Pienso en los últimos 89 minutos que acabo de invertir en ver esta…no sé ni cómo definirla…ahh, ya sé! Aberración!!! y no me entra en la cabeza cómo se atrevieron a llevarlo al cine, y es que nada, pero absolutamente nada, está bien hecho. Los actores son malísimos, el guión es desopilantemente ridículo, escenas inconclusas y confusas, personajes comportándose de manera poco real, los diálogos son imbéciles hasta el punto en que los actores parecen retardados mentales. El director, por dios!!! (porque si al menos la dirección de la película fuera buena, todo sería más ameno, pero no!)…no hay un sólo plano interesante, no hay sentido del suspense, la trama es absurda y tirada de los pelos, por momentos escenas que no llevan a nada duran una eternidad, y cuando el horrible guión se presta a desarrollar un poco la historia lo terminaron apurando de una manera que todo termina inconcluso, realmente parece un video musical, todo es tan absurdo y disparatado que no se puede entender como se atrevieron a filmar esto. Lo peor de todo es que no es una remake, no es una nueva idea de la saga, es una continuación directa de la primera, y cuando vi los primeros 3 min de los títulos casi me caigo de la silla, con imágenes de la original…parecía que sería el renacimiento de un clásico, pero sólo terminaron una vez más ensuciando la memoria de la mejor película de la historia del cine. Por darle crédito en algo, las muertes son sangrientas pero por otro lado muy irreales (señores, si se divide un cuerpo en 2 automáticamente caen tripas), el gran Bill Moseley interpreta a Drayton Sawyer en los primeros minutos y despues nada más, no hay nada más que llame la atención. No quiero arruinarle la película a nadie que quiera verla, por eso no voy a contar escenas pero cuando la vean recuerden escenas como la del parque de diversiones o el policía inepto con su hermoso Iphone entre otras, ni quiero tocar el punto de cómo dejaron parado a Leatherface…Por momentos parece un capítulo de Benny Hill!!! La verdad, una basura inverosímil que no puedo comprender como alguien puso dinero para producir y distibuir. La gente que me conoce sabe cuánto amo esta saga y la cantidad de memorabilia que he coleccionado a través de los años, no disfruto escribir estas líneas, si al menos tuviese un mínimo sentido la defendería, pero justamente por esa razón es que me dolió tanto ver esta porquería…

Mensaje a todos los grandes y humildes directores de cine que aprovechan su preciado tiempo libre sentados frente a una computadora:

De seguro existirá alguno que quedará insatisfecho con mi reseña y opinará que esta película es una verdadera porquería, a esas personas las invito a ver alguna de las 10 mil críticas negativas que existen en internet, dado que yo me senté a escribir esto tratando de ver algo bueno cuando todos ya resaltaron lo malo….y por otro lado que este blog lo escribo yo y pongo lo que se me antoja. Muchas Gracias.

Sería ridículo hablar de esta película como si fuera un clásico por eso también me parece ridículo evaluarla frente a las más grandes películas del género, opinaré de ella como lo que en verdad es, una obra muy humilde, super amateur sin mucho que contar, pero que tenía algo que mostrar y que no sólo tuvo el coraje de ser la primera del cine Gore sino que también se atrevió a ser una de las peores, con ustedes, un pedazo (amputado..) de la historia del cine…

Blood Feast del año 1963 es un Film de Herschell Gordon Lewis (el verdadero papá del cine Gore), el quinto de su carrera como director, y el que captó la atención del público.

A comienzos de la década del 60 un empresario llamado Stanford Kohlberg decidió financiar lo que sería un film grotesco y sanguinario propuesto por el director Herschell Gordon Lewis y el productor David F. Friedman con la idea de promocionar su reciente cadena de autocines, el gancho novedoso de esta obra era la cantidad de litros de sangre y ser la primera en mostrar a sus víctimas morir con los ojos abiertos mientras sus órganos eran extraídos por un psicópata. Con una buena campaña publicitaria crearon un afiche con una propuesta más que impactante que decía: “Nada más espantoso en los anales del terror! Van a temblar y retroceder cuando vean cómo jóvenes chicas núbiles son torturadas y mutiladas por un extraño, horrendo y ancestral ritual!, Una advertencia: si son padres o tutores de un adolecente impresionable no lo traigan ni permitan que vea este film. Presentando a Connie Mason, ustedes leyeron sobre ella en Playboy, Más espantosa que nunca y en color sangre!”. Asi fue cómo un film que sólo había costado 24.500 dólares recaudó en los cines grindhouse de los Estados Unidos más de 7 millones de dólares hasta los años 80s.

Sinopsis:

“Misteriosos asesinatos se suceden en un pueblo norteamericano, donde todas las víctimas son bellas mujeres a las cuales se les ha amputado una extremidad de su cuerpo. La investigación policial lleva la pista hasta el empresario gastronómico egipcio Fuad Ramses, que ha cometido los homicidios para rendir sacrificios a la diosa Ishtar y comercializar los miembros como si fuera carne del menú de su servicio de catering.

Ahora, después de leer eso yo pregunto, ¿alguien se está imaginando un guión esplendido con una trama super intrincada y un suspenso que los va a tener sentados en la silla comiéndose las uñas hasta el último minuto?…entonces creo que con sólo leer esa sinopsis uno sabe qué tipo de película se está sentando a ver, y tratemos de desdramatizar las opiniones, si no te gusta ver sangre y tripas a raudales por el sólo hecho de ver sangre y tripas a raudales no tiene mucho sentido que pierdas el tiempo tratando de entender esto. No estamos hablando de calidad sino de la iniciativa de un hombre que quiso mostrar algo diferente a las típicas comedias y a los imbéciles musicales (cómo odio los musicales!) de la época y si hoy en día tenemos opciones tan divertidas como Braindead, Toxic Avenger, Blood Diner, Terror firmer, Street Trash, Redneck Zombies, Bad taste o Story of Ricky es gracias a este motor inspirador que le dio a al cine truculento el puntapié inicial.

Por otro lado no es una historia demasiado larga así que mismo si la ves por curiosidad no es tanto el tiempo que le invertís, los efectos son interesantes y creativos si uno toma en cuenta su época, inclusive me parece superior a otras películas gore independientes que se hacen hoy en día. La música bordea la línea entre lo perturbador y lo bizarro.

Ni bien pones play arranca la matanza en un decorado austero casi teatral, salvaje y rudimentario, parece hablar un lenguaje primitivo, verla es como tratar de mantener una conversación con el eslabón perdido. Personalmente el asesino “FUAD RAMSES” protagonizado por el actor “Mal Arnold” me encanta, muchos lo critican diciendo que es un papel sobre actuado, para mi sus expresiones y la cara de maníaco pervertido apasionado por rasgar carne en busca de hemoglobina son muy adecuadas al resto de la película. En cuanto a las víctimas, reconozco que no hacen un gran trabajo.

Y eso es todo, no hay más… al margen de si es buena o mala se trata de una obra pionera y sólo por eso creo que se le debe respeto, no faltará quien diga que es una historia hipertrillada pero para el año ‘63 de hipertrillada no tenía nada. Herschell Gordon Lewis y David F. Friedman buscaban dar asco y repugnancia, mostrar un ejercicio visual incorrecto y aberrante digno de revolverle las tripas al público conservador de la época que curiosos por saber de qué se trataba esta película se acercaron a los cines. Osada al máximo, rompe todas las estructuras del cine clásico, es simplemente ¡¡¡PATÉTICA!!! Una escena es mas patética que otra, pero divertida y delirante violando toda ley establecida por los códigos cinematográficos, ofrece un espectáculo grotesco a más no poder, con una estética repulsiva cargada de sangre y vísceras que la vuelve INMENSA! Blood Feast será una falta de respeto al cine, pero es la morisqueta más graciosa que vi en mi vida.

DATOS CURIOSOS:

- Curiosos por saber cuál sería la reacción del público, los dos jóvenes cineastas se dirigieron en su auto junto con sus mujeres (que odiaban la película) al cine donde la proyectaban y un kilometro antes de llegar se encontraron con un embotellamiento que al principio pensaron que se debía a un accidente de autos pero luego comprobaron que era gente esperando para ver Blood Feast. Finalmente, al llegar al autocine presenciaron como la policía había impedido el paso de los autos dado que el autocine sólo contaba con capacidad para mil quinientos autos.

- Barfred Cosmetics fabricaba sangre falsa, Lewis se acercó a conocer el producto pero no le gustó la consistencia debido a que le pareció demasiado líquida, la empresa se encargó de fabricarle una sangre más espesa y oscura y ya una vez mejorado el producto Lewis compró 30 litros, es el día de hoy que esta empresa sigue vendiendo esa sangre mejorada que crearon para la filmación de Blood Feast.

- En la escena donde el Fuad Ramses le arranca la lengua a su víctima, la gente en los cines vomitaba o se marchaba, para la filmación de esta escena se usó una lengua de oveja, con sangre falsa, arándanos triturados y un anti diarreico para que se solidificara la mezcla. Al momento de filmar esta escena no tenían a la actriz contratada y la lengua llevaba 3 días en la heladera poniéndose rancia. Lewis le pidió a David Friedman que consiguiera a alguien para rodar esa escena, y tras visitar el Playboy Club, David le propuso ese papel a la mesera que lo atendió llamada Astrid Olsen, al día siguiente Astrid soportó la lengua de oveja en su boca hasta que se terminó de filmar el homicidio.

