¿Tendencia actual o estética desarrollada por los performers del teatro experimental?

Que desaparezcan las fronteras entre escenario y público o entre actuación y video  no es una idea novedosa. Sin embargo, está claro que se trata de una propensión que marca y define un tipo de teatro amalgamado a formas multimediales y/o circenses.

Rafael Spregelburd la tiene clarísima. La Paranoia fue tal vez el clímax de su obra “teatro-cine-absoluto” (por denominarlo de alguna manera). Igual que No más Zzzzs, de Candalaria Sabagh, que vuelca un conjunto de lenguajes y de intertextualidades que transforman el teatro en un juego en el que puede pasar cualquier cosa, pero jamás por mero azar. De una instancia de policial clásico, se puede pasar a una fiesta electrónica proyectada en el escenario. Y se puede con elegancia y sentido. Sabagh y Spregelburd lo demuestran.

http://nomaszzzzs.blogspot.com.ar/

Claudio Tolcachir no se quedó afuera. Más clásico, pero siempre innovador, hace diez años estrenó Jamón del diablo, una obra ambientada en un cabaret, con mesas, vino, baile y música en vivo. La historia transcurre entre el público y un puñado de bailarinas, travestis y madamas. La obra fue reestrenada hace un año y permanece en cartel; todos los lunes en Timbre4, jamón, jamón, jamón!

Entre este tipo de propuestas “diferentes”, tal vez la más singular sea la de Matías Umpierrez. Su obra Teatro SOLO consiste en cinco intervenciones performático-teatrales que se llevan a cabo en cinco puntos diferentes de una ciudad y a la que sólo puede acceder un espectador por “función”. Callejero porque sale de la sala habitual de representación, pero no realmente itinerante como los espectáculos en una plaza o una peatonal. También renovador en el concepto de platea porque disuelve el anonimato del espectador entre la multitud y lo enfrente directamente con la obra en un rol activo.

http://www.teatrosolo.com.ar/

Desde lo circense, La Fura dels Baus -desde 1971 en España- y De La Guarda –en Argentina- definieron una estética experimental con acrobacias, escenarios de muy amplias dimensiones, elencos multitudinarios y la potencia tecnológica. Así, el teatro se alineó a esta tendencia de lo onírico, la ruptura del esquema tradicional (introducción, nudo, desenlace) y se afianzó la tendencia de un espectador activo.

Para atraer nuevos públicos, para sorprender, por necesidad expresiva, para renovar conceptos. Son varios los motivos que impulsan a directos y dramaturgos a imaginar y llevar a cabo piezas de teatro no convencionales. Sin el clásico escenario y sin la cuarta pared (la barrera imaginaria que separa al público de los actores). Si bien desde hace años el teatro se va reformulando con diferentes apuestas –distanciamiento, crueldad, método, absurdo, etc-, en la actualidad sigue impactando la tendencia de romper las obviedades del auditorio, el escenario y el espacio para los espectadores.

Degustación de Titus Andronicus

La propuesta está dirigida al público en general y consiste en cuatro días –jueves, viernes, sábado y domingo- de presentación de obras y sketches. Además, Cristina Martí, Guillermo Angeleli, Walter Velázquez, Darío Levin estarán a cargo del dictado de talleres específicos para el trabajo del payaso.

Como si fuera un “Woodstock” del clown, el festival se propone como un espacio para estudiantes y profesionales del teatro y del humor que deseen perfeccionarse, compartir experiencias y convivir en el camping.

En esta primera edición, se presentarán elencos de Capital Federal, Córdoba, Tandil y San Pedro.

Acá, el programa completo día por día:

Jueves 19 a las 20 hs

Sala Cuarta Pared – Almafuerte e Independencia – San Pedro

Tel. 03329 54-0510 – Entradas $50

CRIATURA DE DIOS – C.A.B.A.

www.criaturadediosclown.blogspot.com

Idea e interpretación ○ Darío Levin

Dirección y Dramaturgia  ○  Guillermo Angelelli

Asistente de Dirección  ○  Gastón Santos

Asistente General ○ Micaela Fariña

Diseño de Iluminación  ○  Ricardo Sica

Escenografía  ○  Valeria Álvarez

Vestuario  ○  Magda Banach

Música Original  ○  Guillermo Rey

Animación y Diseño Gráfico  ○  Kevin Orellanes

Realización de Vestuario  ○  Lisandro Trevi

Realización de Peluca  ○  Cecilia Acosta

Producción General  ○  Darío Levin

Una criatura de laboratorio.
No sabe nada, no recuerda nada, no sabe quién ni qué es.
Está absolutamente sola y perdida.
A pesar de todo, un impulso inexplicable (tal vez el miedo, tal vez el dolor) la lleva a la acción.
Así comienza el descubrimiento del mundo que la circunda.
En el intento de dar sentido y nombre a lo que la rodea se pone en marcha el mecanismo de una memoria milenaria.

