Mohammed Alim Khan, el emir de Bukhara, actual Uzbekistán, en 1910

La primera película moderna a color nació en 1935 gracias a la firma Kodak. Sin embargo esta tecnología existía desde muchos años antes. Fue el físico escocés James Clerk Maxwell quien en 1861 consiguió realizar la primera foto a color de la historia. Para ello, realizó tres fotografías utilizando filtros rojo, verde y azul y posteriormente proyectando dichas imágenes a través de los filtros de colores. De este modo, consiguió resultados muy aproximados a los que tenía la realidad. Esta técnica, perfeccionada en los siguientes años, es la que utilizó el fotógrafo Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii para llevar a cabo este reportaje fotográfico del Imperio Ruso de un valor histórico innegable. Estas imágenes están archivadas en la Biblioteca del Congreso de EE.UU

Una mujer armenia posa para Prokudin-Gorskii en una colina cerca de Artvin (en la actual Turquía), 1910

Sergey Prokudin Gorskii (1863-1944) fue un químico ruso que se convirtió en la persona de mayor renombre en Rusia por un retrato a color que le hizo a León Tolstói. Esta fama atrajo la atención del zar Nicolás II quien le encargó, en 1909, lo que sería el trabajo de su vida. Durante los siguientes diez años, Gorskii atravesó todo el Imperio ruso con un carro de ferrocarril acondicionado para poder revelar sus fotografías. El químico consiguió más de 10.000 imágenes a todo color siguiendo la técnica de James Clerk Maxwell. La mayoría se perdieron en las dos guerras mundiales mientras que otras sobrevivieron hasta nuestros días.

Autorretrato en el río Karolitskhali, 1910, en las montañas del Cáucaso cerca del puerto de Batumi, en la costa oriental del Mar Negro

La obra de Prokudin-Gorskii ofrece una imagen sesgada del imperio ruso en vísperas de la Primera Guerra Mundial y de la Revolución Rusa. Gorskii muestra lo que los Zares querían ver: iglesias medievales y monasterios de la antigua Rusia, ferrocarriles y fabricas de la industrialización incipiente, la vida pastoril e idílica y el trabajo de las diferentes etnias que componían la Rusia de aquel momento. Gorskii era el fotógrafo del Zar.

Dos hombres trabajan en una fundición artística

Isfandiyar Jurji Bahadur, Khan del protectorado ruso de Khorezm

Pinkhus Karlinskii, de ochenta y cuatro años y con 76  de servicio como supervisor de la compuerta del canal de Chernigov, 1909

Un grupo de niños junto a su maestro en Samarcanda (en Uzbekistán moderno), en 1910

Niños rusos sobre una colina cerca del Lago Blanco, en Rusia, 1909

Campesinos del Imperio ruso, 1909

Mujer Sart en Samarcanda, Uzbekistán, 1910. Hasta la revolución rusa de 1917, “Sart” era el nombre de uzbecos que vivían en Kazajstán

Catedral Nikolaevskii al suroeste de Mozhaisk, 1911

Prokudin Gorskii abandonó Rusia en 1918 equipado sólo con sus placas originales de vidrio y los álbumes llenos de copias de contacto al enterarse que el Zar Nicolás II y su familia habían sido ejecutados por la Revolución Rusa. El imperio retratado por Prokudin Gorskii ya no existía. El químico pasó por Noruega e Inglaterra antes de establecerse definitivamente en Francia, donde murió en 1944.

Stephanie Sinclair, galardonada fotoperiodista estadounidense, trabaja en la problemática de los derechos de las mujeres y niñas. En este caso, encabeza la muestra “Demasiado joven para casarse”: una exposición itinerante, actualmente redicada en Madrid, que denuncia una situación de esclavitud de millones de niñas de Medio Oriente. En muchos lugares del mundo las niñas se casan con 14 años, pero también con 10 y hasta con cinco. Aun siendo ilegal, el matrimonio infantil sigue en auge.

Este trabajo muestra la situación de tres jóvenes hermanas (Radha Bhamwari, 15, Gora Bhamwari, 13, y Rajni Bhamwari de 5 años) a quienes casaron el día santo de Akha Teej en la India. Según la tradición, las parejas que contraen matrimonio en esa fecha tendrán buenos augurios durante toda su vida. Es por ésto que se conoce como el día en que ocurren la mayoría de los matrimonios infantiles.

