En el año 2013 estuvimos en la plaza rodando diversas cuestiones que acontecieron en la plaza para nuestro documental y allí pudimos ver, desde familias, grupos de motoqueros, tímidos fans, gente de todo tipo y desde los más diversos lugares de nuestro país que se acercaron a pasar el día en la plaza, homenajear al Carpo y escuchar mucho y del buen rock. Este año hablamos con Guillermo Hamie y Lucho García quienes organizan cada año las reuniones en la plaza y, entre otras cosas les preguntamos cómo se iniciaron estos ciclos homenajes que cada año suma más adeptos: “A mediados de 2006 se da la autorización para la realización del monumento en la plaza de Boyacá y Juan B. Justo, y en febrero de 2007 se traen las cenizas de Pappo, un mes después bajo una intensa lluvia se inaugura oficialmente el monumento y en Mayo de ese mismo año se reinaugura la plaza después de muchos meses de estar literalmente cerrada. Tímidamente el 10 de marzo de 2008 se corta la calle Andrés Lamas con una camioneta y a eso de las 18 horas sobre el asfalto largó la primer banda tributo y un grupo de amigos del Carpo se sumaron (El bolsa, Emilio Villanueva, el Tete, Ale Medina, Los Chevy, etc.)  ante unos 200 fans que se autoconvocaron, ese era el comienzo del homenaje que cada año en la fecha del nacimiento de Norberto Napolitano se realizarían en su plaza, el 2009 nos encuentra con escenario y sonido acorde al evento con la organización de Georgina Napolitano (sobrina del Carpo) y un desfile (hasta ese momento, inimaginable) de músicos históricos del Rock que nos hicieron vibrar.
Respecto a los shows que se realizan a lo largo de todo el día, desde 2008 al día de hoy han pasado los más diversos artistas de nuestro rock nacional como por ejemplo Alambre González, Giusepe Puopolo, Botafogo, Tete, El Bolsa González, Emilio Villanueva, El Negro García López, Los Chevy Rockets, Ricardo Tapia, Alejandro Medina,  Julie Ruth, Gady Pampillon, Juanito Moro, Alejandro Lerner, Guillermo Vilas, Viviana Scalize, El Negro Tordó, Luis Robinson, Gringui Herrera, Martín Luka, Nicolás Bereciartua, Tony Coleman, Dulces 16, Ciro Fogliatta, Viticus, Black Amaya, Manal Javi, Kubero Díaz, Luis de León, Patricia Sosa y su banda, Juan Rodríguez, Larry Zabala, Cristina Dall, Sarco, Rinaldo Rafanelli, Los Ratones Paranoicos, El Tanque, Ollan Bell, El Tano Marciello, Luciano Picichini, Vane Ruth, Arito Rodríguez, Napo, Vox Dei, Sergio Marchi, Memi, Roy Quiroga, Carlos Gardellini y Ricky Griego Alonso.

Como Lucho nos supo decir: Siempre fue nuestra intención darles un espacio a las bandas tributo al Carpo, pues ellas son las que sin ser una fecha conmemorativa lo recuerdan todo el año, en cada recital, en cada encuentro, así que se intenta darles el mayor espacio posible, este año mas de 40 bandas se comunicaron con la producción para participar desde hace mas de 6 meses, solo quedaron una veintena de ellas, la banda horaria que tenemos es reducida y la prioridad es el esfuerzo y las reales ganas de hacerlo, como en años anteriores llega, como ejemplo los chicos de la primera escuela municipal de Rock de la Argentina Norberto “Pappo” Napolitano desde Necochea, como también la gente de San Luis donde se fundo otro semillero de Rock Carpeano, en el transcurso de estos últimos años medio centenar de bandas tributo han tocado en esta plaza cada 10 de Marzo y entre los músicos históricos que sin ningún compromiso se llegan hasta aquí.

Para que cada 10 de marzo la plaza sea una fiesta, hay mucha gente que trabaja allí de manera desinteresada para que todos puedan acercarse y brindar su homenaje a Pappo de la manera que crean conveniente, si bien Liliana Napolitano, Guillermo Hamie y Lucho García son las caras visibles hay muchas personas que aportan su tiempo para que esto sea posbile y lo hacen de manera desinteresada “solo por el amor que le quieren retribuir al Carpo, trabajan en su concreción, por supuesto que la gente del gobierno de la ciudad pone toda su infraestructura para tal fin, y algunos particulares colaboran como la batería de acrílico que este año presentamos de Eva Drums o el mítico Robertone que desde comienzos del 70 le daba sonido al Carpo y hoy esta aquí, como dijimos, una conjunción de trabajo y amor al músico, los que de algún modo conocimos a Norberto o a Pappo estamos en su plaza todos los 10 de Marzo, porque como él bien lo decía “Es menester que sea Rock” y podemos agregar “En el día de tu nacimiento más”

Este lunes 10 de marzo, podés acercarte a la plaza con quien quieras, amigos, amigas, hijos, la familia entera, que desde las 13 hs habrán montones de bandas hasta entrada la noche en la que varios amigos del Carpo subirán a zapar en su homenaje, si querés escuchar buen rock y estar entre familia, serán bienvenidos en la plaza de Boyacá y Juan B. Justo.

Cuando la fiesta termine en la Plaza de Pappo, el Canal Encuentro emitirá 2 episodios dedicados al Carpo el mismo lunes 10 de marzo a las 23 hs: “Quizás porque II. Biografías de rock - Capítulo: El Carpo. Norberto Pappo Napolitano” y “Quizás porque IV. Especiales: Norberto “Pappo” Napolitano - Capítulo: ¿Adónde está la libertad?” a las 23:30 hs.

Aquí les dejamos un avance de los especiales en Canal Encuentro:

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Una de esas personas que conocimos en este camino es Gito Minore, periodista y escritor nos contactamos con él (en realidad él lo hizo con nosotros) en uno de nuestros pedidos vía Facebook de material que los fans podrían atesorar. Fue así que Gito nos escribió y nos contó el material y cercanía con la gente de Tren Loco (a propósito, hay un posteo sobre el libro que Gito escribió junto a Zavala aquí). Fue así que nos encontramos con él y nos cedió un dvd con mucho material de la banda, esas cosas que sólo puede tener alguien cercano y que, de manera desinteresada, eligió compartir con nosotros.

Centro Cultura La Imaginería

Gito además es uno de los promotores del Centro Cultural La Imaginería, donde realiza diferentes propuestas literarias y, a fines del año pasado, tuvo la gran idea de armar allí la Primera Feria del Libro Heavy donde convergieron diferentes expresiones ligadas al heavy metal. Al respecto le preguntamos cómo surgió la idea de esta feria y Gito nos respondió que la idea surgió un poco por casualidad ya que tres años antes editó junto a Tren Loco la biografía “Tren Loco 20 años Pogo en el andén” y desde su presentación soñó con armar algún evento o mesa redonda donde hacer una charla debate sobre libros de metal con otros autores.  ”La idea me dio vueltas mucho tiempo y traté de realizarla en otras oportunidades pero nunca había definido nada. Este año, a partir de la publicación de varios libros de metal, volví a retomar la idea. En principio se me había ocurrido hacer una mesa o dos en el marco de alguna noche del Centro cultural La Imaginería. Conversandolo con María Inés, con quien compartimos la coordinación del CC, se nos ocurrió luego de varias charlas no hacer una mesa redonda sino darle el carácter de feria (otra idea que nos venía picando desde hacía un tiempo) para poder ampliar el espectro y poder así invitar a participar no sólo autores sino también otras disciplinas artísticas. Una vez con la idea mas o menos redondeada hicimos un flyer muy casero y comenzamos a correr la bola y en muy poco tiempo se convirtió en una inmensa bola de nieve!!”

