo, pueden taparse con un cromo, que se caracteriza por llevar relleno plateado.
  
• Un cromo, sólo puede taparse con una pieza, un diseño más complejo, con colores y efectos visuales más elaborados.
• A partir de acá pisar la obra de otro se vuelve una cuestión donde el tamaño sí importa: para tapar una pieza es necesario un “end to end”, es decir, un vagón entero, pintado de punta a punta.
  
• El vagón, será superado sólo por un “Whole car”, es decir, un vagón completo.
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• El “Whole car”, puede ser superado con un “Whole train”, tren entero o un “Triple whole train”, tres vagones completos.
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Las letras grandes, que pueden tener formas redondeadas (Bubble/Burbuja) o trazos más rectos y agresivos, responden a diseños y estilos con los que cada artista se siente identificado. Un dato no menor es que el hecho de que esté prohibido, de que sea ilegal, de que puedan ser castigados por eso, muchas veces es parte del plan. La idea es que uno se pregunte “¿Por qué está eso ahí?… o aún mejor…”¿Por qué no puede estar eso ahí, y esa publicidad / afiche / propaganda, si puede?”.

“Si es legal, no es graffiti” dicen los más extremistas del movimiento, pero ni es la única postura, ni el arte urbano es una ciencia exacta. No todos los que pintan piden permiso, y no todos quieren violar la ley. Cuando algo está dentro de un marco, es fácil decir que es un cuadro, cuando el marco es una ciudad entera y los que lo hacen no siempre se dicen artistas, las cosas se ponen difíciles. Sin embargo algo sí es cierto: en la calle también hay reglas.

En lo que respecta al arte urbano internet se convirtió en ese lugar donde mientras que en la vida real las paredes son fugaces, donde una obra queda expuesta a los blanqueos de las municipalidades, o al arte y los muchos o pocos códigos de otros graffiteros, en la world wide web (www.)  ahora esas pintadas tienen la oportunidad de perdurar virtualnente en el tiempo, sea en las páginas oficiales de los artistas, especializadas, o de seguidores que sacan y suben las fotos a Twitter.

Con ese espíritu, pero poniendo al servicio del proyecto todas sus posibilidades tecnológicas, el Google Cultural Institute lanzó esta semana a nivel mundial, con eventos en Buenos Aires y en París, el Street Art Project, una muestra on line de street art, que busca ir registrando y también archivando las distintas expresiones en su web:  http://g.co/streetart.

El aporte latinoamericano más importante a la iniciativa  lanzada por el mayor buscador de internet del mundo, fue del colectivo argentino Graffiti Mundo con 309 obras en línea. Estilo Libre, con 160 imágenes, y Buenos Aires Street Art, con 202 expresiones, son los otros dos colectivos argentinos que se sumaron al proyecto.

El proyecto está liderado por el Instituto Cultural Google, dedicado a crear herramientas para permitir un mayor acceso al patrimonio cultural a través de internet. Esta iniciativa es una nueva pata de la plataforma Art Project, que desde 2011 pone a disposición de los navegantes más de 40.000 fotografías de obras artísticas de unos 400 museos e instituciones culturales de todo el mundo.

Esta semana en Buenos Aires y París se llevaron a cabo dos presentaciones de la nueva plataforma, en la que se vieron las intervenciones en vivo de cuatro de los artistas nacionales más reconocidos: CABAIO, PUM-PUM, BATER y LEAN FRIZZERA.

Además estuvo creando en vivo CHU, que trabajó en simultáneo a través de un lienzo electrónico que iba proyectando sus dibujos en pantalla gigante, con el artista francés SETH, que se encontraba en París.

Para el Street Art Project el instituto juntó a 30 socios de quince países, que sumaron al proyecto cerca de 5.000 obras. En Latinoamérica: 1.175 obras aportadas por ocho socios de Argentina, Brasil, Chile, Colombia y México.

Fue precisamente Brasil y sus expresiones de arte urbano las que inspiraron el año pasado esta iniciativa cuando un socio de este país montó una muestra de “Street art” en la plataforma de Art Project de Google, que despertó un interés tal que se decidió hacer una colección especial global.