- David Friedman encargó Bolsas para vomitar, con la leyenda “cuando vea Blood Feast podría necesitar esto” es hasta el día de hoy que esas bolsas son buscadas por los fanáticos del genero como un valioso objeto de colección.

- Los miembros mutilados eran pedazos de maniquíes desechados y cogidos en basureros de grandes almacenes y centros comerciales. Después eran convenientemente maquillados y rellenados con carne picada y viseras de animales.

Trailer:

La escena de la lengua:

Misfits le rindió tributo a la película en su disco Earth A.D., incluyo la versión de Samhain debido a que no encontré la de Misfits:

Las películas Slashers son un subgénero del cine de terror, donde un psicópata enmascarado o enigmático impulsado por un profundo deseo de venganza años después regresa para destruir las vidas de los que le provocaron algún tipo de tragedia o humillación, a sus descendientes o a inocentes que osen pisar su territorio. En la mayoría de los casos su ira es direccionada contra adolescentes excitados que por sus deseos sexuales o el uso de diferentes tipos de drogas quedan desprotegidos a merced del asesino en aisladas locaciones rurales donde los adultos no puedan protegerlos. En algunas historias, fechas especiales (navidad, cumpleaños, día de los enamorados, fiestas de graduación) están relacionadas con la desdicha que convirtió a una persona, aparentemente, normal en el verdugo a cargo de los crímenes.

Pues bien, aquí tenemos The Prowler una película que cumple muy bien con estas condiciones y si bien el guión no es perfecto y tiene ciertos baches medios difíciles de tapar, el resto de la película (¡¡¡Repito, para cualquiera que guste de los Slashers!!!) es maravillosa. ¿Y cuáles son las razones que hacen “maravillosa” a una cinta con un guion medio endeble? ….. Son en verdad 5 puntos:

1 – Los mejores efectos especiales visto hasta esa época (1981) en el cine de terror.
2 – Un asesino con una personalidad y un disfraz super atractivo para el género.
3 – Victimas creíbles que nos contagian el horror de sus muertes.
4 – Si bien el guión tiene algunas fallas el ritmo de la película lejos de ser aburrido es bastante enérgico con muy buenas dosis de suspense resultando un coctel contundente.
5 – Super nostálgica para todo los amantes de este subgénero, desprende ese aroma a década de los 80s el cual todo fan de los Slasher Films disfruta.

Sinopsis: “Después de luchar en varios frentes abiertos contra las tropas nazis, los soldados regresan de la guerra, uno no identificado recibe un año antes una carta de despedida, dirigida a John, por una chica llamada Rosemary, que añade a su firma el dibujo de una rosa. Es el año 1945 y en Avalon Bay los alumnos de bachillerato celebran el baile de graduación, en el curso del cual una joven es brutalmente asesinada por un hombre que viste equipo de combate, dejando una rosa sobre el cadáver.”

Bien, esa joven asesinada no es otra que su ex pareja junto con su nuevo pretendiente que mueren atravesados por un Horquilla de granjero, como verán la sangre no se hace esperar demasiado. Pasan unos 35 años ya situada la historia en la década de los 80s y nos encontramos por un lado con un pueblo traumatizado al cual le cuesta superar los acontecimientos ocurridos años atrás y por el otro a un grupo de jóvenes que deciden festejar nuevamente su baile de graduación sin saber a lo que se exponen (este tipo de trama recuerda bastante a otro clásico del mismo año llamado “My Bloody Valentine” del cual les hablare próximamente).
La historia es sencilla pero efectiva, va saltando de muerte en muerte hasta que al final da un giro bastante interesante. Personalmente me encanta este asesino, su forma de vestir, el detalle de dejar una rosa sobre sus víctimas y sus armas. Entre los actores se encuentran Vicky Dawson, Christopher Goutman, Lawrence Tierney y Farley Granger (actor que trabajó para Alfred Hitchcock en películas como “Strangers on a Train” de 1951 y “Rope” de 1948). Pero sin dudas lo más destacable de esta película es el labor del maestro de los efectos especiales Tom Savini y él mismo dijo en varias ocasiones que este fue su mejor trabajo y el que lo dejó más conforme a lo largo de su carrera.

A continuación voy a hablar de ciertas muertes de la película así que si no la vieron y no se quieren enterar de cómo ocurrirán consideren esto un Spoiler!!!

Las muertes son brutales, hiper sangrientas, transmiten un sadismo excesivo, super feroces para esa época, realmente me cuesta imaginar la aceptación del público en 1981, si bien ya en “Friday the 13th”, “Halloween”, o “Texas Chainsaw Massacre” (por nombrar algunas) ya había asesinatos, no eran tan explícitos como en esta cinta. Por otro lado, acá las muertes transcurren en tiempo real, no como en otros obras de este tipo donde vemos una mano con un cuchillo una persona gritando, un golpe y continúa la siguiente escena, acá los detalles se ven y hasta que el personaje no muere del todo la historia no continúa. Voy a hablarles de 3 escenas memorables y precursoras en la evolución del cine gore, que salvo por la obra de Herschell Gordon Lewis (tener en cuenta que sus películas eran muy difíciles de encontrar en esa época) jamás se habían visto.

La primera muerte de la que voy a hablar es la del “cuchillo en la cabeza” una de mis escenas preferidas de todo los tiempos (junto con otra similar de una película llamada Pieces). Esta escena es increíble!!! super bien lograda, pasaron ya más de 30 años y me sigue pareciendo monstruoso ver cómo el asesino introduce el cuchillo en la cabeza de su víctima atravesándole el cerebro mientras le cubre la boca es BRUTAL!!! lo peor es que la escena continúa y cuando menos te lo imaginas (a continuación una lección de cómo manejar los tiempos en el cine) y ya das por sentado que viste demasiado viene lo más duro de digerir, con sus últimas fuerzas involuntarias este joven abre los ojos y podemos ver como los tiene en blanco producto de las convulsiones que provocaría su cerebro al borde de la muerte, un claro ejemplo de lo que me refiero con sentir el dolor y la desesperación de la víctima.

La siguiente es la escena de “la ducha” donde se ve una mujer luchando por su vida que trata inútilmente de extender sus brazos para detener a su atacante que clava la Horquilla en su vientre dominando la situación mientras se lleva su vida (los planos altos son muy acertados porque nos permite entender la distancia que hay entre la mujer y su verdugo y le da prolijidad al homicidio), esta escena es menos gore que la anterior pero super cruel e impactante, un guiño que recuerda a la escena de Hitchcock en Psycho, no incluyo video por los desnudos.

Y por último la escena de la piscina, magistral!!! Realmente bella, transmite a la perfección la desesperación de la actriz en un escenario super atractivo, la luz de la luna bañando la silueta de Lisa (Cindy Weintraub) y mientras el cuchillo le corta lentamente el cuello que te empuja al límite de sentir ese segundo que separa la vida de la muerte en las manos de este psicópata rencoroso.

Esta obra es verdaderamente interesante e indispensable, fue para Joseph Zito el propulsor que lo llevó a filmar en el año 1984 “Friday The 13TH, The final chapter” o “Friday The 13TH Part IV” si lo prefieren, luego se alejaría del cine de terror para dirigir clásicos del cine de acción como “Missing in Action” de 1984, o “Red Scorpion” de 1988. Como todo Slasher Movie tiene sus típicos clichés pero no olvidemos que esta fue de las primeras. Es una pena que no se detuviesen a trabajar un poco más el guión, estoy seguro que hoy esta película sería recordada de otra manera.

TRAILER:

PELÍCULA COMPLETA:

http://youtu.be/XrI_XrliC38

DETRÁS DE ESCENA:

Todo comienza cuando un joven director llamado Sam Raimi (el que muchos conocerán por dirigir la trilogia de Spiderman entre otras) cansado de buscar inversores y después de haber filmado varios cortos en 1979, crea la compañía Renaissance Pictures junto a Robert Tapert y Bruce Campbell. La cinta fue financiada gracias a las ganancias obtenidas con su trabajo anterior, “Within the Woods” un corto de 30 minutos de duración (muy similar a lo que sería Evil Dead) con el objetivo de producir su primer largometraje, y es así que Evil Dead debuta en la pantalla grande el 15 de octubre de 1981 en Detroit realizada con un módico presupuesto de $375.000 dólares, recaudando $29.400.000 dólares.

SINOPSIS:
Cinco amigos se disponen a pasar el fin de semana en una vieja casa de campo que han alquilado. Durante la primera noche, encuentran en el sótano un extraño libro (el Necronomicon) y unas grabaciones pertenecientes al anterior inquilino, un viejo profesor de universidad. Una de las chicas sale fuera y es atacada por fuerzas sobrenaturales. Consigue escapar, pero una vez dentro de la casa es poseída por un demonio y ataca a sus compañeros.

Bien, el guión es muy sencillo pero creativo, los efectos son decentes para la época si bien vistos hoy en día pueden parecer un poco precarios destacando una vez mas lo artístico y artesanal que fue este emprendimiento, pero si tantas veces en el cine de terror la historia se apoya en la música y en el sonido en esta ocasión todo va de la mano de la estética visual y esto sólo demuestra que para crear una obra única primero no sólo hay que tener en claro que es lo que uno quiere contar sino de que manera lo quiere presentar, y es que cuando vemos lo que Sam Raimi logró, uno se da cuenta que no se trata de un improvisado sino de alguien que supo abordar una idea pensada y estudiada por años.