Viernes 20 (horario y lugar a confirmar)

“Señor Trompeta”

Estreno 2013 de TRI TRI. Es un espectáculo para toda la familia.

creadores de “ZUPREMO” y “GUILLERMO, Un flor de Principe”-. De Tandil Pcia. De Buenos Aires

www.tritri.com.ar

Gratarola: Joaquín Borches
Salamito: Winny Ferraro
Beto Molécula: Mariano Delaude
Dramaturgia y Dirección: Eugenio Deoseffe
Producción: Eugenio Deoseffe – Andrés Erro
Musicalización: Eugenio Deoseffe
Escenografía: TRI TRI Producciones
Vestuario: Sandra Kostyak – TRI TRI Producciones
Fotografía: Milagros González
Diseño Gráfico: Belén Bicondoa

Todo era perfecto. El pueblo era feliz. En él había un teatro: “El Teatro de la Trompeta” y un trompetista muy famoso que hacía emocionar a todos con su música. Pero como lo bueno no dura para siempre, alguien incendió el teatro y los sueños de quienes allí vivían.
Años más tarde, se pudieron salvar algunas maderas que sirvieron para reconstruir un “Mini Teatro de la Trompeta”. Pero NO HAY TROMPETISTA. Y si no se consigue uno, este nuevo teatrito también corre peligro de desaparecer… ¿Cómo terminará esta historia? ¿Será posible el final feliz o el mal volverá a vencer?

Viernes 20 a las 21 hs

Sala Cuarta Pared – Almafuerte e Independencia – San Pedro

Tel. 03329 54-0510 – Entradas $ 50

Quizás quiso decir – C.A.B.A.

http://www.quizasquiso.blogspot.com.ar/

De Nacho Albani – Pablo Algañaraz – Agustín Flores Muñoz

Actúan: Nacho Albani – Pablo Algañaraz

Dirección: Agustín Flores Muñoz

Diseño de Luces: RICARDO SICA

Vestuario/Utilería: QUIZÁS QUISO DECIR

Colaboración Dramatúrgica: LAURA NÉVOLE

Ilustración y Diseño Gráfico: ANDRÉS KYLE

Fotografía: JUANA GHERSA

Realización Audiovisual: PABLO GIROLA

Colaboración en Producción: REBECA CHECA

Asistencia: ANDY HERRERA

“…Quizás quiso decir es una obra que invita al espectador a viajar por el universo de dos payasos divertidos, sensibles y profundos que abren las puertas de su corazón y se animan a hablar de sus pasiones, sus miedos y sus recuerdos… Es destacable la notable actuación de Albini y Algañaraz, quienes se comunican (entre ellos y con los otros) a través de un leguaje gestual y corporal. Hay una interesante puesta de luces (a cargo de Ricardo Sica) que acompaña en todo momento a los personajes, generando distintos climas dentro de la historia….”

Clown para adultos

Dos hombres en la intimidad de una pesca.

Ahí se da lugar a que aparezca todo lo inesperado.

El recuerdo del amor, el recuerdo de la despedida, el recuerdo de la muerte,

la torpeza y malos entendidos de la memoria.

Sábado 21 a las 15 hs

VIA PUBLICA

Deriva

Sábado 21 a las 20:30 hs

Sala Cuarta Pared – Almafuerte e Independencia – San Pedro

Tel. 03329 54-0510 – Entradas $50

“Suena Tremendo”  + “Paloma sin Vacilo”

Duración total 60 minutos

Grupo LAS PÉREZ CORREA

LAS PÉREZ CORREA  son: Laura Ortiz y Julieta Daga – Córdoba Capital

Son 2 espectáculos unipersonales cortos, que se realizan uno a continuación del otro.

“Suena Tremendo”  Unipersonal de Julieta Daga

En escena Julieta Daga, dirección Laura Ortiz

“Suena Tremendo” es una obra payasa que sondea en lo más profundo de la tragedia de Lita, la payasa que debe irse y no quiere.

Lita pasea por sus recuerdos, sus fantasmas, sus lugares, sus imágenes y vive a fondo cada instante compartiendo con humor y ternura su más honda intimidad con el espectador.

Lita, la payasa que debe irse y no quiere ,  llora, ríe, canta y así  intentando quedarse busca  las más disparatadas excusas… hasta que el tiempo se acabe…. hasta que llegue el  ultimísimo momento……el que al final no será tan tremendo ……

“Paloma sin Vacilo” Unipersonal de Laura Ortiz

dirección Julieta Daga

“Paloma sin Vacilo” con- cierta payasa

“Nada hay más infinito que volar,

y lo digo yo que soy una paloma……”

“Pero nada hay más, más y más infinito, ni inconmensurable,

ni negociable que la libertad

y eso también lo digo yo que además de una paloma soy una payasa…….”

Bocha es una payasa que de tanto soñar se cree una paloma, se pone alas y es libre en el alma, en el cuerpo, en la lengua y así te canta las 40. Porque el que no vuela no nace, y el que no nace no vuela…

Sábado 21 a las 23 hs

Sala Cuarta Pared – Almafuerte e Independencia – San Pedro

Tel. 03329 54-0510 – Entradas $50

RESCATE EMOTIVO (No Pasa Res!) – C.A.B.A.

http://velazquezwalter.blogspot.com

Concepción, dirección e interpretación: Walter Velázquez

Auspiciado por la Asamblea Permanente de los Derechos Humanos y por la Secretaría de Cultura de la Nación

María Jimena López: (Asistencia de dirección)

Ricardo Sica: (Iluminación)

Soledad Galarce- Melania Lenoir: Alfiler de Gancho-(Vestuario)

Luis Sticco: (Arreglos musicales)

Valeria Stilman: (Dibujos)

Capear! Martin Acosta: (Diseño gráfico)

Alejandro Palacios: (Fotografía)

Andrea Feiguin: (Producción Ejecutiva)

Calostro fue payaso toda su vida, de las familias de payasos que comenzaron la profesión en su país: Argentina. No se sabe si no recibe visitas porque no lo dejan recibirlas o porque esta solo…él dice tener nietos…Pero no vienen nunca a verlo.