Primera Feria del Libro Heavy

La idea ya estaba en marcha, ahora faltaba saber quiénes serían los que iban a exponer y porqué, en un principio contó que quienes se le ocurrieron eran artistas y autores amigos como por ejemplo Fabián García con su libro Metal Atack y su muestra de arte, Eduardo Montejopia con el libro Poesía Heavy, Isidoro Reta, Gustavo Zavala y Emiliano Scaricacciatore y Nuna Calvo para que sean parte de la charla debate sobre la recepción de Ricardo Iorio en la academia. “A partir de la convocatoria del face se sumaron otros autores y artistas. También se sumaron muchos amigos de amigos. Fue un efecto contagioso.Todos aquellos que se fueron agregando tanto para presentar obras como para poner stand fueron sumados. Nosotros en el Centro Cultural, tanto con nuestras noches de Poesía bajo la autopista como la de teatro Bivarietal tenemos como política que el arte no es una competencia sino una compartencia. Y justamente la feria heavy no iba a ser la excepción. Hicimos de un espacio pequeño un gran corazón para compartir la cultura metálica”.

Por el lugar pasaron todo tipo de expositores, desde editoriales de revistas del género, artistas, fotógrafos, músicos, escritores, en palabras del propio Gito intentaron armar el programa lo más amplio y plural posible teniendo en cuenta todas las ramas involucradas, intentando no dejar a nadie afuera pero apuntando específicamente al heavy más curioso y amante de la literatura. En el centro hubo acústicos, charlas, exposiciones y presentaciones de libros, entre ellos los más comentados fueron la charla presentación de César Fuentes Rodriguez “El viaje de la doncella” y la mesa redonda “La Recepción de Iorio en la Academia”. Realizando un balance, Gito nos contó que esta primera feria superó todas las expectativas ya que en un principio quiso hacer una feria a modo de “relevamiento” para ver cuántos autores y libros habían, obteniendo un resultado mucho mayor al esperado.

La idea de Gito Minore es, poder realizar una nueva Feria Heavy en octubre de este año, nosotros como consumidores esperamos con ansias poder asistir este año y seguir apoyando este tipo de actividades que enriquecen a nuestro metal nacional.

Primera Feria del Libro Heavy

Agradecimientos: En nombre del Centro Cultural La Imaginería y de la Editorial Clara Beter, María Inés y yo queremos agradecer a todos los escritores, dibujantes, músicos, artistas, expositores y asistentes que hicieron del 19 de octubre de 2013 un día memorable. Nos vemos el año que viene.

¿Vos estuviste ahí? Contanos qué te pareció la Feria.

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Más allá de lo que fue el BARock 82, en el que Riff y V8 se presentaron (y no obtuvieron la mejor respuesta del público) o alguna que otra fecha específica, no encontramos en la generalidad que alguna banda de metal sea convocada para algún festejo o encuentro popular, al contrario siempre fueron relegados o puestos en segundo plano. Hoy en día cabe destacar que el metal cuenta con su propio festival, como lo es el Metal Para Todos y en el que podemos encontrar a todos los tipos de bandas de los más diversos subgéneros metaleros. También podemos destacar el festival Cosquín Rock que siempre se guarda un lugar, un escenario específicamente metalero, pero que, aún no logran tener su lugar en el escenario principal.

Durante la década del 90 los porteños podían disfrutar de algunos lugares que ofrecían música gratuita como los shows en Parque Rivadavia pero para una minoría que, por lo general, estaba en el circuito del lugar y tenía conocimiento de los movimientos que allí se daban. Volviendo a los festivales masivos el Buenos Aires Vivo tuvo varias ediciones hacia fines de la década del 90 pero, otra vez el metal quedaba fuera del circuito mainstream. Allí tocaban bandas como Illya Kuryaki, Molotov, Las Pelotas y los Caballeros de la Quema, Los Cafres, Fabiana Cantilo y Celeste Carballo, Diego Torres y Los Rancheros, Los Visitantes y Man Ray, Juana La Loca,  Jaime Roos, Memphis, Blacanblus y Charly García.

Sí hubo una presentación de A.N.I.M.A.L junto a Divididos y León Gieco en el festival Buenos Aires Vivo II del año 1998, pero más allá de esta única aparición, no hemos encontrado rastros de bandas de “metal tradicional” que tuvieran protagonismo en este tipo de eventos.

En la entrevista que le realizamos al Tano Marciello para este documental nos contó como subieron a tocar infiltrados al show que Los Fabulosos Cadillacs dieron ante 150 mil personas en Costanera Sur. Fue así como en un intervalo subió Almafuerte hizo un par de canciones y luego el Tano quedó como invitado a tocar “Una casa con diez pinos“. Si buscamos en las crónicas de la época, podemos ver como los medios reflejaban este encuentro en el escenario. En el diario “Página 12″ del 15 de febrero puede leerse en la reseña dedicada a la fecha un apartado sobre el momento Almafuerte en el escenario: “Por si fuera poco, Ricardo Iorio, el hombre de negro del rock argentino y bandera de los descamisados metálicos, se olvidó de sus diatribas contra la utilización política de estos eventos y subió al escenario junto a su banda Almafuerte para intermediar el show de los Cadillacs y arrojar tres potentes muestras de su unión artística con el bajista Flavio Cianciarullo. Con ese vozarrón y ese tono mitad metalero mitad campesino, el ex V-8 y Hermética llevó adelante un segmento de rock estruendoso y con temática social. Iorio copó la escena con su impactante escena, agradeció a los Cadillacs por ser “fabulosos” y disparó un “no a los carneros” que no se entendió muy bien contra quién estaba dirigido. Así es Iorio. Antes y después, los Cadillacs a pleno”. 

Volviendo al tema de los festivales, cuando se realiza el Pepsi Music o el Quilmes Rock no se han presentado bandas metaleras como figura principal de la fecha, más allá de algún teloneo a alguna banda internacional como lo fue Almafuerte para Megadeth. En estos casos el metal tiene un lugar en el escenario alternativo o metalero, pero nunca llega a erigirse como figura principal o cierre de la fecha, cuestión que bien podría hacer Rata Blanca, Almafuerte, Malón u Horcas.

El metal lleva más de 30 años desarrollándose en todo el país y si bien tiene un público específico, nunca ha logrado masificarse al punto de una banda de rock más tradicional, lo que no llegamos a descubrir es el porqué de este fenómeno: si por la música, el mensaje o los prejuicios que acompañaron para con el metal y el público sus inicios. Es difícil de saber que hace que el metal sea tan resistido o poco masivo a niveles generales cuando, bandas del género pero internacionales vienen a nuestro país y llenan estadios. Esta es una de las contradicciones que hemos encontrado a lo largo de todo la investigación para el documental pero que ni músicos, periodistas o fans supieron respondernos.

Así como reconocemos la falta de una banda de heavy metal que se sume como figura y no como complemento para la grilla hay que reconocer que poco a poco el metal supo ganarse un poco más su lugar, por ejemplo hoy, varios años después vemos una propuesta similar al Buenos Aires Vivo, pero que se realiza en el Parque de la Ciudad y es el festival Rock BA que reúne a bandas de todos los géneros, este año, en el mes de febrero vamos a contar con un día íntegramente metalero, el domingo 16 desde las 17 hs tenemos metal (¡y gratis!) para todos los gustos:

17:00hs – Heavysaurios.
17:20hs – Desister.
17:40hs - Malón.
18:10hs – Coverheads.
18:30hs - Carajo.
19:40hs - Rata Blanca.

¿Cuál es tu opinión respecto a estos festivales? ¿Crees que el metal aún no tiene un lugar mayor en los festivales? ¿Cuáles fueron tus experiencias en ellos?

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Voy a partir de la suposición, basada en la propia experiencia, que hace que nos genere simpatía una persona que está vistiendo la remera de la banda que nos gusta. En algún momento de nuestras vidas nos ha pasado cruzarse con un completo desconocido y ver que esa remera que usa pertenece a alguien a quien también admiramos pero… ¿de dónde proviene semejante “moda”?

Para este documental abordamos, entre otras cuestiones, las cosas que nos identifican como metaleros y para muchos es casi de vital importancia el modo en que uno se viste y los accesorios que lleva. Por cuestiones que nos exceden como el trabajo, el ocio u otro tipo de responsabilidades usar esa remera que tantos años (y recitales) tiene encima a veces nos es imposible. Pero antes de llegar a la típica remera con la foto o logotipo de la banda hubo alguien que de manera consciente le quiso dar una identidad a la ropa que usamos.

En un principio puede parecer un análisis frívolo, pero es que la mayoría empezamos a usar este tipo de vestimenta y, en muchos casos, desconocer su origen. Es por eso que hoy le vamos a dar un lugar al aspecto más frívolo del heavy metal: la vestimenta.