Radha Bhamwari, de 15 años, se somete a un ritual en que la pintan con henna el día antes de que comiencen las festividades por su boda

A pesar de la legislación que prohíbe el matrimonio infantil en la India (Child-Ley 1929 de restricción del matrimonio) y la prohibición mucho más progresiva de la Ley del matrimonio infantil (2006), éste continúa siendo aceptado por un gran sector de la sociedad de Medio Oriente.

Los familiares y los invitados bailan durante la boda de las tres jóvenes en India

Según estimaciones de la ONU, entre 2011 y 2020 más de 140 millones de niñas habrán sido condenadas a esta vida cercana a la esclavitud

Rajni, de 5 años, el día previo a su boda

Radha Bhamwari, de 15, durante los preparativos para su boda

Como este tipo de bodas son ilegales y secretas, muchas se llevan a cabo a altas horas de la noche

Maya, de 8 y Kishore, de 13, dentro de su nuevo hogar el día después de su boda.

Las bodas infantiles se dan en cualquier país, continente o religión. En la India, es normal que las niñas se “entreguen” a niños cuatro o cinco años mayores. En Afganistán los maridos pueden ser hombres jóvenes o de mediana edad. En Etiopía los hombres son secuestradores que violan  y reclaman a sus víctimas como esposas. Muchos de los matrimonios son transacciones comerciales: una deuda saldada a cambio de una novia de ocho años.

Debritu, 14, se escapó de su esposo después de meses de abusos. Ella está embarazada de 7 meses y sin hogar.

Entre las tropas de desembarco se encontraba un húngaro llamado Ernest Andrei Friedmann, conocido mundialmente como Rober Capa, el fotógrafo que la revista Life de Londres había elegido para cubrir el evento en la primera linea de fuego.

Ernst Andrei Frieman, nació en Budapest en 1913. A ls 17 años, militate asérrimo contra el régimen profascista de Miklós Horthy, se tuvo que enfrentar al exilio. Se instaló en Berlín donde empezó con sus primeros pasos como fotógafo y periodista. Nuevamente tuvo que huir del fascismo rumbo a París, donde conoció a su pareja Gerda Taro, junto quien creó el pseudónimo de “Robert Capa”. Esa sería, desde entonces, la firma para todos sus trabajos.

No es la biografía de este maestro lo que me trae a escribir, sino mas bien una historia puntual, la del desembrco en Normandía en el Día D.

Robert Capa fue el único fotógrafo (y el primero en regresar vivo) que desembarcó, con el agua hasta el cuello y las cámaras en alto, con las tropas aliadas en las costas de Francia.

“Todos sufríamos esa extraña enfermedad conocida como anfibia. Ser tropas anfibias sólo quería decir una cosa para nosotros: podíamos pasarlo mal en el agua o podíamos pasarlo mal en la tierra firme. No había exceciones. El unico personaje anfibio y feliz a la vez es el caimán”, escribió el mismo Friedman

Capa desembarcó en el sector de la Playa de Omaha bautizada como Easy Red con la Compañía E. Tenía otras dos opciones, una era la Compañía B cuyos objetivos parecían más interesantes y la otra era acompañar al coronel Taylor al mando del 16 Regimiento de Infantería de la 1º División, si acompañaba a este regimiento podía estar cerca de la acción y además más a salvo. Sin embargo optó por ir con la Compañía E que ya los conocía. Según dijo, era más riesgo pero iba a obtener las mejores fotos.

El desayno inmediatamente anterior al desembarco se sirvió a las tres de la mañana. Los mozos del U.S.S. Chase, inmaculados, sirvieron tortillas, salchichas, huevos y café, aunque, según cuenta en sus memorias, los estómagos previos a la invasión estaban “bastante preocupados”.

A las cuatro ya estaban formados los dos mil hombres en perfecto silencio a la espera del primer rayo de sol. En cuanto amaneció los soldados empezaron a bajar a las barcazas.

El mar estaba encrespado y todos quedaron empapados desde el minuto cero. El agua dentro de la barcaza se mezclaba con los vómitos mientras que los soldados y Capa debieron bajar las cabezas escapando a los primeros zumbidos.