No sabemos muy bien si es que tiene familia o si es que ya nadie se acuerda de él.

Don Carlos Calostro Meconio fue un genial cantante solista que brilló en

Orquestas típicas de Tango, orquestas muy famosas y ya desaparecidas (las orquestas y los demás integrantes)

Lo que si es cierto es que Hoy Mismo, mientras UD lee estas líneas, Don Calostro esta planeando una gesta heroica única:

Huir de la clínica geriátrica…

Con la idea de pisar nuevamente los escenarios del mundo, para que las nuevas generaciones sepan que los ancianos tienen mucho para ofrecer, enseñar y compartir en este mundo pensado solo para jóvenes.

Calostro está de vuelta!!.. Disfrútelo con alegría…

Calostro está de vuelta!!… No sabemos hasta cuando.

Seguramente hasta que lo encuentren.

SHOW DE TANGO, Clown y Paro Cardíaco. Don Carlos Calostro Meconio, payaso argentino de 84 años se encuentra internado en un geriátrico, solo… huye para hacer su show de tangos… Hágase cómplice de este RESCATE EMOTIVO…No Pasa Res!

Domingo 22 a las 15:30hs y 17:00 hs

Paseo Público – San Pedro

Los payasos:

Chacovachi y Maku Jarrak

“Cuidado un payaso malo puede arruinar tu vida”: del payaso Chacovachi

“Metro y medio” de  Maku Jarrak – C.A.B.A.

“¡CUIDADO!!   UN PAYASO MALO, PUEDE ARUINAR TU VIDA” Del Payaso Chacovachi http://www.chacovachi.com/

En un mundo lleno de contrariedades, inocencia, acidez, conformismo y rebeldía este payaso es un verdadero vengador de los adultos. No es tonto, ni ingenuo, ni fácil de digerir.

Los malabares, la magia, los equilibrios y la globología son la excusa, Dios, la política, la muerte, las drogas, el poder, la falsa modestia, el amor, los ideales y el conformismo son la razón para reír.

Su misión en este mundo es despertar  almas desprevenidas.

¡CUIDADO!, UN PAYASO MALO PUEDE ARRUINAR TU VIDA, es un espectáculo que emociona, transforma y arde, lleno de risas, sonrisas y carcajadas, muestra a un payaso auténtico, rompiendo con todos los códigos tradicionales de los clowns,  en su lucha por entretener sin estupidizar  y sobrevivir en el intento.

Maku Jarrak con Metro y Medio www.makujarrak.com.ar Un espectáculo basado en la accion fisica y la comunicación comica con el público de una manera activa y fresca. Maku se comunica sin palabras, creando asi un lenguaje universal. Durante 40 minutos una payasa entretiene, divierte y asombra, mostrando personalidad, oficio y un alma clown que entregar.

Con sus excéntricas habilidades circenses, y  su comunicación fresca y desenfadada esta joven y experimentada payasa supo ganar el reconocimiento de público y pares dándole presencia y relevancia al unipersonal femenino en festivales de payasos, circo y teatro de Argentina, España, Francia, Brasil, Venezuela y Bolivia.

Domingo 22 a las 21 hs

Sala Cuarta Pared – Almafuerte e Independencia – San Pedro

Tel. 03329 54-0510 – Entradas $ 50

Varieté Autóctono Sanpedrino – Cierre del festival

TALLERES

Walter Velázquez / Dario Levin

Jueves 19/09, Viernes 20/09, y Domingo 22/09, de 10:00 a 14:00 hs., Sala El Cuadrilátero

LEVÍN- VELÁZQUEZ “DOS TIPOS AUDACES” (Estados Payasos) estado de comunicación. estado de alerta y disponibilidad. estado de juego. estados de energía. estado de actuación payasa. estado de presente continuo. estado de tirarse a la pileta, de saltar al vacío. estado de positividad, de aceptación. estado de irreverencia, de desborde, de sensibilidad. Un entrenamient hacia la VELOCIDAD-LA CALIDAD de ENERGIA, y la Disociación Una Autopista hacia el Estado de Gracia.