Judas Priest

En el metal, el origen del cuero y las tachas se lo debemos al cantante de Judas Priest, Rob Halford, homosexual confeso que dijo que el modo de vestirse lo tomó de la llamada “cultura del cuero” surgida a principios de los años 70s dentro del movimiento homosexual inglés.  Según ha contado el mismo Halford, visitaba un sex-shop londinense llamado “Sr. S” que fue el lugar elegido para abastecerse de numerosas prendas de cuero y accesorios de metal, utilizados en la subcultura gay de los 70 (llamada BDSM). Además Halford acentuaba esa imagen de “cuero y metal” al incluir una Harley-Davidson que conducía sobre el escenario en cada presentación de Judas Priest. El color negro no fue algo al azar, está directamente relacionado con la noche, la oscuridad, lo prohibido y es por eso que predomina en el vestuario metalero.

Para tener en cuenta el impacto que esta imagen podía provocar es necesario pensar en el contexto en que esto se dio, es decir, pensar en una Europa de postguerra donde el mayo francés y los hippies eran el movimiento fuerte, en el que las túnicas y los colores suaves era el modo de vestir entre los jóvenes de la época. Para contrastar con toda esa pasividad y con un heavy metal naciendo con toda la fuerza era necesario tener una imagen fuerte y contrastante que los diferencie del resto. La aparición del cuero en pantalones y chalecos, el exceso de tachas, los borceguíes o botas, las camperas de cuero, las cadenas, collares y muñequeras con mucho metal y tachas eran el modo de diferenciarse (e identificarse al mismo tiempo) que los precursores metaleros encontraron.

Riff en los 80s

La cuestión es cómo llega a Buenos Aires ese vestuario y porqué también fue adoptado por los metaleros como modo de distinción y casi como uniforme diario o, al menos, presente en todos los recitales. Haciendo el recorrido histórico, la primera banda en adoptar las tachas y el cuero en nuestro país fue “Riff” y pudimos hablar con un protagonista directo de que esto suceda: Michel Peyronel.

A Michel lo entrevistamos hace unos meses y le preguntamos de manera específica por el vestuario de Riff cuando la agrupación comenzaba y Peyronel nos respondió que él se encontraba en Londres a finales de los 70s y Pappo estaba allí (viviendo, literalmente, en el placard de Dany, su hermano) y observaron cómo la música se iba “endureciendo” al igual que el vestuario. Las túnicas, los collares y las flores iban muriendo a medida que el cuero, el color negro y las tachas iban ganando lugar, según sus propias palabras esa imagen de “chicos malos” era la que querían transmitir con Riff y lo lograron. Sumado a la cultura motoquera de Pappo, el cuero, las motos y la imagen de Riff iban de la mano.

Esta imagen de chicos malos que se retrata en “Pantalla del Mundo nuevo” “Hay hordas de chicos malos, con sus camperas de cuero, y metales brillan al sol, provocan el mundo nuevo” marcaba de manera contundente un antes y un después en la juventud, principalmente, porteña. Es así que los jóvenes comenzaron a tomar el cuero, el negro y el metal como parte de su vestimenta diaria, algunos integrantes de las brigadas metálicas nos contaron cómo ellos mismos se armaban sus muñequeras y se encargaban de colocarle tachas a las camperas y cinturones que en aquella época no tenían nada. Este modo de identificarse con el vestuario también fue llevado a las canciones del metal nacional como en “Aguante Bonavena” donde se describe al joven metalero “Yo y mis pares estamos acá, para dar lo que hay que dar’ por sentimiento locura y pasión, se nos ve de negro vestidos. Soy metalero por propia elección, no me rompa las bolas oficial“.

Foto backstage en Barrancas de Belgrano

Si bien son sólo descripciones pueden aplicarse al joven metalero promedio de todas las épocas. También es necesario nombrar a Riff como la primera banda local que tenía el nombre de la agrupación en la remera. Como supo contarnos Mundy Epifanio y complementando el testimonio de Michel Peyronel, Riff sabía muy bien el tipo de imagen que quería dar, de qué modo hacerse notar en escena y cómo pensaban el modo de identificación de la banda para la cual diseñaron las remeras con el nombre de “Riff” y que luego todas las remeras del metal y del rock nacional en general, adoptaron y comenzaron a diseñar sus remeras con el logotipo y tipografía pertinente a cada banda.

Este tipo de identificación pudimos captarla de manera empírica en cada show al que asistimos y, en mayor medida, en dos situaciones que generamos para este documental: las entrevistas a fans y la portada en Barrancas de Belgrano. En ambos acontecimientos pudimos ver cómo el público (sin distinción de género, edad o posición social) acudía a los lugares propuestos de riguroso negro, tachas y remera que identificaba a su banda favorita.

Foto backstage en Barrancas de Belgrano

Lejos de querer señalar una opción personal, nos pareció interesante poder incluir una breve referencia al modo en que nos vestimos y mostramos para con los demás, para que sepamos que la decisión de vestirnos de esa manera no es tan libre como pensamos sino que detrás de ello hubo gente que pensó el estilo, los colores y tipo de vestimenta, una cuestión que, lejos de distinguirnos de un montón, nos agrupa y hermana con gente que tal vez de otro modo, ni siquiera tendríamos en cuenta.

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En este recuento de bandas e influencias no podemos dejar de lado a Riff, pero previo a ellos hubo otras bandas que también formaron a los músicos metaleros argentinos y que en muchos casos esa influencia llegó hasta adoptar en su estilo personal el modo de tocar. Entre esas bandas están Manal y Billy Bond y la Pesada, es por ello que nos remontamos a principios de la década del 70´en el oeste del conurbano bonaerense, específicamente en Ramos Mejía donde El Reloj daba sus primeros pasos.

Foto cortesía web http://www.elrelojrock.com.ar

Más allá de las idas y vueltas de cualquier banda, los parates y los cambios de músicos queremos hablar de “El Reloj” como la banda influyente que fue y es en nuestro metal nacional. Tomado el nombre por lo ajustados que salían los temas al tocarlos, esta agrupación cuenta con una distinción del resto, su baterista Juan “Locomotora” Espósito utiliza el doble bombo, una técnica desconocida para nuestra música, que le da mayor velocidad y ritmo a las canciones, siendo un pionero en la música local. Lo que esta técnica permite es poder tener dos afinaciones distintas (una por cada bombo) que a su vez da una resonancia diferente.

Esta particularidad del doble bombo fue la que marcó a Gustavo Rowek quien, como nos contó en una de las entrevistas para este documental, pudo ver a El Reloj en un show en la Sociedad Rural cuando tenía unos pocos años y eso lo decidió a querer tocar la batería y de esa manera. Estilo que desarrolló en V8 y que hoy en día lo distingue del resto de los bateristas del metal nacional.

A modo de ejemplificar lo que esta técnica permite, les dejamos un video de El Reloj del año 1974 (sí, un videoclip de la banda antes de que MTV irrumpiera en nuestras vidas) de la canción “Alguién más en quien confiar” con la formación en 1º Guitarra y Voz: Willy Gardi; Bajo y Voz Líder: Eduardo Frezza; Teclados y Voz: Luis Valenti; Batería: Juan “Locomotora” Esposito; 2º Guitarra: Osvaldo Zabala y 3º Guitarra: Carlos Mira

Si hablamos de educar músicos, también tenemos al Tano Marciello quien fue parte de El Reloj por un tiempo antes de que Ricardo Iorio lo convocara para Almafuerte. El Tano supo contarnos de los ensayos que la banda tenía en su sótano en San Justo y la generosidad de Osvaldo Zavala para con él. Estos ensayos también fueron la semilla para que otra persona se decidiera a tocar la batería: Melina Marciello, quien siendo muy pequeña tuvo la oportunidad de presenciar aquellos ensayos y de definir su amor por la batería, que hoy la tiene firme en “Donnamorta” y en la banda solista de su padre.

Otro Almafuerte influenciado por esta banda es Ricardo Iorio quien cuenta en su biografía (“El perro cristiano”) cómo de joven recorría el barrio de San Justo buscando el sonido de la banda, para poder escucharlos ya que sabía que la agrupación ensayaba por allí pero no sabía la dirección exacta. Que la música y potencia de El Reloj en vivo fue algo primordial para su formación y para saber qué era lo que quería transmitir en vivo para el público.