Con sólo un “click”, el internauta accede desde murales hasta pequeñas “intervenciones” sobre las paredes, graffitis y otras expresiones. A las imágenes de alta resolución de las obras se les puede hacer “zoom in” y “zoom out” y el usuario tiene la posibilidad de crear su propia galería, como en el Google Art Project, y de comparar distintas exhibiciones y movimientos artísticos.

También se pueden hacer recorridos virtuales, como el Paris Tour 13′, por edificios europeos que fueron intervenidos con obras de Arte Urbano, pero que luego fueron destruidos, y con Google Glass el usuario podrá conocer desde los ojos del artista como se crea un mural.

Las fotos del evento de presentación en Buenos Aires (PH: A.A.)

El mítico edificio de Long Island conocido como 5POINTZ por estar ubicado donde coinciden los cinco distritos de Nueva York, será tirado abajo a fines de este año. La “sala de exposición” que hasta el momento había representado la meca del graffiti, será reemplazada por departamentos de lujo.

El dueño del lugar Jerry Wolkoff  junto a su hijo David vendieron este espacio que fue intervenido por millones de artistas de todo el mundo. Los 200 mil metros cuadrados de 5POINTZ representaron hasta ahora uno de los lugares emblema del graffiti, donde podían encontrarse los mejores tags.

En 1993 el complejo se estableció por primera vez como Phactory Phun, bajo un programa que se llamó Graffiti Terminators, el que intentaba disuadir a los artistas de pintar allí, para evitar el vandalismo en otros lugares de la ciudad.

Si bien durante muchos años el edificio estuvo protegido por Federic Bloquear, juez federal, este mes Bloquear rechazó oficialmente su mandato y eso permitió la demolición de 5POINTZ. Por el momento la construcción sigue en pie, pero la gran mayoría de los graffitis fueron tapados con pintura blanca. Como antes en los 60´s y 70´s ocurrió con el bombing  de los primeros writters en los vagones de los trenes y los intentos del gobierno newyorkino por combatirlos, habrá que ver si los artistas están dispuestos a abandonar tan fácil el lugar.

5POINTZ

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Un problema real* es un proyecto independiente de los directores de arte Juan Pablo Chaves y Rubén Sanchez. Ellos son colombianos, estudiaron en Buenos Aires y hoy llevan a la calle esta propuesta que mezcla arte, diseño y compromiso social. En esta #VideoEntrevista Juan y Rubén, que nos hacen a todos su pregunta:  “¿Qué hacemos con lo que vemos?”, nos cuentan qué hicieron ellos.

*Carteles hechos a base de volantes de oferta sexual empapelan distintos barrios de Buenos Aires con los rostros de chicas desaparecidas por la trata. Impacto visual asegurado y una iniciativa que nos deja pensando.

Un problema real en la pared

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El año pasado el graffitero estadounidense Kidult lanzó la primera piedra cuando pintó en el frente del local del diseñador Marc Jacobs, ubicado en el exclusivo barrio del SoHo neoyorkino, la palabra: “ART”. ¿La repuesta? Una edición limitada de remeras de la marca con la imagen del frente por $686 dólares cada una bajo el nombre de “Art by Art Jacobs”. Pero la historia no terminó ahí.

¿Qué fue lo peor que pudieron hacerle a Ernesto “Che” Guevara? Convertir su cara en una remera. Un revolucionario hecho producto, la materia prima misma de eso contra lo que murió luchando. Aunque por lo menos de algo podemos estar seguros, y es que él no recibió ganancias por ninguna de esas ventas. Antes era fácil seguirle el rastro a una estrategia de marketing, era un deportista diciendo en una revista “Usá estas zapatillas”, que después cambió a “Yo uso sólo estas zapatillas” y más tarde a un simple mensaje en Twitter “Qué ganas de comprarme estas zapatillas ¿No son geniales?”, seguido por otro “Ya las tengo! + FOTO”. ¿La idea? que la propaganda no sea tan obvia como lo es por los canales convencionales, aunque sigue siendo igual de obvia, pero hay genios que se pasan años estudiando para decir que no, y que es lo último en materia de publicidad.

El street art, uno de los movimientos artísticos y culturales más grandes del último tiempo en las ciudades, un fenómeno en constante expansión, no es la excepción e inclusive es ideal, porque nadie dudaría de que esos que justamente critican a la sociedad de consumo desde sus pintadas, van a ser el enemigo. Sin ir más lejos, algunos posts atrás, hablando de que el graffiti de Banksy “Slave Labour” había sido robado (Lo arrancaron literalmente de la pared en plena calle) y luego subastado por millones de libras, no era también a la luz de los acontecimientos la única forma a partir de la que alguien como Banksy podría vender una de sus obras sin dañar su imagen.