Cristina Martí

Viernes 20/09 y Sábado 21/09, de 15:00 a 20:00 hs., Club Viejo

EL CLOWN, ANTES DE LA NARIZ / Cristina Martí
Propuesta para principiantes

CONTENIDOS. ¿Qué pasa antes de ponerse la nariz? Porque ese momento no llega enseguida y aún así, teniéndola puesta, no significa que la merezcamos. Exige una preparación, una exploración, en donde chocaremos contra nuestras propias paredes,  descubriremos puertas abiertas donde los únicos responsables de atravesarlas seremos nosotros mismos. Nos pide y convoca a un total compromiso y entrega, a un estar un ciento por ciento dispuestos, listos a lo que nos sucede tanto interna como externamente, accionando desde el placer: solo siendo. Cuando esto sucede, los juicios, los prejuicios, la crítica y las ideas se desvanecen, mostrándonos un espacio completamente vasto de posibilidades que se nos develan. Nos exige un desarrollo de la escucha en ese juego que surge espontáneamente y que nadie dirige, pero en el que todos están al servicio, sabiendo con claridad a qué están jugando y transformándolo en escena. A partir de ese momento podemos empezar a tener el permiso de tener una nariz cerca de nuestra nariz. De eso se trata este taller: permitirnos ser exploradores de nosotros mismos, ver hasta dónde somos capaces de llegar y con qué nos encontramos para, después, recién ahí, transformarlo en un hecho artístico. El humor es, en definitiva, transitar por encima de las situaciones, habiendo comprendido previamente qué es lo que se está abordando.

Guillermo Angeleli

Sábado 21/09 y Domingo 22/09, de 9:00 a 14:00 hs., Sala Cuarta Pared.

“La lengua en la nariz- una aproximación al lenguaje del clown”- principios y ejercicios para balbucear payasadas. Para principiantes y experimentados con ganas de empezar de nuevo.

Web: http://festivalsanpedroclown.blogspot.com.ar/

Mail: festivalsanpedroclown@gmail.com

Organiza: Sala Cuarta Pared, Santiago González Pérez, Néstor Sánchez y Roberto González

Producción ejecutiva: Andrea Feiguin

Diseño gráfico: Mache Gonzalez

Prensa: TEHAGOLAPRENSA

“A Blanca y Estela las separan más de quinientos kilómetros. Blanca dejó su trabajo en la pastelería para triunfar como actriz. Estela, mientras tanto, espera su regreso. Pero quien llega es Liliana, una mujer que nadie conoce y arrastra un secreto que la avergüenza”, así se anuncia la trama de Impalpable, un retrato del mundo femenino en los años 50, ese universo tan “investigado” por el escritor Manuel Puig.

Ignacio Se Santis y Sergio Calvo, sus directores, se propusieron llevar a cabo una obra que captara la esencia de Puig. En base a sus novelas, sus gustos, sus escritos, sus preferencias cinematográficas, De Santis y Calvo compusieron Impalpable. Sin sus textos, pero con sus textos. Puig circula constantemente en la obra, su carácter empapa las palabras, las escenas, la escenografía y hasta la dirección.

¿Cómo se hace para articular literatura y cine y transformarlo en una obra de teatro?

Hasta se ven primeros planos y movimientos en cámara rápida. ¡Pero son actrices sobre un escenario! El cine se sube a las tablas y las escenas se engrandecen con recursos audiovisuales. Ellas corren, se miran, se ríen, se detienen. Las luces de un proyector enfatizan algunos parlamentos. Un piano suspende los tiempos o los apura. Casi musical, ingredientes de Broadway, del sainete, del folletín, de la comedia clásica, de Puig.

La historia de pueblo, de mujeres “comunes”  y las tantas referencias al cine, no  sólo desde la dirección, también como situación (una de ellas quiere triunfar como actriz, las otras dos van al cine a ver una película), componen un tono similar al de Boquitas pintadas, La traición de Rita Hayworth o incluso al de El beso de la mujer araña (novelas de Puig).

Con estos elementos, Impalpable despliega momentos de ternura, de “intensidad femenina” (con largas conversaciones por teléfono y peleas incompresibles), situaciones de risa y pasos de comedia sutiles y muy acertados. Sin desentonar jamás ni caer en el romanticismo o el absurdo, con dinamismo y sin segundos para bostezar, la obra conmueve y entretiene los 55 minutos de duración.

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=nUnxlDGizwg

Ficha Artistica/Técnica

Co-dirección: Sergio Calvo – Ignacio De Santis
Actrices: Elisa Bressán, Paula Manzone, Malena Schnitzer
Música original e intérpretes: Nicolás Bari, Matías Niebur
Escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez
Diseño de luces: Sandra Grossi
Vestuario: Jam Monti
Fotografía: Natalia Rubinstein
Diseño Gráfico: Sergio Calvo
Prensa: Débora Lachter
Producción: Mariana Eramo, Carolina Castro
Asistencia de dirección: Mariana Eramo
Dramaturgia: Sergio Calvo, Ignacio de Santis, Catalina Alexander, Elisa Bressán, Malena Schnitzer

El Extranjero teatro
Valentín Gómez 3378
Ciudad de Buenos Aires, Argentina
Reservas: 4862-7400
http://www.elextranjeroteatro.com

¿Qué pasa cuando una obra tiene todo para ganarse al público y fracasa por una de sus partes?

“Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mi hijo”.

El teatro es un trabajo de equipo que se compone por diferentes disciplinas aplicadas a un mismo objetivo, el hecho teatral. Combinados, puesta en escena, dirección, guión y actuación, organizan y establecen la obra total.

Reestrenada en Teatro Beckett, Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mi hijo, causa ese efecto de desconcierto: por un lado es brillante, un despliegue de excelentes recursos y talento actoral, por otro lado, desafina, ambiciona muy alto y descompone las partes del todo.