En cuanto a melodía y ritmo, podemos encontrar en El Reloj varios cambios sonoros y de ritmo en sus canciones de estudio, cuestión que se replica a la perfección en vivo. Las letras también son una parte importante, cuentan historias simples y sencillas sin ninguna vuelta poética y en la que cada uno puede sentirse de alguna manera identificado, un ejemplo de ello es la canción de 1975 “El viejo Serafín” que podría estar, sin lugar a dudas, entre las pioneras del metal pesado nacional.

Si queremos hacer una mirada retrospectiva de los inicios del metal en nuestro país, El Reloj sin dudas está entre las bandas principales a tener en cuenta como pionera, influyente y que en la actualidad podemos disfrutar. En este breve repaso podríamos dejar decenas de clips y canciones para recomendar, pero lo bueno es poder sembrar una semilla y que luego cada uno tome el camino que mejor le parezca para conocer y ver lo que esta banda nos ofrece, incluyendo alguna presentación en vivo que realizan de manera periódica. Si estás interesado en saber más de la banda, podér ver su web oficial o su Facebook para seguir las novedades.

Como última perla, les dejamos un breve fragmento del backstage de la entrevista que les realizamos (por ser back no es la calidad óptima en audio y video) en la que ellos cuentan cómo se formó El Reloj.

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El primero y tal vez más conocido es “We wish you a Metal Christmas and a Hedbanging new year“. Un disco con los clásicos villancicos en clave metalera. Cada canción cuenta con un supergrupo especialmente armado para la ocasión, así podemos encontrar por ejemplo a Lemmy Kilmister (Motorhead), Dave Grohl (Foo Fighters) y Billy Gibbons (ZZ Top) en “Run Rudolph Run“, a Alice Cooper con Vinnie Appice haciendo “Santa Claws is coming to town”, a Dio (Sabbath, Heaven & Hell) con Tony Iommi (Sabbath) y Rudy Sarzo (Ozzy, Whitesnake) en ”God rest ye merry gentlemen” entre otros muchos grandes músicos del hard rock y el heavy metal internacional. El disco cuenta con 12 canciones y 4 bonus track  ”O Christmas Tree”, “Auld Lang Syne”, “Frosty the Snowman” y “Rudolph the red nosed reindeer”. Si bien nosotros no tenemos la excesiva cultura navideña respecto a los villancicos, todos los temas bien merecen ser escuchados, alguna canción puede resultarnos conocida, pero más allá de ser poco expertos en temas navideños, podemos dejar el disco de fondo mientras abrimos los regalos. El disco no es conseguible de manera física acá, a menos que compres por ebay o amazon ya que es un poco viejo, editado en 2008 por Eagle Rock, un sello independiente inglés. En Youtube se pueden escuchar la gran mayoría de los temas.

A manera de musicalizarles la nota mientras continúan con la lectura les dejamos la version de Lemmy, Grohl y Gibbons.

Dejando un poco de lado los compilados y pasando a las bandas que decidieron ponerle metal a las fiestas tenemos a Twisted Sisters con “A Twisted Christmas” disco lanzado en 2006. La particularidad de este disco es que melódicamente son los clásicos villancicos estadounidenses pero las letras de cada uno han sido modificados por la banda, dándole un toque personal y una vuelta de tuerca a estas canciones tan melosas que saben invadirnos en cada película referida a la navidad. Estos cambios en las letras (disponibles en la web) pueden apreciarse ya desde los títulos de los villancicos donde aprovechan los juegos de palabras para titular cada canción, por ejemplo en la lista figuran temas como: “We Wish You A Twisted Christmas“, “Silver Bells“, “I Saw Mommy Kissing Santa Claus“, “The Christmas Song (Chestnuts Roasting On An Open Fire)” y “Heavy Metal Christmas“. Gracias a la tecnología, también podemos disfrutar de estos temas vía YouTube y ver el inmenso humor que tiene la banda realizando en algunos de los temas unos cortos navideños que acompañan a la canción.

Este tipo de reversiones de canciones navideñas son todo un clásico en USA e Inglaterra y es por eso que existe una gran industria que acompaña y tienta a los grandes del género metalero para que se animen a reversionar alguna canción. Entre otros ejemplos podemos hallar a Manowar haciendo “Silent Night” y a Iron Maiden en el disco “Metal Christmas”. En esta versión de la doncella de hierro podemos escuchar a Paul Di Anno haciendo “Another Rock’N Roll Christmas” tema que fue furor durante la década del 80 y mediados de los 90 en Inglaterra. En 1986 King Diamond lanza un single para las fiestas llamado ”No Presents For Christmas” en el que podemos escuchar la canción homónima.

Alejándonos un poco de lo exclusivamente metalero tenemos dos discos con canciones para las fiestas realizados por diversos guitarristas bajo la dirección de Steve Vai: Merry Axemas vol. 1 y 2. Allí podemos escuchar a Joe Satriani, Zakk Wylde y Steve Stevens entre otros.

Llegando ya a lo más actual respecto al metal y las fiestas, no podemos dejar de nombrar a quienes por estos días están lanzando un disco de canciones navideñas en clave metalera y es Megadeth con el trabajo llamado “Thrashing through the snow: a Megadeth Christmas” y que presentaron a modo de publicidad cómica en el show de Jimmy Kimmel, donde se los puede ver con los clásicos sweaters navideños norteamericanos cantándoles furiosamente a un grupo de niños sorprendidos.

En el anuncio podemos ver a toda la banda parodiando los comerciales de las fiestas y haciendo un extraño (es el único calificativo que encuentro en este momento) dueto con Jenny Lewis. El disco será lanzado en EEUU para fin de año, un regalo que a muchos nos gustaría recibir.

¿Conocés alguna otra canción o disco metalero para regalar estas fiestas?

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El Metal Argentino tiene su himno y es “Destrucción”, canción compuesta por Gustavo Rowek y Ricardo Iorio que abre el disco “Luchando por el Metal” de “V8”.

¿Por qué nos referimos a “Destrucción” como un himno? Primero y principal el público así lo certifica, sin ir más lejos, hace un tiempo nos pusimos a pensar las composiciones que no pueden faltar en el documental “Sucio y Desprolijo” y para ello preguntamos a la gente a través de las redes sociales cuáles eran las canciones del Metal Argentino que consideraban más relevantes y “Destrucción” quedó en el primer puesto por amplio margen.

Con respecto al concepto de “himno”, sin ánimos de usar arbitrariamente tamaño calificativo, entendamos a  este tipo de composiciones como su definición lo afirma, en representaciones de acontecimientos o como en este caso, una manifestación que identifica a una comunidad, entendiendo a todo lo que hay alrededor del Metal Argentino como un grupo de estas características. Estas representaciones, están tan cargadas de sentido que se suelen interpretar en canciones como es este caso.

“V8″ en tiempos de su formación clásica

Siendo así, ¿”Destrucción” habrá sido concebida como himno por sus compositores o esa entidad la obtuvo a través del tiempo gracias a sus seguidores que le otorgaron ese título?

Refiriéndose a la primera parte de la pregunta, con un rotundo “NO” nos responde Alberto Zamarbide, cantante de la formación clásica de “V8” quién deja en claro que mientras vivían aquél presente no se daban una idea de lo que estaban generando:

“Una vez conformada la banda con Gustavo, Osvaldo, Ricardo y yo, mientras ensayábamos en la sala, Gustavo mostro esta idea de canción en forma completa. La letra ya la había escrito tiempo atrás y aun él solo la tenía en mente”.

Esta anécdota la cuenta en mayor detalle Gustavo Rowek, principal compositor de la canción:

“Si me imaginaba eso no se si hubiera salido así. La canción ´Destrucción´ se genera frente a una maquina de colada de plástico, en una fabrica donde dure 21 días (Risas). Son esos momentos que en tu casa esta todo mal  y te dicen ´bueno, a trabajar´, así fue que caí en ese lugar y lo aborrecía. Era de 2 de la tarde a 10 de la noche, no lo podía creer, pero tuvo su costado positivo y se fue viniendo a la cabeza casi sin pensarlo. En 15 minutos estaba el tema, nadie puede explicar como se hace un éxito, sino todos haríamos éxitos.