Con esto no estoy diciendo que Banksy o Kidult sean mercenarios de un capitalismo encubierto a través del street art, pero es bueno leer algunas cuestiones y hacernos preguntas, principalmente porque podría pasar, y porque otros lo han hecho antes. Ahora el resto de la historia de Kidult con Mark Jacobs, que tuvo su segundo capítulo la semana pasada:

Como contaba en el primer párrafo de este post, el graffitero neoyorkino (Kidult) había pintado en el frente del local de Jacobs la palabra “ART”, con la que el diseñador hizo una edición limitada de remeras que vendió al módico precio de 686 dólares, algunos dicen que ese fue el precio exacto por pintar de nuevo la fachada, pero claro esto no está chequeado. Lo importante en todo caso es que hizo de la intervención del artista un producto, y Kidult quedó ¿sin quererlo?  dándole material, promoción, prensa, algo más que vender, a eso que intentó poner en crisis.

El hecho había quedado ahí, hasta que la semana pasada el artista callejero volvió al ataque pero en el frente del local que la marca tiene en París, pintando el signo “$” y el número “686″, el del precio que Marc Jacobs había puesto por las remeras con la imagen de las pintadas en Nueva York. Además sumó un mensaje en Twitter con foto de su obra incluída que decía: “¿680$?, ¿689?…¿686? A cuánto vas a vender estas?”.

¿La respuesta esta vez? Otra edición limitada de remeras y un mensaje en la fanpage de Facebook de Marc Jacobs con galería de fotos incluída:

¿ Una pelea entre un artista urbano y una marca? o ¿Una refinada puesta en escena para promocionarse y vender más? No sabemos, por el momento lo único que no podemos dejar de hacer, como siempre, es de hacernos preguntas.

Martín Ron es un artista de street art de Caseros, Buenos Aires, Argentina, y si me preguntan, de los mejores que hay. A veces pintando en colaboración de su hermano Federico, otras solo, otras con más artistas, sus obras van desde bandas de rock, pasando por escritores, hasta personajes surrealistas. Si bien maneja varias técnicas, lo mejor de su trabajo, son los mundos que él inventa.

Las obras de Martín Ron hay que verlas. Y no digo “hay que verlas” haciendo referencia a que  las palabras no alcanzan para hacerles justicia, sino que además de eso, hay que verlas porque a muchas no se las puede explicar. Si lo intentáramos, correríamos el riesgo de terminar teniendo una conversación como esta:

-Hoy vi un tremendo mural en Caseros.

-¿Sí?

-Sí. Increíble.

-¿Cómo era?

-Era una mano gigante de mujer, sostenida por un brazo lleno de engranajes que era dirigido por un gordo que salía de la misma máquina. Y la mano, alimentaba una cabeza gigante de hombre, que con la boca abierta mirando para arriba, se preparaba para comer una vaca. ¿No es genial?

No quiero ni imaginar la cara de nuestro interlocutor.

Martín Ron creó su mundo, uno con sus propias reglas. Una tortuga marina saliendo de una pared en Barracas , un caracol gigante tirando de una carreta, máquinas mitad hombre mitad metal y tornillos, un sin fin de realidades paralelas. Un universo de fantasía en las paredes de Buenos Aires, que puso en la calle para que todos pudiésemos ver.

Dato 2013: Este año, junto a su hermano y un grupo de alumnos, Martín trabajó en la Línea A de subte de Buenos Aires, en el primer tren de Argentina y Latinoamérica, en ser pintado artísticamente en su totalidad.

Martín Ron en la pared:

Uno de los mejores documentales que vi sobre el Street Art de Buenos Aires lo hizo una francesa. En 2008 Amelie Lambert se enamoró del arte de las calles porteñas y quiso hacer un documental sobre eso.  Amelie, a la que le estoy agradecidísimo, desde París y a sólo un mes de dar a luz,  se hizo un tiempo para responderme algunas preguntas sobre eso que hace 4 años la tenía dando vueltas con una cámara por capital. En este post de #StreetArt la entrevista y el documental: Stencil. Bs. As. …