El éxito de su primera temporada volvió a traerla a escena. Sin duda, Agamenón  fue una de las revelaciones del 2012. El discurso anticonsumo en tono de comedia dramática fue muy bien recibido por el público. Sin embargo, un exceso de ornamentación en los textos la transforman en una obra demasiado intelectual. El humor se construye desde el pensamiento y no desde la acción (la “magia” del teatro).

Las opiniones se contradicen: los comentarios sobre la obra van desde “increíble”, “maravillosa” y “malísima” (http://www.alternativateatral.com/opiniones24078-). Ciertamente, Agamenón tiene muchos elementos para llamar la atención y cautivar una audiencia. Es dinámica, visualmente atractiva y tiene muy buenos actores. El “malísima” nace del público menos pretencioso. Porque a veces, “menos es más”. Y en este caso, la búsqueda de un planteo demasiado erudito derriba la posibilidad de contar una buena historia. Sin conexión sensible, la emoción queda desplazada por la cabeza.

¿Recomendable? Sí, hay que ir a verla. Hace tiempo que el teatro porteño apela al lado cerebral del público y gana terreno. Y Agamenón no es una más del montón, despliega recursos que hacen que para muchos sea una obra “maravillosa”.

Folleto de la obra en alusión al consumismo exacerbado. Imagen original del artista Bansky.

http://teatrobeckett.com/

http://www.emiliogarciawehbi.com.ar

Acá, cinco razones para ir a verla antes de que termine:

Norman Briski, autor y director de “No te vayas…”

1-La dirige Norman Briski.

Cuando la obra se estrenó, Briski anunció que podría ser su último trabajo de dirección, en principio, por un tiempo determinado: “Sí, dejo de dirigir al menos por dos años”, dijo en la presentación de 2011. Ese período ya pasó y por ahora lo único que permanece en cartel bajo sus directrices es “No te vayas…”.

2-Está escrita por Norman Briski.

Si bien su mayor interés siempre estuvo en la actuación, Briski se consagró como autor de sus propias obras y ya forma parte de la lista de más destacados dramaturgos argentinos. Incluso se animó a incursionar en la literatura y en el 2010 editó “Nagasaki de memoria”, su primera novela. “No te vayas, con amor o sin él” muestra el entramado de relaciones que Briski se propone investigar en sus obras. Una mujer lisiada y su mucama, el ejercicio del poder y la dependencia, todo en clave de humor. Esos son los principales componentes de “No te vayas…”, una pieza ejemplar del “estilo briski”.

3-Se presenta con una escenografía móvil.

La historia transcurre en dos habitaciones de la misma casa y gracias a una escenografía versátil la obra rompe la tradicional puesta de las tres paredes. Los personajes transitan las sucesivas escenas y mientras transcurre la acción, mueven la plataforma central para generar el cambio espacial. Si bien no es una idea realmente novedosa, la puesta en escena promueve mucho dinamismo visual y explota una posibilidad diferente al escenario clásico.

4-Interpretada por dos actrices en completa sintonía con sus personajes.

Carolina Molini y Eliana Wassermann despliegan humor y locura en sus papeles como mucama (Molini) y lisiada aburguesada (Wassermann). Entre las dos consiguen llevar a escena momentos de tensión, risas y absurdo, y logran, así, que lo siniestro de la historia que interpretan se diluya y aparezca sin dramatismo. Desgarbada y grotesca, Wassermann transita breves monólogos de humor y pasa en seguida al grito pelado o al llanto. Molini también va de un extremo al otro, compone dos personajes contrapuestos: una chica desenvuelta, coqueta y pobre, y su hermana, ex convicta, rígida y militar. Excéntricos y totalmente locos, los tres personajes les calzan muy bien a dos actrices jóvenes “nacidas” y “criadas” por la mano de Norman Briski.

5-Llevada a cabo en La Playita.

Ubicado en Colegiales, La Playita es un espacio teatral que abrió sus puertas hace muy poco y se autoproclama como “el único galpón que se parece a una persona. ¿A quién? A alguien lindo. Edificio teatral, cajita musical, parking cultubar, monísimo toilet”. Y es cierto, La Playita está ambientado con un estilo “palermo-retro-hippie” y funciona como espacio para presentaciones de bandas, performances, muestras de arte, obras de teatro y bar.

Carolina Molini y Eliana Wassermann

La representación de “Paredes Altas”

Tal vez su nombre no sea tan conocido, suele pasar con algunos autores, que escriben toda su vida, estrenan obras, dirigen, pero su nombre queda en el olvido. La noticia de su muerte apenas resonó en los medios, pero marcó al ámbito teatral.

Con más de veinte piezas estrenadas, Borla creó universos cotidianos, repletos de humor y situaciones conmovedoras. Sencillo, su teatro sigue las líneas tradicionales, se aboca a relajar al espectador y transportarlo a un momento de bienestar. No son obras experimentales ni enredadas, sino accesibles y con temáticas universales. No hay dudas de que el dramaturgo, si bien ya no marcaba nuevas tendencias en el panorama actual, definió un estilo y dejó una huella ineludible en el teatro argentino.