Llegue a la sala y dije ´tengo un tema´ y se los cante , a Osvaldo el riff, incluso hasta el comienzo del solo, y Ricardo luego agregó la estrofa final”.

Demos por sentado lo que ya se supone sabe cualquier metalero y tantas veces hemos dicho en este espacio: “V8” fue la banda más importante de la génesis del Metal de este país y su primer disco fue el ahora inmortal “Luchando por el metal” del año 1983.

Justamente ese disco era algo nuevo, incierto. Quién haya tenido en sus manos esa tapa negra sin mayores datos que una referencia al motor de un auto y a un estilo musical inédito en el país, de seguro le habrá despertado curiosidad saber con qué se encontraría. Si nos situamos en contexto todo era precario en ese álbum: su arte, su sonido y otros elementos que no daban mayores indicios que algo fuera pensado o planificado, se notaba naturalidad y espontaneidad de sus integrantes para hacer música, por eso nos genera la duda de si fue casual o no que la canción que abre ese álbum encajara tan perfectamente en ese lugar, a modo de manifiesto, de declaración de principios, que apenas te encontrás con ese disco comience a sonar “Destrucción” y sea una patada en la cabeza diciéndote “esto somos nosotros”:

Zamarbide: “Consideramos que era un tema que nos representaba muy bien y por eso lo elegimos para abrir el LP”.

Rowek: “Creo que en ese sentido se mostro que no habia egoismo ya que Ricardo venia con la banda de antes, sin embargo no tuvo ningun inconveniente en que  sea el tema que abra el disco, y se eligió porque del vamos se noto la polenta del tema y lo que producia al escucharlo”.

Con respecto a las características de manifiesto de la canción, Zamarbide amplia: “Si definitivamente, los cuatro lo abrazamos como un himno de guerra”.

Pasemos a recordar la letra:

http://www.youtube.com/watch?v=Zjm-cf0SFsM

Ya no creo en nada
Ya no creo en ti
Ya no creo en nadie
Porque nadie cree en mi

No dejan pensar
No dejan crecer
No dejan mirar
pero por suerte puedo ver

Que la decisión
del juicio final
será la solución, destrucción

Parece mentira, tanta estupidez
tanta hipocresía, tanta tozudez
gente en la miseria eso es lo que son
conformando el planeta
del yugo y del dolor

Sé que la decisión del juicio final
será la solución…

¿Compleja? Para nada, si hay algo que caracteriza a las letras del Metal Argentino es su mensaje directo sin lugar a ambigüedades, sin palabras rebuscadas pero al mismo tiempo sin dejar de lado la poesía y la belleza. “Destrucción” sentó las bases de una manera de escribir para lo que luego vendría.

Situémonos nuevamente en contexto: corría el año 1983, la dictadura militar había terminado y en lo formal comenzaba un periodo democrático, pero en la realidad el aparato social y cultural aún se mantenía. Cuatro adolescentes hijos de la clase trabajadora se juntan a hacer Heavy Metal, uno de ellos, Gustavo Rowek, viene ideológicamente con las influencias anti sistema del Punk. Esas cuatro personas que van a contramano del pensamiento imperante manifiestan su cansancio ante las promesas incumplidas, ante el cambio que nunca llega, la decepción y el desencantamiento dan lugar a la rabia y la furia. Ellos lo entendieron todo a temprana edad, el mundo está configurado para que una parte de la sociedad viva aplastada, ellos pertenecen a ese lugar y proponen una solución final canalizada por su bronca.

Zamarbide: “Si bien intencionalmente estábamos tomando distancia del establishment cultural, al menos en mi caso, no tenía idea de lo que podía llegar a provocar”. Recuerda Zamarbide.

Rowek: “El tema se llamaba ´Juicio Final´, pero en esa época si un titulo ya existía había que cambiarlo, y había un bolero con ese nombre, y entonces fue ´Destrucción´. Pero el mensaje que se quería dar no era exactamente ese, sino que un poco hablaba de estructuras muy corruptas impuestas en el tiempo y la necesidad de empezar de nuevo”.

Pero la canción no finaliza ahí, Ricardo Iorio tenía algo más para decir y lo dejó escrito en la última estrofa:

Se siente en el aire
la fuerte tensión
Esta es la imponente furia de mi motor.
Arrasará con todos y también con vos
Que morirás llorando
por blando que sos.

La decisión
del juicio final
será la solución, destrucción.

Si la primera parte de la canción describía el presente y una solución inmediata, Ricardo Iorio en esta estrofa fue más allá manifestando que el Metal era un nuevo lugar sin espacio para blandos y que pretendía barrer con todo lo establecido.

Recordemos que los “blandos” eran los hippies de los años 80, ese movimiento pasivo ajeno a la realidad que identificado con músicos como Piero y parte del rock nacional emergente de esa época no se comprometía a transformar la realidad ni siquiera a través de un mensaje en una canción, prefiriendo por el contrario sumergirse en ignorar los malos momentos del país y juntarse a ser “alegres”. Es decir, en esa última estrofa Iorio cierra su manifiesto identificando al “otro”, a ese que no somos nosotros, identificar al “otro” es el método más efectivo para decir quiénes somos “nosotros”.

El sonido no queda ajeno a la letra, ya desde el principio se escucha el arranque de un motor haciendo un paralelismo metafórico a lo que luego será la furia veloz reflejada con los primeros acordes de la guitarra de Osvaldo Civile y dar paso a la batería y bajo de Rowek y Iorio respectivamente, resumiendo en una rápida marcha con el acelerador a fondo:

La anécdota de Zamarbide es por demás representativa: “La idea original era registrar el sonido del motor V8, salimos a la calle a buscar uno sabiendo que había y aún hay muchos talleres en el barrio del estudio. Finalmente a la vuelta encontramos un Torino y grabamos ese que es el que se escucha en el disco ´Luchando por el Metal´”.

“V8” se separó, pero esta canción resistió el paso del tiempo. Dentro del Metal Argentino hay una particular costumbre en que muchas veces a las bandas cuando se les suele pedir una canción automáticamente toda la gente en coro comienza a gritar “Destrucción, destrucción”, tenga o no tenga que ver el músico con el origen de esa composición. Claro está, que cuando el pedido va apuntado a músicos como Alberto Zamarbide, Gustavo Rowek, Ricardo Iorio o algunas de las bandas que estos formaron, la multitud enardece mucho más como si de una retrospectiva en vivo se tratara.

Pero el caso no deja de ser particular, ya que no queda fuera de contexto que “Destrucción” sea una canción pedida a cualquier músico del Metal ya que podemos afirmar que esta composición ha dejado de ser parte exclusiva de “V8” para ser patrimonio de todo el pueblo metalero, desde el seguidor de “V8” hasta incluso fanáticos de “Rata Blanca”, lo que habla de la transversalidad con la que carga un himno. Tal vez esos seguidores se diferencien en identidad y gustos por sus bandas, pero cuando suena “Destrucción” la unión hace la fuerza.

“Creo que a esta altura ya es una canción que le pertenece al metalero/a; para mí es una especie de carruaje fantástico, en cuyo interior se puede observar lo genuino y fresco de nuestra impronta que poseíamos por aquellos tiempos. Lo que logramos uniendo nuestra fuerza interior”. Finaliza Zamarbide.

“Destrucción” no será la canción más pegadiza del Metal Argentino, pero sin lugar a dudas es la más importante, trasciende su épica de himno ya que también carga con un manifiesto que no solo sirvió para la época sino que aún sigue vigente luego de 3 décadas. Definió ideal, propuesta, la furia característica del metal,  una forma de escribir letras, un “otro” y un “nosotros”. Hoy esta canción le pertenece a todo aquel que se sienta parte del Metal Argentino.

Y vos: ¿Creés que “Destrucción” es el himno indiscutido del Metal Argentino o hay otra canción que debería estar en su lugar?

Agradecimientos: Alberto Zamarbide y Gustavo Rowek.

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Posterior a la disolución de Hermética en 1995, sus 3 ex miembros Antonio “Tano” Romano, Claudio OConnor y Claudio “Pato” Strunz se juntaron con Karlos Cuadrado para darle forma a la agrupación que de alguna manera supuso una continuación del legado de la “H” pero con el fin de llevar a la nueva banda al nivel de sofisticar el sonido, la puesta en escena y expandirse a otros países de América Latina.