Evil Dead es una película clara y sin pretensiones intelectuales, lleva un ritmo dinámico y vertiginoso en todo momento, no da espacio al el aburrimiento, rodada con un bajísimo presupuesto y en 16mm, el bosque donde se encuentra la casa es sin lugar a duda uno de los principales protagonistas pero a diferencia de otros films anteriores con escenarios similares en este caso todo es presentado de una manera grotesca y sanguinaria una verdadera antecesora del cine Gore de finales de los 80s, con ciertos toques de humor negro que jamás habían sido utilizados hasta ese momento. Sam Raimi toma un escenario reducido muy difícil de explotar (donde otros acaudalados directores no sabrían qué filmar) y le saca el jugo (por no decir sangre, je) al mejor estilo de genios de la talla de Mario Bava.

Si bien la historia puede ser simple, los planos cinematográficos que utilizó son grandiosos, el uso de la cámara subjetiva que atraviesa ese bosque espectral y siniestro logra congelar la sangre de cualquier espectador, dentro de la casa la acción no cesa, las escenas contienen una diversidad de planos que juegan con el ritmo de la historia, y toman por sorpresa en cada escena, un absoluto festín de creatividad.

Y por último, el encargado de darle vida a “Ash” Bruce Campbell quien sería el héroe de esta historia en las futuras dos entregas de la saga…¿qué puedo decir de este hombre que no se haya dicho antes?… cuando pienso en actores siempre pienso en ellos y no en sus papeles, salvo con Bruce Campbell y Robert Englund quienes han logrado llevar sus roles mucho mas allá de una simple actuación al punto de ser más reconocidos por sus personajes que por ellos mismos. Todos estos componentes hacen de Evil Dead una obra irrepetible, en un espacio y momento únicos en la historia del cine de terror, que le escupió en la cara a las grandes producciones cinematográficas demostrando que jamás un efecto creado con computadoras será tan escalofriante como la imaginación enfermiza de un genio que sabe expresar lo que siente el costado más oscuro de su alma. Gracias Sam Raimi por darme esta magistral lección de cine.

CURIOSIDADES:

-Stephen King dijo: “¡¡¡La película más ferozmente original de 1981, sin lugar a dudas!!!”. Y desde luego que lo decía en serio ya que testigos de la premiere del film en el Festival de Cannes (a la que asistió el propio King), cuentan haberle visto con la cara escondida entre sus manos durante gran parte de la proyección.

-Cuenta la leyenda que para completar el presupuesto que costo rodar esta película Sam Raimi recurrió a un préstamo de la mafia el cual devolvió con altos intereses.

-Absolutamente todos los protagonistas son de Detroit (Lugar donde se hizo el casting). Curiosamente todas las chicas que se presentaron a dicho casting iban acompañadas con sus novios por si se trataba de porno o snuff, nadie se fiaba de esa extraña película.

-El coche en el que llegan los protagonistas al principio de la película es el coche del director de la película, Sam Raimi y la presencia de dicho coche es común en todas sus películas.

-La forma de mostrar la historia de esta película, tan usada después en otras películas tiene una explicación muy curiosa: “No podíamos enseñar demasiado, así que decidimos que fuera la cámara la que mostrar el Mal. Se nos ocurrió lo de los travellings alocados, y lo de girar la cámara todo lo que pudiéramos. Las angulaciones fueron algo novedoso en la época, pero nacen de una pura necesidad de ahorrar celuloide y tomas.

-Dicen los miembros del equipo que pasaron más miedo en aquellos bosques perdidos donde rodaron la historia que con la trama en sí.

-Para hacer esta película San Raimi no contaba con mucho dinero, tuvo que apañárselas con su inventiva y locura juvenil.

-Sam Raimi confesó a unos periodistas franceses que su libro de estilo a la hora de rodar una película se basaba en 3 mandamientos:
1) Los Inocentes deben sufrir.
2) Los Culpables deben ser castigados.
3) Debes probar la sangre para convertirte en un hombre.

-Esta película se rodó durante 11 semanas en los escenarios reales de las montañas de Tennessee.

-El puente que aparece destrozado, fue realmente demolido por el equipo de rodaje con permiso de las autoridades locales.

-En el sótano hay colgado un trozo del póster de la película Las Colinas Tienen Ojos (homenaje a Wes Craven).

-Cuando Sam Raimi, Bruce Campbell y Robert Tapert montaron Renaissance Pictures Ltd., se marcaron como objetivo principal producir una película de terror que rompiera moldes, que supusiera un paso adelante para el género. Estaban dispuestos a asustar, transgredir y entretener hasta a los más fans del cine Gore.

-El filme se estrenó con escenas censuradas en Irlanda (antes prohibido), Finlandia (antes prohibido), Corea del Sur, Australia, Canadá, Francia, Portugal, Nueva Zelanda, España, Japón, Inglaterra (lo estuvo hasta 2001, en un principio la clasificaron como X), Suecia (hasta 1997) y Alemania (antes prohibido).

-Sam Raimi tenía verdadera fascinación sobre el Necronomicón, o Libro de los Muertos, y realizó un trabajo en la universidad sobre el mismo. En la película aparece este libro, escrito con sangre y encuadernado con carne humana.

-Debido al éxito que tuvo, Sam Raimi rodó dos secuelas: “Evil Dead II” en el año 1987 y “Army of Darkness” en el año 1993. En la trilogía, el protagonista es el mismo: Bruce Campbell.

-El Libro de los Muertos es nombrado “Naturom Demonto” en la película, y “Necronomicon ex Mortis” en las dos secuelas.

TRAILER:

Una de mis escenas preferidas:

El corto que le dio origen a esta maravillosa película:

Para los que gustan del buen rock Sam y Bruce en su tiempo libre se entretenían dirigiendo y produciendo bandas como “Royal Court Of China”:

Y para todos los amantes de esta saga estos son los 2 trailers de la remake que saldrá a la luz este año:

Lo primero que cabe destacar de este Film es que, a diferencia de otras Slasher Movies, esta rompe varios estereotipos y salvo por “Blood Feast” de 1963 y “Deranged” de 1974 (que básicamente nos cuenta la andanzas de Ed Gein del cual hablare en futuros posteos) es la primera que se me viene a la mente que narra una historia explícita donde no hay incógnitas con respecto al asesino, en todo momento sabemos de quién se trata, no hay máscaras, ni misterios, el psicópata no mata a los protagonistas, acá el protagonista es él y lo más interesante es que estudia un poco lo que es la mente de este verdugo, su modus operandi y las consecuencias mentales que este tipo de vida puede provocar. Por otro lado también es atractivo porque rompe un poco con el molde de los espacios rurales (bosques, desiertos o casas en el medio de la nada) y el relato se sitúa en el medio de Manhattan dándole un toque más realista a las cosas y no recuerdo otro largometraje hasta “The New York Ripper” (1982) del grandísimo Lucio Fulci donde un lugar tan urbanizado sea el escenario destacando a su vez tanto en el resultado final, por último si bien no cuenta un hecho real, este formato fue sin dudas uno de los puntapiés iniciales para llevar a la pantalla historias verídicas como “Henry: Portrait of a Serial Killer” de 1986 y otras cintas de verdaderos serial killers.

Una pequeña sinopsis del film:

Un asesino (Frank Zito) se mueve por las calles de Nueva York. Mata a mujeres brutalmente, se lleva sus cabelleras y les expone en maniquís en su asqueroso apartamento. Es su único contacto con el mundo exterior hasta que conoce a una fotógrafa. Pero ¿puede un Maníaco cambiar para formar una amistad?

Básicamente es eso y no hay mucho más, pero si tengo que recomendarla lo haría desde el punto de vista de lo innovadora y creativa que es, de la interesante visión de la decadencia de las grandes ciudades norteamericanas a finales de los 70´s, ese entorno callejero, que refleja una sociedad salvaje y delictiva en crecimiento donde Frank Zito (Joe Spinell) se mimetiza perfectamente para generar un comportamiento fetichista que lo lleva a seleccionar a sus victimas sacándoles el cuero cabelludo como si fuera un trofeo que luego clavara a martillazos sobre las cabezas de su extraña colección de maniquíes logrando retener sus almas en estas siluetas inanimadas que pronto en su psiquis cobraran vida, por otro lado corta un poco con la matanza de adolecentes típicas de los Slashers y vemos como este homicida asesina mujeres en una carnicería despiadada. Otros puntos fuertes de esta obra son la Reinserción a la sociedad de un veterano de Vietnam (lo cual da sentido a que este personaje sepa manejar de manera tan correcta cierto tipo de armas) las alucinaciones que genera una infancia traumática construída por los maltratos de una madre abusiva.

La violencia que trasmite el asesino, es realmente una de los grandes atractivos de este film es meritoria la actuación de Joe Spinell (una interpretación que despierta el asco casi en cualquier mortal, sucio, descuidado y lleno de complejos, su guarida refleja casi lo mismo, un pequeño antro lleno de maniquíes y restos humanos, putrefacto y desordenado) cuando mata parece disfrutarlo de la manera más sádica que se vio en el cine, transpirando como un verdadero enfermo con sus ojos saliéndose de órbita por la excitación producida por sus actos, acompañado de buenas actrices (entre ellas Caroline Munro ya conocida por sus pequeñas participaciones en otras películas como “Don’t Open ‘Til Christmas” de 1984 y “Slaughter High” de 1986 y por ser una de las chicas Bond en el año 1977) y un puñado efectos creados por el mismísimo Tom Savini (quien aprovechó para hacerse volar la cabeza en una de las escenas más intensas de la película), Maniac es un film de culto bien llevado a la pantalla con un final aplanador y un afiche de presentación inigualable.