Como hecho artístico, que un año entero se presenten obras de un mismo autor en diferentes salas de Buenos Aires, resulta una muy buena noticia. No sólo para hacer memoria del autor, también por el ejercicio expresivo que este festival  posibilita.  A lo largo de todo el 2013, salas, espacios teatrales, elencos y compañías van a ser convocados para representar  obras de este creador y darse a conocer en diferentes localidades de la ciudad.

La representación de “Bolero Rococo”

Programación:

(localidades de todas las funciones $50)

Sábados 21 hs.  Del 9 al 30 de marzo

“Paredes altas, Paredes grises”

Dirección y puesta: Mariela Jerez

Elenco: Andrea Humberto, Fernando Martino, Leonardo Bermúdez

Teatro El Espión: Sarandí 766 – C.A.B.A.
Reservas online www.carteleraelespion.com.ar

ó al 4943-6516 espionsala@gmail.com

Dos mundos que conviven en una misma sociedad mirados desde las dos caras de la moneda, ¿quien puede decir que uno es mejor que el otro?

Historias de vidas completamente diferentes que un día se cruzan y deciden jugar un juego peligroso…

Caminan por la vereda y se creen a salvo?… ¡Tontos! los coches también suben…

Sábados 21 hs.  Del 16 de marzo al 6 de abril

“Bolero Rococó”

Dirección: Susana N Fernández

Actúan: Stella Maris Martinez, Nancy Silvana Rossi, Gustavo Sacarrere

Teatro Boedo XXI: Boedo 853– C.A.B.A.

http://teatroboedoxxi.blogspot.com.ar/ Tel. 4957-1400

GRUPO GUMANÁ

Por qué sigue junta alguna gente?

Este interrogante resume el pensamiento de sus personajes y los hechos de esta ágil historia. A través de elementos que rozan el grotesco y el melodrama sus protagonistas descubren las miserias, afectos, frustraciones y esperanzas de los seres “humanos”.

Para reír y reflexionar!

Ficha técnico artística

Fotografía: Valeria Misevich

Diseño gráfico: Valeria Misevich

Dirección de arte: Valeria Misevich

Iluminación: José Luis Misevich

Web: http://www.teatrorococo.blogspot.com

Sábados 21 hs.  Del 13 de abril al 4 de mayo

“Reflejos en el agua”

GRUPO TEATRANDO

Dirección General:  Marisa Dilarregui

Elenco por orden de aparición: Mónica Alvarez, Luis Gonzalez, Paula Rivero

Teatro Boedo XXI: Boedo 853– C.A.B.A.

http://teatroboedoxxi.blogspot.com.ar/ Tel. 4957-1400

“La madre, la hija, el hijo, y el agua… siempre el agua… Tres seres conviviendo con sus pesares, sus anhelos y sus miserias, atravesados por la inundación y la lluvia, año tras año, siempre en la misma fecha. El miedo a crecer y a dejar crecer, las frustraciones, la supervivencia cueste lo que cueste y, por fin, la esperanza, igual a esos reflejos en el agua, que como la vida misma, se dibujan y desdibujan en el fluir de la existencia.”

Próximamente:

Se van realizar funciones en las salas Absinth, Viejo Variete,  El Espion, Boedo XXI y Teatro Brown con la representación de Parpentina, Cara y Ceca, Confidencial, Carita de Asombro, Con fondo Verde, La caja junto al arroyo, Caja de Resonancia, Seis veces adiós, todas obras de la autoría de Alberto Borla.

Para más información:

http://festival-borla.blogspot.com.ar/

Director y organizador del festival: Marcelo Gianelli

Entrevista a Julio Vaccaro:

Porqué ir a ver La Colección

Escrita por Harold Pinter, La Colección compone parte de la marca capital del autor: una realidad insensata, casi incomprensible, en la que sus personajes conviven con miedo y desconfianza, sin lazos para la comunicación. Así, la obra avanza entre diálogos repletos de ironía, ambiguos y sin verdaderas certezas. La Colección resulta una puerta de entrada directa a ese universo de pocos sentidos y se suma a la seguidilla de obras del mismo autor que en el 2012 se llevaron a cabo en diferentes teatros de Buenos Aires: El Amante (dirección de Raúl Mereñuk), La Habitación (dirección de Gonzalo Facundo López), Sketches de Revista (dirección de Alejandro Vizzotti). Para todo interesado en la obra de Pinter, La Colección es una excelente elección.

Con más de cuarenta años de trayectoria, Agustín Alezzo, una vez más, demuestra que su experiencia, pasión y conocimientos mantienen el empuje que lo definió desde que dirigió su primera obra. Mientras aún estaba Los Justos (de Albert Camus) en cartel, el maestro y director de teatro no se tomó descanso y volvió a poner en escena una historia de Pinter, uno de sus autores preferidos (el año pasado dirigió Viejos tiempos, también El Camarín de las Musas). Alezzo es uno de los mayores referentes del teatro argentino y aún estando cerca de cumplir los 80 años, con cada una de sus obras, da cuenta de su vigor teatral.

Además de un teatro, El Camarín de las Musas tiene un amplio hall de entrada con un restaurant y mesas para quedarse a cenar. Después de ir  a ver una obra como La Colección, se puede disfrutar de un menú variado, con una amplia carta de vinos y la decoración del espacio con la muestra de arte o fotografía de turno.