Hoy Malón se encuentra trabajando en la realización de su tan esperado nuevo álbum que dará continuidad a lo dejado en el año 1996 con el hasta ahora último trabajo titulado “Justicia o Resistencia”. En el ínterin, aprovecharon para sacar su primer DVD en que se registró el show de regreso y el próximo 15 de Diciembre darán un show en el Teatro Vorterix en donde presentarán el “DVD 360” que contiene el registro del recital que dieron el 12 de Mayo de 2012 en el Estadio Malvinas Argentinas. Dicho show, tuvo la particularidad de montar una puesta en escena con más de 10 toneladas de sonido, juegos de luces colgados en 3 estructuras diferentes, escenografía y escenario circular de 360° con una batería montada en una plataforma giratoria, 25 cámaras móviles y 2 grúas, toda una infraestructura que marcó un precedente en cuanto al profesionalismo para una banda de Metal en Argentina.

Tano Romano – Malón

Antonio “Tano” Romano, guitarrista de la banda y uno de los referentes más importantes de la escena pesada Argentina se refiere al presente que está viviendo con la agrupación:

En el mejor momento, las bandas necesitan mucho tiempo como para llegar a esto que con Malón estamos viviendo ahora. Es muy difícil que una banda llegue de golpe a toda la gente, más que nada porque el Heavy Metal no tiene demasiada publicidad y bueno, Malón después de tanto tiempo a pesar de que estuvimos 14 años separados nuestra música no paró, nos dimos cuenta que hay algo que sigue su curso y son las canciones.

¿Cómo se preparan para el show del 15 de diciembre en el Teatro Vorterix?

A full, vamos a hacer las canciones que tiene el DVD en vivo. Para el que fue al 360 que pueda recordarlo y para el que no fue que pueda disfrutarlo. También este martes vamos a estar presentando en el Vorterix el DVD en pantalla gigante y para acompañar la presentación vamos a estar nosotros tocando un acústico con algunas canciones en familia, como si fuera un show entre amigos.

Para quién haya ido a ese show del 12 de Mayo de 2012, se habrá sorprendido de ver una puesta diferente para una banda nacional y al mismo tiempo descolocarse al pensar el lugar en donde se iba a ubicar cada uno como público para verlo mejor, algo que por un show de estas características con un escenario redondo, quedó superado al ver a los músicos moverse y poder visualizarlos desde cualquier punto del estadio:

¿Cómo surgió la idea del “DVD 360”?

Unas semanas antes cuando fuimos al Estadio Malvinas Argentinas a ultimar los detalles, nos encontramos con que había una pelea de ´Vale Todo´ y había un escenario redondo en el lugar y automáticamente todos nos imaginamos tocando ahí arriba rodeados por toda la gente. Esa fue la idea para este nuevo DVD que fue el show del 360 y que lo teníamos que sacar, porque si bien tenemos que hacer un disco nuevo no podíamos dejar encajonado esto que es un material único del cual estamos recontra orgullosos y no hay otro antecedente de otra banda Heavy Metal de Argentina y ni siquiera de afuera que haya hecho un show como el 360. La verdad fue algo único que lo hicimos de calentones que somos y sin pensar en los costos que generaría una producción así, nosotros queríamos eso y lo hicimos.

¿Cómo se prepararon para estar arriba de un escenario de las características del 360?

No preparamos nada, si sabíamos que íbamos a estar rodeados de gente y que teníamos que estar y cumplir con todos, que íbamos a tener que estar todo el tiempo rotando y no quedarnos mirando para un solo lado como en un escenario normal, es más, cuando veas el DVD y veas los extras, estamos en el camarín y ya por salir al escenario yo les digo, salgamos dos por allá y dos por acá, no sabíamos ni cómo íbamos a salir. Todo 5 minutos antes de salir, ni siquiera cuando estábamos probando sonido pensamos en eso. La verdad que fue todo natural, uno ahora lo mira y parece todo que fue laburado con tiempo y pensado como íbamos a hacer.

Esta bueno que una banda de Argentina haga esto porque creo que nos va a dejar bien parados ante el mundo, que una banda de acá también pueda dar un evento así, de este nivel, no es competencia, pero siempre la hay y trabajamos para estar al nivel de cualquier banda internacional.

Malón durante su show de regreso

No es un dato menor lo antedicho sobre la profesionalidad a la que aspira Malón en una escena en donde por falta de recursos y apoyo cuesta llegar a un nivel que ponga a este estilo a la altura de las bandas internacionales que nos suelen visitar en el país. El mérito es doble si se tiene en cuenta que el Metal que hace esta banda es por momentos agresivo, lo que en la realidad se sabe limita el caudal de público, algo que esta agrupación viene superando.

¿Le prestan mucha atención al profesionalismo con el que pretende trabajar la banda?

Bueno, eso es a lo que nosotros apuntamos siempre, creo que después que se termina Hermética y nosotros encaramos esto con Malón, una de las cosas que teníamos en mente era primero achicar esa distancia que había entre un disco nacional y uno internacional en que el sonido era algo que estaba muy lejos. Nos pusimos en la cabeza eso de tener discos que suenen bien, tuvimos la posibilidad de tener un sello como EMI con el que pudimos sacar un buen contrato en su momento y ese dinero en vez de guardarlo o gastarlo en otra cosa decidimos invertirlo. Con Malón siempre nos gustó sorprender en los shows y la puesta en escena. Si bien la gente viene principalmente a escuchar las canciones que es lo que más los identifican, está bueno también que cuando vengan vean un espectáculo, que no solo se vayan con las canciones.

En la vuelta de Malón ya te digo, no nos imaginábamos que iba a ser tanto cuando hicimos el primer Malvinas donde está el DVD registrado del regreso, fue increíble ese show, ahí también dijimos vamos a hacer algo que sorprenda y diseñamos una bandera gigante con un amigo y también nos pareció buena idea ponerla para tapar todo el escenario y que la gente no vea que había atrás. Fue así que hicimos esa bandera gigante con el logo de Malón que creo que no debe haber ningún Malonero que haya dejado de sacarse una foto con ese telón de fondo.

¿Cómo se están proyectando a nivel internacional?

Con esta vuelta hemos ido a lugares donde nunca habíamos estado, países de Centroamérica que ni pensábamos que había tanta gente que le gustaba Malón allá y que se sienten identificados con nuestras canciones.

Hemos tocado en Nicaragua, en un show gratis de la juventud sandinista, bancado por el gobierno de allá y nos encontramos con que había 15.000 metaleros esperándonos para que salgamos. No sé si todos eran fanáticos de Malón, pero te puedo asegurar que de los 15.000, 10.000 se conocían las canciones. Rarísimo, nunca habíamos ido a Nicaragua y nunca hubiéramos ido si no nos dedicábamos a esto.

Una de las cosas en que más fuertemente está trabajando la banda es un nuevo trabajo discográfico, algo que ellos sienten que tienen pendiente y el público les demanda. La banda, en shows que han dado en estos últimos dos años han adelantado algunas canciones en vivo y recientemente subieron a la Web “Devorador de sueños”, una nueva canción de estudio:

http://www.youtube.com/watch?v=01WMGSjhQP4

Sobre el nuevo disco ¿cómo lo van a encausar luego de estar tantos años inactivos como banda?

Malón estuvo parado pero nosotros seguimos, el motor sigue aceitado, no es que está clavado y hay que desclavarlo como para que arranque de nuevo, las cosas van saliendo naturalmente. Yo he tocado todos estos años, he sacado discos con diferentes bandas y si bien yo sigo haciendo lo mismo de siempre, con los músicos que tocas van saliendo cosas, van saliendo distintas composiciones. Con Malón no nos ponemos a pensar ´tiene que sonar a malón, no tiene que sonar a Malón´, salen las cosas. No pensamos demasiado, nos gusta el riff, nos gusta la melodía y bueno lo laburamos, sale y termina siendo canción. Lo que sí sabemos es que siempre va a ser Heavy Metal porque es lo que a nosotros nos gusta. Ese sonido metalero es el que nos gusta, nos sale del corazón y componemos en base a eso, pero no pensamos demasiado en encasillarnos en un estilo. Si bien escuchas a Malón y es como que tiene un estilo identificado.