Lustig dosifica el suspenso alternándolo con Gore en su justa medida y logra un clímax de constante incomodidad que se apodera del espectador, el relato y el ritmo te mantiene concentrado escena tras escena, generando una atmosfera macabra y escalofriante para todo aquel que se atreva a verla. Una película que si bien para muchos no se convirtió en un clásico, demuestra que con poco se puede lograr mucho y que la creatividad es muchas veces más efectiva que la cantidad de dólares que se puedan invertir en historias que no cuentan nada.

CURIOSIDADES:

-William Lustig antes de esta obra se dedicaba a rodar películas pornográficas.

-Las actrices Gail Lawrence (Rita) y Sharon Mitchell (la segunda enfermera de pelo corto) son actrices de películas pornográficas.

-Joe Spinell falleció hace años en un accidente de tráfico, quedando así en la nada su intención de hacer la secuela de esta obra.

-El largometraje costó menos de un millón de dólares.

-En la ciudad de Filadelfia durante su estreno, un grupo de mujeres se presentaron en la entrada del cine en forma de protesta contra la película debido a su alto índice de violencia, trayendo con ellas pancartas con frases que decían: “¡¡Esta película no es entretenimiento, es odio contra la mujer!!”

-El crítico de cine Gene Siskel describió ruidosamente en Sneak Previews cómo se asqueó con la película, y salió a los treinta minutos (después de la escena del crimen con escopeta), diciendo que la película ¨no podía reparar su error¨ después de la cantidad de violencia mostrada hasta ese punto!!

-Maniac fue nominada a un Premio Saturn por la Academia de Cine de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror de Estados Unidos, a la mejor película de bajo presupuesto en 1981.

-La película no tiene calificación porque no fue presentada a la MPAA; si hubiera sido así, es casi seguro que se les hubiera dado una calificación de X. El póster dice que ¨Ninguna persona menor de 17 es admitida¨, una práctica por los cines para films ultraviolentos sin calificación como Dawn of the dead.

-Las escenas aéreas de Nueva York fueron extraídas de la película “Inferno” (1980) de Darío Argento.

-William Lusting filmó casi la totalidad del film en clandestinidad para que la policía no les paralizara la grabación, debido a que no contaba con los permisos legales para poder filmar en la ciudad de New York

-El director William Lusting tiene un cameo corto en la película, es el hombre que aparece en el hotel que les entrega la llave a Joe Spinell y a la prostituta.

-Joe Spinell nació en 28 de Octubre de 1936 y murió el 13 de Enero de 1989. Trabajo como actor de reparto en grandes clásicos como Taxi Driver, Rocky y el Padrino 2.

TRAILER:

-La película tuvo un presupuesto de sólo 114.000 dólares, pero consiguió recaudar 12 millones de dólares en Estados Unidos y 30 millones de dólares en todo el mundo.

-En el momento del lanzamiento de una película, cualquier trabajo que no incluyera un aviso de Copyright era asumido de dominio público. Pues la distribuidora original, Walter Reade Organization, olvidó incluir dicho aviso en las impresiones, y el filme se consideró de dominio público. En un principio, los productores de la película lo tenían puesto para el título de “Night of the Flesh Eaters”, pero la Walter Reade eliminó dicha declaración cuando quitó ese título y lo sustituyó por “La noche de los muertos vivientes”. El distribuidor los estafó y quedó con las ganancias y para colmo hicieron mal el papeleo sobre los derechos de autor, en poco tiempo la dupla contempló cómo el filme que tanto esfuerzo les había costado pasaba a ser de dominio Público, con lo cual no percibieron ni un centavo de las regalías. Es por esta razón que es tan fácil encontrar la película completa de manera ilegal y por la cual existen tantas diferentes versiones tanto en DVD como en vhs.

-Si bien la película fue rodada en 35mm la película tiene ese aire documental debido a un fallo de fabricación en las copias, y es en blanco y negro no porque no existiera el cine a color en el año 68 sino por problemas presupuestarios.

-El sótano y las escaleras que se ven en la película no existían en la casa donde se filmó la película, sino que se rodaron en el sótano que había en el estudio de montaje.

-En 1999 se lanzó al mercado una edición por el 30º Aniversario, en donde se incluyeron nuevas escenas (algunas de ellas por falta de presupuesto no se rodaron en su día) rodadas en 1998 por John A. Russo, el director de fotografía fue S. William Hinzman.

-Bill Cardille, quien hace del reportero en televisión, era en la realidad una celebridad en la televisión local de Pittsburgh. Conocido como “Chilly Billy” Cardille, tras esta película consiguió un puesto como presentador de un programa de películas de terror en el Canal 11 y de vez en cuando presentaba las noticias.

-Para los efectos especiales del maquillaje fue originalmente contratado Tom Savini, pero no pudo hacerlo, pues fue enviado por el Ejército norteamericano a Vietnam como fotógrafo de combate. Romero le conoció buscando actores para un antiguo proyecto que nunca se realizó, “Whine of the Fawn”; Savini fue rechazado por Romero como actor. Años más tarde, cuando Tom se enteró de la nueva película que George preparaba, quedó un día con él, y le llevó un portafolios con todos sus trabajos en efectos especiales. A Romero le encantaron.

-Durante el rodaje de la secuencia del cementerio, dicha escena se rodó entre 2 días, y un accidente inesperado en el coche que se utilizaba obligó a reescribir esa parte del guión. En medio de ese corto intervalo de tiempo, alguien cogió el coche y le hizo una abolladura que era bastante visible en cámara; por eso, Romero tuvo que cambiar la escena haciendo que el coche se acabara estrellando contra un árbol. El coche conducido por Barbara (Judith O’Dea) y Johnny (Russell Streiner) era en realidad de la madre de Russell Streiner, el productor.

-Columbia Pictures fue el único estudio de Hollywood interesado en distribuir la película, pero acabó rechazando la idea porque se trataba de un filme en blanco y negro que hubiera tenido que competir con los nuevos televisores en color. Lo irónico fue que en 1990 la Columbia se encargó de distribuir el remake en color. Otro estudio, American International Pictures (AIP) consideró distribuir la cinta, pero querían que Romero rodara otro final distinto y añadiera más escenas de amor entre los personajes. Al final, la distribución la terminó realizando la Continental con una mínima campaña publicitaria, pues no confiaba demasiado en el éxito que acabó consiguiendo, convirtiéndose hoy día en una auténtica película de culto.

-La sangre falsa era en realidad sirope de chocolate de la marca Bosco.

-En un principio, la idea original era que Harry Cooper moría por el disparo recibido de Ben antes de que su hija se convirtiera en un zombi, lo que haría que Helen bajara las escaleras y se lo encontrara comiéndose a su propia hija; en vez de al revés como al final ocurre. Pensaron que podía ser demasiado perturbador y gráfico, y optaron por cambiarlo.

-Una de las ideas originales para el guión, antes de sus varias revisiones, era que el personaje de Barbara fuese de carácter fuerte y carismático. En lugar de eso, Romero y los productores decidieron que la actriz Judith O’Dea hiciera de una mujer catatónica y aterrorizada por la situación. Dicha idea fue más tarde recuperada por Tom Savini en el remake de 1990, igual que otra en la que Bárbara era la única superviviente al asedio de los muertos vivientes.

-Según afirma Romero en la versión en DVD, los materiales y elementos utilizados en el rodaje de la película ya no existen, se perdieron en una inundación del sótano (el mismo donde se rodó la peli) en el cual se tenía guardado todo ello.

-El cuerpo en la parte de arriba de la casa fue hecho por Romero, quien empleó bolas de ping-pong para los ojos.

-Mientras Romero y John A. Russo escribían el guión, pensando en la manera de acabar con los zombies, Marilyn Eastman bromeó sobre la idea de que se le podrían lanzar tartas a sus rostros. Esto luego sirvió de inspiración para la escena de la pelea con pasteles en la secuela (1978).

-En la película fueron utilizadas dos camionetas. La primera en la escena del comienzo y otra para la escena de la gasolinera. Sin embargo, olvidaron romperle los faros.

-La casa utilizada en la película fue prestada a los productores por el dueño, quien tenía pensado demolerla de todos modos, por ello les permitió hacer con ella lo que quisieran.

-La camioneta Chevy vista en la nueva fotografía no es la misma que la de la versión original. Los productores encontraron un vehículo muy parecido que pertenecía a un residente local, y se lo pidieron prestado, los técnicos lo dejaron casi igual al utilizado en 1968.

-El cementerio de Evans City que fue usado en la versión original, no pudo utilizarse en la nueva versión, ya que antes del rodaje, un tornado había pasado por el lugar provocando importantes destrozos y dejado varias tumbas al descubierto.

-La premiere mundial del filme tuvo lugar en el Fulton Theatre en Pittsburgh (Pennsylvania, USA), un sábado a las 8 de la tarde de un 1 de Octubre de 1968, a la cual sólo se podía asistir con invitación. La película terminó con una sonora ovación del público.