Peeeero… ¡atención!

Tal vez La Colección no sea una obra para todo tipo de público… Como referente del absurdo, la obra despliega apenas una anécdota que jamás se define como verdadera o falsa. La historia transcurre sin demasiadas peripecias y busca plasmar la incomunicación y el desasosiego de los personajes. Para el avezado, que ya conoce a Pinter y que ya vio, por ejemplo, varias obras de Beckett, La Colección no tiene mucho nuevo que ofrecer. Y para quien busca entretenimiento, dinamismo, algo audaz, moderno, ocurrente, tampoco va a encontrarlo en esta versión de La Colección.

Como director, Alezzo se esforzó en mantener la esencia inglesa y el clima de los años 60´. Con un buen manejo del espacio, la obra transcurre entre dos habitaciones y conserva los tiempos –las entradas, las salidas, los cortes de escena-, más tradicionales del teatro. Sin lugar para la experimentación, esta versión de La Colección también preserva el texto original, las indicaciones del vestuario y las marcas de época. Sin riesgos ni intenciones de aggiornarse, la obra no luce todo su potencial, pero resulta armónica, estructurada y clásica, fiel al estilo tradicionalista de su director.

Pero, ¿hasta cuándo?

El sábado se cumplió un mes de acampe. El predio, mientras tanto, parece una plaza de refugiados que se multiplican. Desde venta de artesanías, talleres de música y teatro a ollas populares. La autogestión que mantuvo viva la Sala Alberdi sigue siendo la columna vertebral de este grupo de artistas.

Pero, otra vez, ¿hasta cuándo?

Mientras crece la convocatoria de “indignados” en el patio, va menguando la cantidad de compañeros que se quedaron arriba, en el sexto piso, donde está la Sala. Día a día alguno decide bajar; porque viven hacinados, porque apenas reciben alimento, porque no soportan la situación. Sin embargo, los referentes y voces de la protesta prefieren no revelar cuántas personas permanecen en la Sala.

Desde el Gobierno de la Ciudad aún no hubo negociación ni diálogo. Tras más de dos años de toma, sólo se les ofreció un espacio alternativo, la sala Los Andes, en Chacarita. Esto no resolvió el conflicto porque, como explica Soledad, una de las “acampantes”, “no se demuele un hospital para construir una escuela”. Ella y sus compañeros piden por la continuidad de la Sala que fue tomada porque estaba a punto de cerrarse.

“El Gobierno de Macri quiere privatizar todo el espacio. En todos estos años vimos desfilar varias empresas que hacen sus presentaciones y convenciones acá. Y si supuestamente el lugar no está habilitado para su uso, ¿por qué sí lo pueden alquilar entidades privadas?”, cuenta Soledad. “Además todo el edificio está “en refacciones”, pero jamás avanzaron las obras”, sigue.

Almuerzo en el “Acampe Cultural”

Y una vez más: ¡¿hasta cuándo?!

Porque corren los días y por ahora no se llega a ninguna resolución. Llevan más de un mes de acampe (¡y años de toma!). Todos los días hay actividades, recitales, cortes de calle. Desde las Abuelas de Plaza de Mayo, Javier Calamaro, Las pastillas del abuelo y Las manos de Filippi acompañaron diferentes protestas frente al Ministerio de Cultura. El conflicto pasó a ser de amplísimo conocimiento público. Pero por ahora, la organización comunitaria “Sala Alberdi, toma y autogestión” no recibió respuesta. El caso permanece judicializado y quedaron dos bandos enfrentados: los artistas que reclaman por “un espacio público, gratuito y de libre acceso a la cultura” y los dirigentes del Gobierno de la Ciudad que aún prometen obras en el Centro Cultural y por eso dicen querer desalojar la sala.

Entonces, ¿hasta cuándo?

El retorno a las actividades tras el supuesto “cierre por vacaciones” podría ser el momento bisagra para pasar a una nueva resolución. Caso contrario, “habrá acampe para rato”, anuncian los representantes de la toma.

Breve documental sobre la historia de la toma:

Así que nadie se queda afuera: en Mar del Plata, hay playa y teatro para todos los bolsillos. Sólo es cuestión de visitar las salas más chicas y confiar en las producciones independientes sin seguir las influencias de las marquesinas avasallantes y la popularidad de sus protagonistas.

Darío Cortes en “Oliverio”

Lejos de los, por ejemplo, $170 que cuesta una entrada para ver La Cabra (Teatro Bristol, dirección de Julio Chávez) o los $180 que cuestan las entradas de Toc Toc (Multiteatro, dirección de Lía Jelín), Mar del Plata ofrece obras que arrancan en los $50. Si bien no cuentan con los recursos y la trascendencia de La Cabra o Toc Toc, son, en su mayoría, compañías de teatro locales que producen sus obras con la misma pasión y talento que el circuito comercial.