Te digo también porque teniendo en cuenta los dos discos de la banda se nota un cambio entre ambos.

Hubo un cambio de afinación entre el primer disco que afinamos en “MI”, en el segundo disco bajamos un tono a toda la afinación, y eso llevo a que al tener otra afinación te salen otras cosas. Y este nuevo disco la idea es hacer un poco de cada cosa. El tema nuevo que sacamos por ejemplo está hecho con un tono más abajo del que teníamos en el segundo disco, yo afino la guitarra en ese tono y se me ocurren cosas que capaz que si estaba afinado en el tono de “Espíritu Combativo” (Primer disco de la banda) no se me hubiese ocurrido ese tema, los sonidos te van llevando para un lado y empezás a jugar, a crear cosas.

¿Hay malón para rato?

Yo creo que Malon debe ser la única banda que volvió y ya sacamos dos DVD y todavía no sacamos disco nuevo, porque bueno, se fueron dando un montón de cosas, sabemos que necesitamos un disco nuevo, estamos laburando a full con eso, con la idea de entre enero y febrero entrar al estudio para grabar y ver si a mediados de año ya tenemos el nuevo trabajo.

Lleva un montón de tiempo grabar, hay que darle tiempo para que quede lo mejor, porque vos por ahí vas y grabas todo de un saque, pero después al principio están todos contentos porque sale algo nuevo y después que lo escuchas varias veces le empezás a buscar el detalle y después parece que ese detalle es lo único que escuchas, es como que después de tanto escucharlo se pierde esa emoción de la primera vez.

Luego de casi 30 años con la música, haber sido el guitarrista de Hermética, una de las bandas que ya se convirtieron en mito y el haber tocado en diferentes agrupaciones, Romano finaliza con un balance de su carrera pensando en el presente:

Estamos muy contentos, nos está yendo bien y estar a esta altura, a los 50 años poder seguir tocando y estar arriba de un escenario y tener el apoyo de la gente es algo que agradecemos a la vida de habernos dado este regalo. En realidad no es un reglo, cuando uno tiene en cuenta todo el tiempo que llevó, llegar a esto, como cuando te va bien, la gente mira que te va bien pero no ven que todo el tiempo que vos tuviste que estar dándole para que hoy nos vaya así, pero agradecemos a la gente la posibilidad que nos dan de dedicarnos a esto que amamos y poder transformar esta pasión y sentimiento en nuestro trabajo.

Malón se va a estar presentando el Domingo 15 de Diciembre en el Teatro Vorterix, las entradas se venden con el “DVD 360” incluido que se entrega en el Teatro del día del Show.

Durante la espera, te dejamos el video del primer adelanto del DVD 360 en donde hacen “Grito de Pilagá”

http://www.youtube.com/watch?v=lB94Wdfr21g

Agradecimientos: Antonio “Tano” Romano y Gabriela Sisti.

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Para entenderlo hay que retrotraernos en el tiempo, más específicamente entre los años 1980 y 1985: “Riff”, sin ser Heavy Metal abría el camino para la música pesada en el país. Norberto “Pappo” Napolitano apadrina a “V8” y esta se consolida como la banda referente del Metal en Argentina. La escena comienza tímidamente a tomar forma a partir de la aparición de escasos Heavys y agrupaciones tales como “Mark I” (banda original de Claudio O”Connor y Fabián Spataro), “Dhak”, “6L6” (Banda del actual bajista de Rata blanca Sergio Sanchez), “666”, “Hellion”, “Belcebu” y “Thor” entre otras tantas. “Bloke”, nacida en 1980 perteneció a esa camada y su formación clásica estuvo integrada por Marcelo Simoni en guitarras, Daniel Parodi en bajo, Oscar Oropeza en batería (fallecido), Luis Escobar en guitarras y Billy en voces.

Marcelo Simoni

Por razones de la adversidad mencionada ninguna de estas bandas prosperaron, no tuvieron difusión, no pasaron de un solo álbum y en el peor de los casos ni siquiera llegaron a grabar uno. Esta situación, hace que esas bandas hoy en día sean elementos de culto para los fanáticos más especializados en el género o para los metaleros más veteranos que vivían aquella época como adolescentes sedientos de querer escuchar cosas nuevas todos los días.

Pero retomando a “Bloke”, esta banda tuvo un destino que se lo podría comparar con la canadiense “Anvil”, tuvo más trascendencia que el resto de las bandas a excepción de “V8”, pero quedó un paso atrás del límite que los hubiera llevado a la popularidad.

El pasado 26 de Noviembre se presentó en Gier la reedición del único disco de la banda titulado “Demolición”, fruto del esfuerzo del independiente sello discográfico “Hurlingh Metal”, la revista “Metálica Zine” y del ex guitarrista de la banda Marcelo Simoni que en un ámbito de soltura contestó varias preguntas para entender cuál es el lugar de “Bloke” ayer y hoy:

“Nos faltó seguir, tener continuidad y todo el apoyo que necesita una banda entre difusión y el sello discográfico entre otras cosas. Igual si hoy después de tantos años se acuerdan de “Bloke”, el éxito es relativo, nos faltó popularidad”

“Bloke” era un grupo que traía todas las influencias de la N.W.O.B.H.M (Nueva ola del Heavy Metal británico) de la mano de bandas como “Judas Priest” y “Iron Maiden” entre otras, en una Argentina atormentada por la violencia generada por el régimen militar que llegaba a su fin.

Fue así que tras el obligado recorrido de shows brindados en el circuito local, el sello UMBRAL se interesó en la banda ofreciéndoles la oportunidad de editar su primer y único vinilo de estudio, un trabajo impactante que por entonces los situó a la vanguardia del movimiento Metalero Nacional.

“Cuando vos estás metido ahí en ese presente no te das cuenta, de lo que si me doy cuenta es que nosotros planteamos una alternativa musical, dejamos el legado que se podía hacer otro Heavy Metal” afirma Simoni.

Grabado y mezclado en solo 16 canales durante la primera mitad del año 1984, “Demolición” cargaba con letras de alto contenido social relacionadas a la realidad socio política del país, una marca característica de lo que hasta hoy es la identidad del Metal Argentino y que hace varios meses cuando entrevistamos a Simoni para el documental nos describió en el siguiente backstage:

http://www.youtube.com/watch?v=Tp0dNNjokK0

Sobre esto, también amplió durante la presentación de la reedición de “Demolición”:

“Yo tengo una sola letra escrita que es la de la canción ´Alma de chacal´. Las letras son frontales y claras, no eran rebuscadas, no éramos ´Los Redondos´ escribiendo, lo nuestro era más directo. ´Alma de chacal´ la escribí cuando trabajaba en una oficina rodeado de ´Cagadores´ que ibas a comer con ellos y si te podían serruchar el piso lo hacían, la letra habla justamente de esos trepadores que todavía existen. Había material de sobra para escribir letras, hoy también lo hay, las demás letras son de Daniel Parodi”.

Tapa del disco “Demolición” de la banda “Bloke”

La tapa del disco no es un dato menor, contenía las claras influencias de ese Metal anglosajón reflejadas en el dibujo del artista Gustavo Bravo que plasmó una gran maquina demoledora que de frente arrasaba todo a su paso. Sobre ella, Simoni pone el acento en que eran hechas a mano, lo que nos dice que no se trataba solo de una cuestión de recursos sino también de las ilusiones que se ponían detrás de un naciente proyecto sobre la música de la que muchos tomaron como la banda sonora de su vida.

 “Nosotros con Bloke planteamos jugar un juego diferente al de ´V8´, yo los respeté, era la única banda que iba a ver de acá. Nosotros teníamos nuestra identidad”.

Hoy Simoni, si bien ya está alejado de la música hace hincapié planteando que en el principio de esta historia hubo una banda con una propuesta más acercada al Heavy Metal clásico con elementos de la cultura nacional en sus letras y por sobre todas las cosas, intentar llevar adelante un proyecto con profesionalismo que por cuestiones de la escena, es un factor que a lo largo de los años le será negado al género pesado.