-Uno de los reclamos publicitarios que la Walter Reade Organization puso en marcha, era una póliza de seguro por valor de 50.000 dólares para cualquier persona que muriese de un ataque al corazón mientras veía la película.

-Cuando John A. Russo estaba escribiendo el guión tenía en mente una historia muy parecida a la del filme “Teenagers from Outer Space” (1959) de Tom Graeff, pero dicha versión al final no fue filmada. Sin embargo, se compró los derechos de su banda sonora que eran de dominio público por 1500 dólares y se usó en esta película.

-Cuando los guionistas decidieron basar la película en zombis, ellos pensaron con qué cosa sobrecogerían y darían más miedo a la gente, y acabaron llegando a la conclusión del canibalismo.

-En la escena en donde Ben (Duane Jones) está clavando las maderas a la puerta, unos números pequeños se pueden llegar a ver en ellas. Se habían escrito en la parte posterior de las mismas para poder ser quitadas y reemplazadas entre los rodajes, preservando así la continuidad. Algunos números son visibles porque en verdad se clavaron los tablones al revés.

-Cuando el filme tuvo el título provisional de “Night of the Flesh Eaters”, en un principio se había pensado en que el origen de los muertos vivientes eran cuerpos humanos poseídos o contaminados por aliens llegados a la Tierra en un satélite de la NASA proveniente de Venus. Al final, se concretó en que la supuesta causa de que los cuerpos se levantaran y volvieran a la vida, era debido a la radiación provocada por un satélite estrellado de la NASA que volvía de Venus. En el resto de secuelas, no se vuelve hacer mención al supuesto origen de los zombis.

-Cuando escribieron el primer borrador del guión John Russo y George Romero bajo el título de “Monster Flick”, la historia de terror-comedia trataba sobre unos jóvenes aliens que visitaban la Tierra y se hacían amigos de unos adolescentes humanos. Posteriormente, en una segunda revisión del guión, en este caso era un muchacho, que estando algo alejado de su casa, descubría los cadáveres de unas personas siendo el alimento de unos aliens.

-La ropa de los actores toda ella era de segunda mano.

-Cuando los zombis están comiendo los cuerpos de las personas del coche incendiado, los restos eran realmente jamón asado cubierto con chocolate.

-La mano del zombi que Tom (Keith Wayne) corta con un cuchillo de cocina, estaba hecha de arcilla y rellenada con el sirope de chocolate. Se utilizó cera de un empresario de pompas fúnebres para el maquillaje de los zombis.

-Las entrañas de las víctimas fueron suministradas por un carnicero a un precio total de 300 dólares.

-La película se grabó en Pittsburgh y en otras localidades cercanas en el estado de Pennsylvania (USA), durante varios fines de semana sucesivos y días festivos. Todo el equipo técnico y artístico colaboró de forma desinteresada con la promesa de que cobrarían si la película funcionaba en taquilla.

-Cuando se escribió el guión la película se llamó “Monster Flick”, aunque luego se cambió a “Night of the Flesh Eaters”, pero se tuvo que volver a cambiar ante la amenaza de un productor que ya había hecho un filme de terror con ese título (“The Flesh Eaters” (1964) de Jack Curtis); pasó a llamarse “Night of Anubis” durante el rodaje (el nombre de Anubis procedía del dios del embalsamiento y la momificación en el antiguo Egipto), y finalmente se tituló “Night of the Living Dead”.

-John A. Russo, que escribió y realizó el montaje junto a George Romero, tiene dos cameos en este filme, hace de: reportero militar en Washington y el zombi a quien Ben le golpea en la frente con un hierro. Además, dirigió las nuevas escenas de la edición del 30º aniversario.

-La conocida actriz de cine de terror, Debbie Rochon, tiene un cameo como zombie en la nueva edición.

-S. William Hinzman, asistente de cámara en la original y director de fotografía en la nueva edición, tuvo un cameo en ambas, era el zombi del cementerio (para interpretarlo se inspiró en el actor Boris Karloff, a quien había visto en una película); su hija, Heidi Hinzman, hizo de Rosie en la nueva edición.

-Karl Hardman, que hizo de Harry Cooper, fue productor, técnico de efectos sonoros, maquillador y realizó las fotografías que aparecen al final de la película. Además, es el padre real de Kyra Schon, quien hace de Karen Cooper, y años más tarde se casó con Marilyn Eastman (su segunda esposa), quien hace de Helen Cooper, colaboró en el maquillaje y en el montaje.

-Karl Hardman  y Marilyn Eastman eran presidente y vice-presidente respectivamente de la productora de cine Hardman Associates, Inc.

-En toda la película no se emplea la palabra: “zombie”. El eufemismo más cercano utilizado en el filme para describir a los muertos vivientes es “esas cosas”.

-La inspiración inicial para este filme, Romero la obtuvo a través de la novela “Soy Leyenda” (“I am Legend”) de Richard Matheson, y de su correspondiente adaptación en “El último hombre sobre la tierra” (1964).

-”La noche de los muertos vivientes” primero se llamó cuando se escribió el guión Monster Flick, aunque luego se cambió a “Night of the Flesh Eaters”, pero se tuvo que volver a cambiar ante la amenaza de un productor que ya había hecho un filme con ese título; pasó a llamarse “Night of Anubis” durante el rodaje, y finalmente se tituló “Night of the Living Dead”.

-El filme se estrenó con escenas censuradas en Australia, Canadá, Finlandia, Francia, Noruega, Suecia, USA (originalmente clasificada como X), Suiza, Inglaterra, y Alemania.

-Vincent D. Survinski, director de producción en este filme, tiene un cameo como uno de los pistoleros; su hermano, Regis Survinski, se encargó de los efectos especiales junto a Tony Pantanello.

-Tanto los protagonistas, Duane Jones (Ben) y Judith O’ Dea (Barbara), como casi todo el resto del reparto, interpretaron su primer papel en una película.

-Richard Ricci, quien junto a George Romero y Russell Streiner a principios de los ’60 fundaron la productora The Latent Image, tiene un cameo como zombie; su primo, Rudolph J. Ricci, también aparece como zombie, pero lo curioso es que además en un principio fue considerado para hacer el papel de Ben.

-Romero, director, guionista, editor y director de fotografía en esta película, tuvo un cameo como el reportero de Washington sin barba que se le ve en el televisor y pregunta en la calle a un general y a unos científicos antes de que se metan en un coche.

-Scott Vladimir Licina, quien compuso la música de la nueva edición, en la misma tuvo un cameo como Reverendo John Hicks. Durante el rodaje de las nuevas escenas en el cementerio, sufrió un golpe de calor y tuvo que estar hospitalizado un par de días.

-Fue la primera película de terror en tener un afroamericano como protagonista.

-A los extras que hicieron de zombies se les pagó un dólar y se les dió una camiseta que decía: “yo fui un zombie en La Noche de los Muertos Vivientes”.

Trailer:

La banda Misfits le rindió tributo con su canción llamada de la misma manera que la película:

http://youtu.be/Oo0IitJhG_c

La noche de los muertos vivientes comienza mostrando como dos hermanos, Johnny y Bárbara, llegan a un cementerio conduciendo para visitar el sepulcro de su padre. Un hombre pálido se dirige a ellos matando a Johnny. Bárbara corre alejándose sumida en el miedo, logrando llegar a una casa abandonada con un cadáver en las escaleras. Más adelante, Ben (interpretado por Duane Jones) llega a la casa, y aleja a varios hombres pálidos que se han acercado. A través de informes de radio y televisión se explica que por una extraña razón los muertos comenzaron a “volver a la vida” (al parecer como consecuencia de un satélite que estaba realizando labores de investigación en el espacio) y buscan víctimas humanas para alimentarse, también mediante estos informes nos enteramos que los zombies sólo pueden ser puestos fuera de combate por un tiro directo o un golpe pesado en la cabeza.
En el sótano de la casa, una pequeña familia (Harry Cooper, Helen Cooper, y su hija, quien ha sido mordida por uno de los comedores de carne), y una joven pareja, Tom y Judy, han estado ocultos de la invasión de los muertos vivientes.