Tras un año de presentaciones en Av. Corrientes (en Teatro Corrientes Azul de Capital Federal), Mamá Cora, un clásico argentino, sale a escena todos los domingos y sábados en la Sala Auditorio Shopping Peatonal  (San Martín 2236 2do. Piso, Mar del Plata). La entrada cuesta $50 y el plantel de actores se compone por más de veinte actores y bailarines. Dirección y puesta en escena: Valeria Robles. Más información: Auditorium Shopping Peatonal, (0223) 4981245 o (0223) 155358177.

También por $50, todos los sábados a las 22 hs se presenta La Rosa de Cobre (El Secuestro de Roberto Arlt), una historia ubicada en los años 20 que relata las vicisitudes de un grupo de marginales que deciden secuestrar al escritor Roberto Arlt. Con textos de Federico Polleri y la dirección de Manuel Santos Iñurrieta, La Rosa de Cobre se presenta en Cuatro Elementos, Alberti 2746, Mar del Plata. Más información: (0223) 4953479.

“La Rosa de Cobre” en Sala Cuatro Elementos

Por $70, los martes y sábados a las 23.30 hs, Darío Cortes sale a escena con su unipersonal Oliverio que retoma textos de Oliverio Girondo y arrastran a su personaje a momentos oscuros y delirantes, repletos de fantasía y pesadumbre, pero siempre en tono de comedia absurda. Se trata de la historia de un empleado de correo que pierde su trabajo y se sumerge en una suerte de locura que lo lleva por diferentes estados. Los martes se presenta en el Centro Cultural El Séptimo Fuego (Bolívar 3675, Mar del Plata, tel: (0223) 4959572, y los sábados en Liberart Espacio Cultural, Moreno 2742, Mar del Plata, tel: (0223) 4962823.

Una cuarta opción es Histerias de una noche, una comedia que retrata el modo de coquetear que tanto hombres como mujeres llevamos a cabo sin darnos cuenta cada vez que conocemos a alguien que nos interesa. Siempre –propone la obra-, actuamos con histeria. Escrita y dirigida por Jesica Terry, Histerias de una noche se presenta todos los lunes y jueves a las 23.30 hs y el valor de la entrada es de $50 y $70. Más información: Liberart Espacio Cultural, Moreno 2742, Mar del Plata, tel: (0223) 4962823.

Por último, bajo la dirección de Claudio García, la ciudad de Mar del Plata ofrece Leghorn, una historia disparatada en la que se encuentran una dueña de pensión, una prostituta, un revolucionario y un argentino sabelotodo. La entrada cuesta $50 y se presenta todos los sábados a las 21 hs en El Club del Teatro, Rivadavia 3422. Más información: (0223) 4758790.

“Leghorn”, en El Club del Teatro

Desde hace tiempo la cultura gayfriendly arribó a diferentes escenarios porteños con “historias comprometidas”, stan-up de humor fácil, dramones y todo tipo de géneros. Y no se trata sólo de teatro para gays. Se presentan historias de vida, con buenos pasos de comedia, clásicos de todos los tiempos y de la mano de actores y directores consagrados. Algunas sí acentúan el “mensaje homosexual”, otras se concentran en desarrollar la trama y desplegar buen teatro para sus espectadores.

Naty Menstrual, actriz y poeta

A principio de año sorprendió (¿sigue sorprendiendo?) la imagen de Moria Casán y Sofía Gala como pareja en 3 mitades. El siempre audaz (y gay) José María Muscari se animó a enfrentar a madre e hija como compañeras de elenco y subió la apuesta con una historia de lesbianismo. El mismo director se encargó ya varias veces de tocar el tema en otras obras; el mejor ejemplo es Shangay, pieza que estrenó en el 2004.

Moria Casán y Sofía Gala en “3 Mitades”, obra de José María Muscari

Claudio Tolcachir también sumó una historia sobre homosexualidad y relaciones familiares. El viento en un violín (por ahora en receso hasta nuevo aviso) se estrenó en el 2011 y mantuvo funciones ininterrumpidas durante todo el 2012 a sala llena.

Hasta actores de la popularidad de Leonardo Sbaraglia y Eleonora Wexler se animaron a mostrar que tal vez “lo importante no es con qué, sino con quién” y protagonizaron Cock, obra que terminó hace pocos días.

Otros referentes (más absurdos, menos correctos) son las presentaciones de Naty Menstrual o del Mosquito Sancineto que no sólo están dirigidos a la “comunidad” como hacen otros cómicos/performers que sólo se presentan en bares y boliches LGTB.

Por supuesto que la lista es más larga. La desgracia de no ser homosexual, de Felipe Foppiano, Trío, de Gerardo Bergérez, 5gays.com, de Rafael Ponce o el paso de Liliana Felipe y Jesusa Rodríguez por Buenos Aires son ejemplos de otras presentaciones que abrieron un agujerito más para destapar prejuicios. Como alguna vez lo fue Fernando Peña desde el Margarita Xirgu o con su “radioteatro” en la Metro.

La homosexualidad, además de convertirse en políticas públicas, llegó a las sobremesas, se expone en la televisión y se indaga en el teatro. Los escenarios porteños se sumaron a la “visibilidad” y abren sus puertas a todos los públicos para instalar un debate o entretener con una buena historia.

Roberto Flores, el más puto de Fernando Peña en El Parquímetro, Radio Metro

María Elena Rinaldi, la torta argentina, por Fernando Peña en Ezquizopeña