El reconocimiento tardó en llegar, pero podemos afirmar que el tiempo hizo justicia y hoy “Bloke” ya tiene su lugar en la historia grande del Metal Argentino:

“Lo que más me hace tomar dimensión sobre ´Bloke´ en este momento es la gente que no nos vió y hoy son adoradores de la banda, y que músicos te vengan a decir que fuimos una influencia para ellos”.

Si no conocés a “Bloke” o querés volver a escucharla, te dejamos completo el álbum “Demolición”:

http://www.youtube.com/watch?v=TAJ1GmejC9c

Agradecimientos: Marcelo Simoni, Fabián De La Torre y Alfredo “Pocho” Andrade.

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La fotografía, lejos del pensamiento superficial en el que se suele caer limitándola a tomar una cámara, definir el espacio y disparar para obtener una imagen, es un arte y como tal en su trasfondo hay un valor, subjetividad, composición, interpretación del presente con mirada a futuro y un método determinado por el campo de trabajo en donde se desarrolla, en este caso el rock.

En nuestro trabajo de realización documental, entendimos esta importancia al advertir el valor que las imágenes van cobrando a medida que pasan los años ya que las cosas cambian, pero el registro visual nos acerca a trasladarnos a un momento pasado para entender el presente. En conclusión, poco podríamos explicar sobre los acontecimientos de las décadas anteriores en relación a los sucesos que acontecieron al Metal Argentino.

Andrés Violante es uno de los fotógrafos más veteranos dentro del ambiente. Con 30 años de carrera, ha capturado imágenes de bandas como Hermética, Malón y Rata Blanca entre otras influyendo a gran parte de la cultura pesada Argentina:

Andrés Violante

“La importancia es superlativa, sin fotógrafos no hay estrellas de rock ni posters pegados en las paredes de las habitaciones de todos los fans alrededor del mundo, aun así, las condiciones de trabajo a veces son catastróficas”.

Varias veces hemos hablado en este espacio de la precariedad en que se ha desarrollado el Metal Argentino tratando una y otra vez de elevar su nivel a base de esfuerzo de sus integrantes. La fotografía dentro de este estilo no escapa a ello, una prueba tajante es la carrera aficionada que varios fotógrafos vienen llevando adelante dentro del estilo, una cosa que hoy en día se repite en donde por lealtad a sus agrupaciones, inician un solitario camino registrando el presente de sus músicos.

Fernando Serani, otro histórico fotógrafo del ambiente comenzó de esta manera en 1993 y lleva en sus espaldas haber participado en producciones de bandas y publicaciones nacionales e internacionales, describiendo su trabajo con una interesante comparación:

Fernando Serani

“Yo creo que un fotógrafo de rock y especialmente de Metal es como un fotógrafo de guerra o un fotógrafo de naturaleza, ¿esto qué significa? que hablando de la fotografía de conciertos en vivo lo importante es capturar un momento que es único e irrepetible y tener el ojo y el talento de ver ese momento, después necesitas la técnica porque cualquier fotógrafo de hoy en día necesita tener conocimientos de post producción, lo que antes era el revelado con químicos y papel hoy es un revelado digital. Creo que el verdadero profesional no solo se fija en que una foto esté bien tomada, lo más importante es que la foto te transmita algo, que dé la sensación de que es algo irrepetible y que te identifique a vos como fotógrafo.

El vivo es más como una trinchera de batalla, tenes que salir ileso y al mismo tiempo inmortalizar lo que está sucediendo, creo que ese es el verdadero valor del fotógrafo de Metal”.

En la misma línea opina Martín Darksoul de la revista “Jedbangers”, un fotógrafo más contemporáneo que se destaca por la estética de sus imágenes:

Martín Darksoul

“Lo que intento hacer en un show en vivo es tratar de llevarle a la gente una mirada distinta a lo que se percibe en ese momento tratando de ser lo más estético posible. La importancia es el documento que va a quedar a futuro.”

Dentro del esfuerzo mencionado, debemos pensar en el equipo de gente que a lo largo de estos 30 años ha acompañado a las miles de bandas que componen el Metal Argentino, que lejos de tener un fotógrafo profesional entre sus filas, este trabajo siempre quedó en manos de amigos o conocidos que de manera autodidacta o a los golpes que les dio la experiencia, podemos visualizar infinidad de registros de otras épocas.

Si bien esto desde lo emotivo puede resultar positivo, la marginalidad del ambiente metalero trae consigo varias precariedades que no escapan a la fotografía, Fernando Serani amplía con una idea descriptiva de esta situación:

“Partamos de la base que el Metal no es algo que esté aceptado por la cultura de nuestro país, siempre fue el género postergado de la música Rock Argentina y eso se traduce a todos los que trabajamos en el rubro: desde músicos, fotógrafos, periodistas, productores, etc. A diferencia de otros países como Europa, acá en Argentina no se trabaja cómodo, se vive una utopía constante, no vive solamente de eso y tal vez no sea malo desde cierto punto de vista, tal vez eso hace que uno tenga más amor por lo que hace y se enfoque más en lo artístico que en lo comercial.

En el Metal somos un poco egoístas en eso, creo que en el fondo queremos que sea un secreto o un tesoro guardado por unos pocos, eso es una recompensa, uno de los aspectos de no ser masivo.”

Sofia Yehié Gabras es relativamente nueva en el oficio. Desde hace unos años se dedica a fotografiar a “Almafuerte” e interpreta este arte de manera tajante y en retrospectiva:

“Fotógrafos eran los de antes, aquéllos que soportaban escupitajos, luchaban con rollos y asas, se trepaban para conseguir la mejor toma y buscaban el mejor retrato sin posibilidad de acceder a un teleobjetivo. 

Hoy en día, en un recital de dos horas, es posible para el fotógrafo enumerar más de 3000 tomas, ya que la tecnología ha allanado en gran medida su camino. Es por esto que la técnica y el ojo entrenado hoy valen muchísimo en esta profesión, ya que todos pueden ser fotógrafos por un día pero solamente unos pocos podrán captar el más allá, aquél retrato que los deslumbró. Encuadrar la diferencia en la imagen final es la tarea del fotógrafo del hoy.”

Sobre esto último, Andrés Violante manifiesta uno de los principales problemas a los que se enfrentan los fotógrafos hoy en día en que se transita la era digital:

“La sobreoferta de fotógrafos aficionados que regalan su trabajo desvaloriza el trabajo de los fotógrafos profesionales. Esto es realmente un problema para quienes nos dedicamos a esto. Cuantos más fotógrafos seamos en la escena, mejor, pero trabajar gratis les termina costando muy caro tanto a fotógrafos como a los músicos y productores quienes por achicar gastos terminan teniendo un material en el mejor de los casos, pobre”.

En conclusión, detrás de cada foto hay una historia, desde el artista que la tomó, hasta el valor simbólico que esa imagen va a tener para un seguidor de su banda, de ahí que tenga una jerarquía poco valorada en un ambiente que necesita de ello y en una época en donde lo visual juega un papel determinante.

Si te interesa la fotografía del Metal Argentino, te recomendamos estas exposiciones:

Muestra de Arte fotográfico de Sofía Yehié Gabras y Federico Bonavita: Del 18 al 29 de Noviembre en el “Café Monserrat” – San José 524 – Capital Federal.

Expo de fotos de Andrés Violante y festejo del tercer año de la revista “Efecto Metal”: Miércoles 20 de Noviembre a las 19:00 hs en “La Casa de Luca Prodan” – Alsina 451 – Capital Federal

Para ver el trabajo de estos artistas y otros tantos que se desempeñan en el Metal Argentino:

Andrés Violante: http://www.andresviolante.com.ar/ y https://www.facebook.com/andres.violante?fref=ts

Fernando Serani: www.metaleyewitness.com y www.facebook.com/metaleyewitness

Martín Darksoul: http://martindarksoul.wordpress.com/ y https://www.facebook.com/martindarksoul?fref=ts

Sofía Yehié Gabras: https://www.facebook.com/artenfotos?fref=ts

Renata Rowek: https://www.facebook.com/RenataRowekFotografias

Pablo Gándara: http://www.metal-argento.com.ar/

Fabiana Longo: http://mipasionrock.blogspot.com.ar/

Victor Komparak: https://www.facebook.com/victor.komparak?fref=ts

Victor Guagnini: http://www.bsasmetalshows.com/

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