Bien, hasta acá el argumento parece dejar bien en claro quiénes son los buenos y quiénes son los malos, ¿cierto? Hombre=bueno – zombie=malo….simple, ¿no?…ehh, no tan simple.
Siempre pensé que para entender una obra en general hay que entender lo que pasaba en ese momento en el mundo, y en el año 1968 pasaban “cosas” y sobre todo en Estados Unidos, un país que está construido sobre una utopía que nos habla de una nación justa y victoriosa, defensora del bien, de las libertades y los derechos humanos, y como si fuera poco cuenta con el apoyo y la bendición de Dios, ¡amén!
Romero nos habla de unos zombies distintos a los antes vistos en películas como “White Zombie (1932)” o “I Walked With a Zombie (1943)” acá no existen conjuros ni magia negra ni vudú, en este Film se habla de algo completamente distinto; se habla de la amenaza de la radioactividad y si nos situamos en esa época podemos ver que un sector del pensamiento conservador norteamericano aprovechándose de la amenaza que representaba la Rusia de Stalin para el estilo de vida capitalista de USA, lanzó una intensa propaganda ideológica anticomunista hacia sus habitantes con un inesperado éxito.
Y así comenzó la lucha contra el comunismo en los Estados Unidos, causando en sus habitantes un sentimiento de temor ante un futuro incierto y tal vez amenazante, ese miedo no tardó en llegar a Hollywood y durante la década de los 50’s veremos hasta el hartazgo películas de Sci-Fi hablándonos de los peligros de la radiación atómica que los habitantes de Norteamérica vivían día a día, pero lo de Romero era más interesante, ¡¡¡más creible!!! Acá no había robots radioactivos ni invasores de otro planeta, acá el temor estaba en el planeta Tierra y habitaba bajo nuestros pies (nosotros los habíamos sembrado en esa tierra) y lo más delicado de la situación es que tal vez el enemigo que venía a devorar tus entrañas podía ser un ser querido, qué ironía, ¿no?…. es como sufrir por doble partida, primero enterramos al finado y después lo matamos nosotros para que ya “esperemos”…. ¡¡¡no vuelva más!!!…

En la década de los 60´s, George A. Romero y John A. Ruso eran socios y se dedicaban a rodar Filmes Industriales (Los Filmes Industriales son videos que sirven para capacitar a personal y operarios de máquinas de una empresa) cuando se les ocurrió filmar una película de terror. El resultado sería un Film independiente controversial y enigmático con una opinión de la crítica muy dividida. Lo cierto es que todos esos supuestos temas sociales que toca se dan de pura “casualidad”, pero sin dudas son muy afortunados y oportunos para esa época. Según las palabras de Romero, eligió a un protagonista de color, “Duane Jones”, sólo casualmente por ser el único actor en su grupo de conocidos capaz de interpretar el papel, pero casualmente cuando Romero viajaba a Nueva York la tarde del 4 de abril de 1968 para presentarle la cinta a un futuro distribuidor escucho en la radio la noticia que anunciaba el asesinato de Martin Luther King, y los medios de comunicación no tardaron en vincular la película como una crítica contra la guerra de Vietnam, el racismo, la guerra fría, el gobierno americano y el núcleo familiar. Por otro lado las palabras de Romero años después vuelven a reflejar que no todo es tan casual: “Muchas veces, los protagonistas no luchan contra zombies sino que entre ellos, debido principalmente a la presión del ambiente en el que se encuentran”. Estas palabras son una clara referencia a la realidad del mundo en que vivimos, donde siempre el humano es el peor enemigo competente que podemos encontrar y no el zombie. Este factor se verá reflejado en las tres primeras entregas de Romero, pero para poder hablar de la continuación y sin dudas mi preferida, “Dawn of the dead”, es importante tocar esta película previamente.

Pero antes de hablar de la Supervivencia humana, veamos de qué se trataba este formato de Zombie novedoso que Romero nos presentaba en el año 68. El zombie de Romero está lejos de parecerse al pensante vampiro de “I Am legend” de Richard Matheson (novela inspiradora para esta película), sin embargo el escenario es el mismo, la Tierra y la víctima: el humano.
Los Zombies de Romero/Russo son instintivos carentes de capacidades intelectuales, es imposible obtener una respuesta de ellos, o hacerlos razonar no obstante parecen comprender algunas cosas de manera muy simple sobre todo a la hora de atacar, son capaces de trabajar en equipo y de usar una piedra o un palo como herramientas, no tan rápidos y putrefactos como el zombie actual pero eficientes al trabajar en grupo y mas lúgubres, este formato de “muerto vivo” sería el modelo a mostrar en los siguientes 20 años por varios directores de cine Norteamericano e Italiano.
Pero bien, si creemos que el zombie es el verdadero enemigo de esta obra estamos equivocados dado que sólo es un componente de lo que pasa fuera de la casa cuando justamente el desarrollo de la historia se encuentra dentro de esta, en la lucha de los personajes por imponer sus ideas o sobrevivir a la presión claustrofóbica que el exterior ejerce sobre ellos. Y esta constante disputa de caracteres se ve reflejada en 2 personajes…

¿Quién es Ben Huss?
Ben es un Hombre atrevido y valiente, siempre dispuesto a ayudar, no le molesta tener que tapiar una ventana o enfrentarse a la realidad, parece siempre mostrar cordura, es educado, tiene un carácter fuerte, cuando la situación se lo exige no duda en tomar medidas y asume la responsabilidades de sus actos, él piensa que el camino más efectivo es tratar de escapar e incansablemente busca las maneras con las herramientas que tiene a su alcance, es así que rápidamente se vuelve uno de los líderes de la casa.

¿Quién es Harry Cooper?
Harry es lo opuesto a Ben, un hombre nervioso, de mediana edad, conservador y egoísta que por momentos parece importarle poco el grupo, trata de imponerse a los gritos y es así que va contaminando el ambiente de nerviosismo e inseguridad, no trata de ayudar sólo de implantar sus ideas y para él, la solución es esconderse con su familia en el sótano hasta que alguien venga en su ayuda.

Es así que el enfrentamiento entre estos dos no tarda en llegar, y a medida que contemplan las noticias por la tv y la radio la tensión crece, por otro lado tenemos al resto de los protagonistas, Bárbara que parece estar en estado de shock y se deja dominar por la histeria de la situación, la esposa de Cooper que junto a su hija (mordida por zombies) indica que la decisión que tomó su esposo es la más acertada y una pareja de jóvenes que si bien no suman demasiado a la historia, donan su vida para detonar el factor explosivo entre Ben y Harry.
Y es así como después de un fallido intento por escapar de la casa mueren los dos jóvenes y la película entra en sus 30 minutos finales, cargados de pura violencia (sobre todo para esta época) donde los zombies comienzan a alimentarse y los enfrentamientos más fuertes empiezan. Después de la muerte de la joven pareja, Ben intenta regresar a la casa para enterarse que Cooper ha cerrado la puerta, finalmente logra vencer la cerradura e ingresa, y es en esta parte de la película donde comprendemos que la tensión de la situación que están viviendo saca lo peor de cada uno de ellos, de golpe Ben deja de ser un héroe y Harry no estaba tan equivocado. Cuando la luz se corta estrepitosamente y los zombies arremeten con violencia contra las ventanas, el temor se apodera de la razón y luego de que H.Cooper intenta sacarle el arma a Ben este lo hiere de gravedad, Harry se arrastra agonizante hacia el sótano donde descubre que su hija se ha convertido en uno de estos extraños seres y es su esposa la afortunada en descubrir a su hija comiéndose el cadáver de su marido para luego ser asesinada por la niña con una espátula de jardinería.
Bárbara y Ben no pueden sostener mas la situación y las criaturas logran invadir la guarida y es irónicamente el hermano de Bárbara el encargado de arrastrarla al infierno que sucede fuera de la casa, al darse por vencido y intentar retroceder al sótano, Ben descubre que la hija del matrimonio Cooper es parte de este ejército de la muerte y luego de forcejear contra ella, logra encerrarse en el sótano junto al matrimonio Cooper convertidos en zombies que tarde o temprano tendrá que eliminar para convertirse en el único sobreviviente el resto de la noche.
El clímax del final es tan deslumbrante como inimaginable y por una falla de derechos de autor la película la pueden ver por completo en cualquier parte, aca les dejo la pagina para verla:

Sórdida y sin ningún sentido del humor ni romances idiotas tan comunes en el cine contemporáneo, la cruda crítica de Romero y Russo hacia la realidad del mundo moderno y las carencias del hombre junto a la visión de los muertos como reflejo de nuestros actos, son claramente aplicables a los tiempos que corren. Con una enorme economía de medios estos dos gigantes crearon una historia única y creativa que sigue siendo terroríficamente vigente hasta hoy en día y que dio paso a una saga donde Romero siempre dejaría su característica visión donde el peor enemigo no son las desgracias que le pueden ocurrir a un ser humano si no lo que estas pueden provocar dentro de él.

Los espero en la segunda parte…

Para todos los conocedores del labor de Basil Gogos (ilustrador de la famosísima revista “Famous Monsters of Filmland”), el trabajo de los individuos que a continuación les voy a presentar, les parecerá increíble. Es un orgullo mostrar sus obras y un misterio imaginar que muchos no saben que tenemos esta calidad de artistas en nuestro país.

Belén R. y Doc Satan, no sólo son 2 grandes amigos que, puedo decir con conocimiento de causa, aman retratar tal género más que nadie, sino que aparte de ser maestros de la pintura tienen la virtud de la humildad, eso que parece que sólo los grandes llevan en su genética.

Cuando conocí a Doc Satan hace unos años, fue como toparme con un ser único, misterioso y lleno de talento, pero al mismo tiempo una persona agradable con la cual podía compartir conversaciones casi filosóficas sobre el género.  Me llevó muy poco tiempo lograr una relación de amistad con él,  si lo tuviese que definir como amigo debería decir que la palabra amigo le queda chica, que es uno de esos tipos de fierro que nunca te deja en banda, esas personas que te contagian calma y generan admiración por sus valores morales, si lo tengo que definir por su arte diría que es una persona multifacética con facilidades únicas, músico, tatuador y uno de los pintores más talentosos que vi en el terror/horror a lo largo de mis años recorriendo diferentes lugares de América.

Amablemente, él junto a su esposa tuvieron la cortesía de darme esta entrevista que hace mucho tenía ganas de hacer, sin más palabras los dejo expuestos ante la genialidad en su máxima expresión el ARTE PURA de estos dos creadores del mundo underground.

1-¿Cómo fue que se sintieron atraídos por este género?

Doc Satan: desde muy chicos nos divirtieron muchísimo y nos parecieron alucinantes las películas de horror-terror como los grandes clásicos de universal. Atraídos por la estética y ambientación de las mismas. Creo q vi Nosferatu y Frankenstein a los 6 años y me pareció increíble y súper interesante!!!

2-¿Cómo se les ocurrió trabajar juntos y cuál fue la primera pintura que realizaron?

Doc Satan: ambos pintamos hace años, estilos muy diferentes y ¡pensamos q sería sensacional crear cuadros de reproducciones de basil gogos para nosotros! Empezó con un cuadro de Frankestein pero tomando el estilo de Mr. Gogos y sumándole el propio.

Lo que creamos fue arte fusión, la mezcla de estilos y trabajando en el bastidor al mismo tiempo con diferentes técnicas, materiales y pinceladas. Desde el principio nos sentimos muy cómodos, y eso es algo muy difícil de lograr. El cuadro terminado se fusiono perfectamente!!! Eso fue totalmente cool!!! Lograr una pieza de arte con ultra amor.

Doc Satán y su otra gran pasión: la música

3- Conozco tu admiración por la obra de Basil Gogos, Belén contame un poco de tus influencias

Belén: desde chica me interesaba mucho el arte. Coleccionando libros, aprendiendo sobre diferentes estilos, luego de grande me vi influenciada más en mis cuadros en los cuales plasmaba mis sentimientos y emociones desde un lado muy oscuro. Esos cuadros fueron influenciados por el arte surrealista y abstracto. También estaba muy atraída por los clásicos de terror. Siempre tuve el deseo de realizar obras del estilo q estamos creando ahora pero no podía crear el realismo puro…¡hasta hoy!

4- ¿Cuál es la película preferida de cada uno?

Belen: The bride of Frankenstein.

Doc Satan: The Night of the living dead.

5- Doc Satan, te tiro 5 nombres y definime lo que significan para vos con una sola palabra:

a-Rob Zombie: Artista / b- Basil gogos: GENIO / c – Boris Karloff: DESLUMBRANTE / d- Vincent Price: Único / e- Lon Chaney: Creativo

6-¿Cuáles son las diferencias que encontrás entre tatuar y pintar?

Doc Satan: En el bastidor puedo corregir, cambiar formas y color, en el tatuaje no! Es una única vez, esa es la excitación q me lleva a realizar una pieza única q caminara por la calle. Mis cuadros caminan por la calle!!! Esa es mi motivación para seguir aprendiendo y creciendo como artista.

7-Durante la década de los 60´s y los 70´s el cine de terror estaba pensado como un entretenimiento para personas marginales, sin embargo hoy en día (al igual que el tatuaje) han encontrado un lugar de mas aceptación, al punto que disfrutamos de ver películas de este género que se exhiben en grandes salas… ¿qué pensás que cambió con los años para que se diera este fenómeno?

Doc Satan: En el tatuaje debo admitir que al llevarlo personajes de medios como la tv, de famosos programas, fue llevado a otro punto de vista. Así, la gente que no lo aceptaba se dio cuenta q si lo tenían esas personas era “cool”. Yo creo q eso ayudó mucho y la gente lo aceptó más al arte del tatuaje. En el cine debe pasar algo parecido.

 8- Por momentos me sorprendo mirando sus obras, sobre todo con las sombras y las partes más iluminadas, es como que más allá del arte que puede recordar a los grandes dibujantes de la “Famous Monsters of Filmland” pareciera asomar un poco del arte pop de artistas como por ejemplo Andy Warhol, dirías que este concepto es erróneo o hay algo de eso en sus obras?

Belén y Doc Satan: No sé si es erróneo, pero sí, no nos sentimos identificados con él. Lo que realmente nos asombra y alucina de las portadas de las Famous Monsters son esos colores, miles de colores. Eso nos encanta. Así q pusimos mas Technicolor en nuestras obras y las queremos estallar de color!!! ESO ES NUESTRO ESTILO!!! NUESTRA FIRMA!!!!

9-¿Cuánto tiempo les lleva realizar una de sus obras? ¿Depende mucho el tamaño o que estén trabajando con acrílicos, o otros tipos de pintura?

Belén y Doc Satan: Ahora estamos trabajado con óleo, lo q hace demorar más el tiempo de cada obra. Las que hicimos en acrílico siempre depende de la inspiración que tenemos en el momento. Podemos crearla en una tarde como Nosferatu que fue realizado casi todo en una tarde de domingo, o La Criatura de la laguna que nos llevó bastante por la cantidad de detalles y colores.

10-Si tuviesen que definirse como artistas, ¿qué dirían de ustedes mismos?

Belén y Doc Satan: Hemos descubierto una nueva forma de hacer arte y nos encanta, es sensacional y nos da felicidad. Estamos creciendo día a día y esa emoción que sentimos al pintar juntos es lo q nos lleva a realizarlo…Es ultra amor y horrorshow!

11-¿Cuáles son sus planes a futuro?

Belén y Doc Satan: Nuestro futuro plan maestro para la completa dominación del mundo del arte, es crear nuestras obras, más que retratos, darles mayor importancia a los personajes secundarios que tanto nos encantan también, llevándolos a atronadores colores, crear shockeantes escenas completas de nuestras pelis favoritas y “zombificar” a todo aquel personaje q nos asombre en full technicolor.

12-¿Pensaron en pintar retratos de los personajes de la Hammer inglesa?

Belén y Doc Satan: creo q llegaremos en algún momento, ¿por qué no? Pero estamos enfocados ahora en otros personajes.

13-¿Todo más referido a lo que sería los Universal Monsters, o también incursionar en el cine de los 70´s y 80´s?

Belén y Doc Satan: claro, tal cual. Porque el ultimo q hicimos fue una escena del film Beetlejuice.

Bien, llegó el momento de hablar de mi película preferida, “The Texas Chainsaw Massacre”. Es un film de horror independiente dirigido por el brillante Tobe Hooper. Rodado durante 1973, en las ciudades de Austin, Round Rock y Bastrop, ubicadas en el estado de Texas, en sólo 4 semanas, con un presupuesto bajísimo de us$ 140.000, inexpertos actores y bajo duras condiciones de trabajo, el director creó la franquicia mas escalofriante de la historia del cine de horror.

Lo inquietante de esta obra es que fue la primera en ser filmada haciéndonos creer que estábamos viendo un hecho real (fórmula que después sería copiada por “El proyecto Blair Witch” o más recientemente por la saga de “Actividad Paranormal”), pero lo más interesante es que a diferencia de lo que uno piensa o imagina al ver el afiche de presentación, el gore y la sangre son casi inexistentes. Es que el atractivo de esta película radica en que Tobe Hooper direcciona las escenas directamente a nuestros cerebros y es nuestra imaginación la encargada de completar semejante monstruosidad. Depende de la sensibilidad de cada receptor que esta historia pueda resultar incomprensible, enferma, traumática o simplemente una obra maestra que sabe generar horror desde el suspense y la insinuación.

Esta vez no daré 5 razones (esta genialidad no las necesita), en esta oportunidad voy a dividir la película en 5 puntos, por lo cual: si todavía no la viste, ¡es importante que dejes de leer lo que sigue a continuación!

1. Presentación de los personajes:
Dos hermanos adolescentes, “Sally y Franklin”, se dirigen hacia la tumba de su abuelo al enterarse que ha sido profanada. Junto a un grupo de amigos “Jerry, Kirk y Pam” deciden subir a su camioneta a Edwin Neal “The hitchhiker”, esta sería la primera escena donde la película arranca con un ritmo feroz.

Luego de sobrevivir al ataque de dicho psicópata y expulsarlo del vehículo, se detienen en el camino y Kirk se dirige a una misteriosa casa en busca de combustible donde es atacado con un martillo de carnicero por el personaje mas interesante de la historia: “Leatherface” protagonizado por Gunnar Hansen. Después de un rato, Pam también decide entrar a la casa en busca de su novio, en una escena de suspenso magistral donde termina colgada de un gancho de carnicería por el mismo personaje. El resto del grupo empieza a sentir preocupación por la misteriosa desaparición de la pareja y cuando Jerry decide entrar a la casa, encuentra a Pam dentro de una cámara frigorífica, él también es atrapado por Leatherface. Ya es de noche cuando los hermanos Sally y Franklin deciden investigar lo que está pasando y en una persecución por el bosque, es Franklin quien muere bajo la motosierra del mismo asesino.

Sally logra escapar hasta llegar a una estación de servicio donde después de confiar en el actor Jim Siedow, es capturada y llevada a la casa donde descubrirá que sus amigos ya están muertos y que Leatherface, Hitchhiker y su captor, son hermanos. Ellos serán los encargados de presentarles al último gran personaje de esta pelicula, “El abuelo”, protagonizado por John Dugan.

2. La casa:

Este elemento es, sin duda, otro de los personajes de la obra. La atmósfera que se genera dentro es infernal, tenebrosa, el interior de la casa es una brutal carnicería de huesos, sangre seca, piel y esqueletos dignos de la mente de “Ed Gein” (cabe destacar que esta película está basada en sus crímenes, al igual que Psycho de Alfred Hitchcock).

3. La cena:

Cuando Sally es atrapada y llevada a la casa, se genera la escena más frenética del largometraje. La cena, donde Sally es atada a una silla para presenciar el ritual y hábitos alimenticios de esta familia poco común, es el momento donde el espectador comienza a pensar que a veces la muerte rápida es el camino menos despiadado. En una fracción de segundos, la intensidad del acoso es tan penetrante que podemos ver como la psiquis de Sally es destruida como si escucháramos un frágil vidrio quebrarse después de ser impactado por una piedra, provocando una ruptura que ni el tiempo podrá sanar.

El encargado de terminar de empujarla al abismo de la locura será “El abuelo” que, decrepito y carente de fuerzas, tratara de asestar golpes en vano, contra una mujer ya rendida como un animal que espera su ejecución para dejar de sufrir.

4. La huída:

Los gritos y las diferencias entre este clan de psicóticos los distrae, y le da tiempo a Sally para juntar sus últimas fuerzas y lograr escapar corriendo para luego atravesar una ventana con su cuerpo. Cuando ya se encuentra fuera de la casa, uno siente esa bocanada de aire fresco que sólo podría sentir una persona que es enterrada viva y consigue después de horas sacar la cabeza de abajo de la tierra. Ya ha amanecido y Sally corre en busca de su salvación perseguida por sus cazadores.

5. La escena más horriblemente bella de la historia del cine:

Sally llega a la carretera donde finalmente un conductor se apiada de ella y trata de ayudarla a escapar pero no lo logra, otra camioneta llega a la escena y finalmente Sally logra subir en ella. En esta parte nacería el final más interesante del cine de horror. Leatherface, enfurecido, viendo su presa escapar, revoleando su motosierra en lo que pareciera ser una fotografía de ballet tomada desde el mismísimo averno. Con el sol de fondo jugando el papel de un reflector sobre esta mórbida prima ballerina, sin poder conectar su cerebro con nada más que su furia y su sed de venganza. Y es este final que nos deja pensando que el infierno no es un lugar bajo tierra, sino un lugar que habita dentro nuestro.

CURIOSIDADES:

-Se vendió como si estuviera basada en un hecho real (así lo dice en los títulos de crédito) pero lo único cierto es que el personaje de Leatherface está inspirado lejanamente en Ed Gein y en la familia del asesino en serie escocés Alexander Bean.

-Los habitantes de Texas fueron aterrorizados con el comienzo de esta película, porque pensaron que se trataba de un film basada en hechos reales.

-La banda sonora se compone fundamentalmente de ruidos y ecos, creando así la angustia del espectador.

-El papel del Abuelo fue interpretado por John Dugan, de 18 años. Tras maquillarse, decidió que no volvería a repetir tal proceso. Por eso todas las escenas en las que él aparece fueron rodadas en una sola sesión.

-El filme estuvo prohibido en Noruega (se estrenó sin censuras en 1997), Suecia (hasta 1984, pero luego censurado hasta 2001), Chile (hasta 1978), Irlanda, Alemania India e Islandia; estuvo censurada en Argentina, Finlandia, Holanda, Canadá, España, Japón, Corea del Sur y Usa.

-Fue rodada en orden cronológico.

-Para Gunnar Hansen no fue nada fácil, llevar puesta tanto tiempo la máscara, ya que además de el calor que hacía mientras rodaban, éste padecía claustrofobia.

-El presupuesto fue de 140.000 dólares y recaudó 50 millones de dólares en todo el mundo.

-Es considerada una de las introductoras del Gore (irónicamente, poco tiene de Gore) en el cine junto con Blood feast 1963, Two thousand maniacs 1964, Dawn of the dead 1978, Evil Dead 1981.

-En 1983 Wizard Video Games sacó al mercado un videojuego basado en este filme.

-Los esqueletos de la casa son reales porque eran más baratos.

-Durante el estreno, un hombre disfrazado de Leatherface entraba en las salas, provocando desmayos entre el público y posteriores denuncias.

-La sangre utilizada en una de las escenas fue real, donde Leatherface alimenta al abuelo. El equipo tuvo dificultades para que la sangre falsa saliera del cuchillo de utilería, por lo que cortaron el dedo de Burns “Sally” con una navaja.

-La escena donde Leatherface ataca a “Franklin” con la motosierra tuvo algunas dificultades durante su rodaje, Hansen le advirtió al actor Paul A. Partain que se mantuviera quieto, ya que tenía algunos problemas para manejar el arma con precisión. Al momento de filmar la escena, la motosierra pasó a escasos centímetros de la cara de Partain.

TRAILER:

El rock también tuvo su lugar en esta saga la canción “Leatherface” de la banda Lääz Rockit pertenece a la tercera parte de la saga

Y este es otro gran tema basado en el film

El actor Edwin Neal quien en la película protagoniza a “Hitchhiker” tuvo su aparición en el video del cover de Rod Stewart “Do you Think I’m Sexy” que la banda Revolting Cocks grabó en el año 1993:

Michael Myers, “The boogeyman of Haddonfield”

Halloween es un film independiente de 1978 dirigido por John Carpenter. Si hablamos del argumento nos tenemos que dirigir a un típico barrio norteamericano, donde el protagonista asesina a su hermana mayor a cuchillazos sin muchas razones aparentes más que el rechazo o el descontento familiar. Es precisamente ese factor el que produce que la película sea atrapante. Acostumbrados a ver decenas de asesinos que vuelven por venganza, en este caso nos enfrentamos contra uno que parece hacerlo por naturaleza, y es que no hay piedad, sentimientos o principios humanos, lo único que habita dentro suyo es el gen de la maldad. Luego, el Dr Loomis le sigue los pasos luego de su fuga de la institución mental donde se encontraba recluido hace 15 años tras el episodio ya mencionado, es así como a lo largo del largometraje se lo muestra como un verdadero depredador sediento de sangre, el cual sólo puede ser “seguro” para la sociedad si se encuentra encerrado y sedado.

Ahora bien, ustedes se preguntarán “si la historia es tan simple, ¿cuál es el verdadero atractivo de esta obra?” Y yo les voy a dar 5 excelentes razones para que la vean:

1. Ser la primera película de género en contar la historia de un verdugo motivado por el desprecio a la vida.
2. El suspenso que genera la historia y las tomas son extraordinariamente adecuadas, oportunas y prolijas, tanto en la fotografía escénica como en el desarrollo de la historia.
3. ¡¡¡La música!!! En todo momento, acompaña la película como si quisiera contarnos una horrible pesadilla.
4. Las Victimas… y quiero hacer hincapié en esto, ¡¡¡Estoy cansado de ver víctimas que no saben actuar sus propias muertes!!! Poco creíbles, actores contratados para hacer el ridículo, que más que miedo causan gracia por sus expresiones. En el caso de Halloween parece ser un manual de como debe actuar una víctima, nos trasmiten su miedo y su dolor haciéndonos vivir el sufrimiento del acoso a nosotros los espectadores, ¡¡¡realmente magistral!!!
5. Lo más atractivo de todo resalta nuevamente…¡Michael Myers! Un asesino tan atractivo como misterioso, escondiendo su rostro detrás de esa máscara inexpresiva tan muerta como sus emociones, tan despiadadamente fría como la crueldad de sus actos.

Y es así que luego de escapar Michael regresa a Haddonfield y comienza a acechar a 3 adolescentes, casi al mismo tiempo que Loomis llega al pueblo tratando de advertirle al Sheriff lo que tendrán que enfrentar.
El desenlace tiene un ritmo frenético y guarda un final abierto para próximas continuaciones que jamás tuvieron, ni tendrán, el mismo éxito que esta.
Realmente un film único, entretenido, creativo, macabro que marcaría un antes y un después en el cine de género Norteamericano siendo inspiración de centenares de directores que rindieron tributo a esta joya del séptimo arte durante la siguiente década.

DATOS CURIOSOS:

-El presupuesto de la película fue de 325.000 dólares, pero consiguió recaudar 47 millones de dólares en USA, y 80 millones en el resto del mundo.

-Se estrenó con escenas censuradas en Argentina, Australia, Finlandia, Islandia, Holanda, Noruega, Suecia, Inglaterra (originalmente clasificada como X), Canadá, USA y Alemania.

-Con esta película, Jamie Lee Curtis debutó en el cine y, además, fue la protagonista. Debra Hill se fijó en ella pensando en la publicidad, pues es la hija de Janet Leigh, la que interpretara a Marion Crane en “Psicosis” de Alfred Hitchcock. La inspiración para hacer el guión surgió al escuchar la historia de un asesino que entraba en casas mientras sus dueños dormían, entonces esperaba a que se despertaran para matarlas a golpes con una llave inglesa.

-El actor Christopher Lee rechazó el papel de Dr. Sam Loomis porque el sueldo que le ofrecieron era demasiado bajo.

-Como no había dinero para un departamento de vestuario, los actores en el filme llevaban sus propias ropas. Jamie Lee Curtis se fue a una tienda J. C. Peney y se gastó algo menos de cien dólares en comprarse los trajes que necesitaba para esta película.

-A partir de esta película a Jamie Lee Curtis se la conoció como “La reina del grito”

-La máscara de Michael Myers es una máscara del capitán Kirk de Star Trek, con los ojos recortados y pintada de blanco; antes iban a usar la de un payaso.

TRAILER:

El Rock también le ha rendido tributo y creo que la mejor canción que escuché sobre esta película es la de Wednesday 13 “Haddonfield”