Cuanto más próximos al suelo francés las balas se sentían más fuertes. Al tocar tierra se bajó inmediatamente el portón de la barcaza y los hombres salieron raudos, el agua llegaba hasta el cuello  y los disparos, obuses y fuego de mortero volaban azarosamente. Allí Capa hizo la primera foto: se paró en la pasarela y disaró.

“¿Cuál es la diferencia entre un corresponsal de guerra y cualquier otra persona de uniforme? tendría que responder que el corresponsal de guerra bebe más, liga más, gana más y tiene más libertad de elegir dónde estar en cada momento y tener la posibilidad de ser considerado un cobarde sin ser ejecutado por ello”

Capa estuvo durante 2 horas en la playa de Omaha hasta que las tropas tomaron el control y durante ese tiempo acabó 3 películas de 35 mm y 6 de 120mm. Se calcula que eran más de 100 fotografías.

Tras llegar los negativos a las oficinas londinenses de la revista Life, debido a las prisas y ansias de ver esas imágenes, se forzó el proceso de secado. El técnico de laboratorio, Dennis Banks, fue quien supuestamente realizó el revelado con los respiraderos del laboratorio cerrados. Este intento por acelerar el proceso produjo que las tiras de película se derritieran. Sólo 11 negativos fueron recuperados, todos ellos de los primeros momentos en que se pusieron los pies sobre la playa.

Cuando Capa supo del desastre, la oficina central de la revista Life en Nueva York ya tenía las fotografías y había enviado un telegrama de felicitación a Capa. Finalmente las fotografías aparecieron en el número del 19 de Junio de 1944 de la revista, con la leyenda: “La inmensa excitación del momento hizo que el fotógrafo Robet Capa moviera su cámara y desenfocara sus fotos”

 ”El hombre tanque” fue la imagen que quedó de ese episodio que pudo trascender gracias a un cronista norteamericano que logró burlar la censura china.

El fotógrafo fue el norteamericano Jeff Widener que trabajaba para la agencia Associated Press (AP).  La noche de la masacre Widener fue golpeado en la cara por una piedra lanzada desde la multitudinaria manifestación. Afortunadamente su cámra (una Nikon F3) recibió el golpe salvándole la vida.

Fue al día siguiente, el 5 de junio de 1989, cuando logró hacer la foto. El hotel Beijin era el punto de observación más cercano a la plaza, aunque estaba repleto de policías secretos. Widener escondió su equipo fotográfico dentro de su ropa y fingió ser amigo de un joven estudiante de intercambio estadounidense llamado Kirk Martsen que estaba por ahí, quien le facilitó la entrada al hotel.

Widener hizo tres disparos desde el quinto piso,  los suficientes para conseguir esta foto ícono del conflicto y del siglo XX.

“Kirk fue fundamental al llevar mi foto del ‘hombre del tanque’ a la Embajada de EE.UU. que más tarde la pasó a AP, donde fue transmitida al mundo. Si Kirk no hubiera arriesgado su vida ese día, entonces mi foto del ‘hombre del tanque’ tal vez nunca hubiera visto la luz del día”, contó Widener.

“No hay fórmula establecida para conseguir una foto como esa. Es una imagen muy potente. George Bush habló de ella y eso hizo que tuviera mucha más publicidad. Tuve suerte”.

Ramón Masats nació en Barcelona en 1931. Gran influencia para los fotógrafos de su generación se convirtió en uno de los protagonistas de la renovación del reportaje documental de los años 60.

Ajeno a todo tipo de manipulación, Masats mostró, desde sus primeras imágenes, un poderoso instinto fotográfico y una excepcional intuición para captar lo cotidiano con un sentido del humor sumamente irónico.

Con motivo del Premio Nacional de Fotografía otorgado al artista en 2004  la exposición “Contactos“ conectó dos estapas creativas del autor: una primera en blanco y negro, correspondiente a sus años de búsqueda de nuevos lenguajes fotográficos, y una segunda, donde opta por el uso del color y por huir de la figura humana.

Hoy les traigo la historia de una fotografía icónica de la Segunda Guerra Mundial, mejor dicho, de  uno de sus personajes más sombríos y nefastos: el ministro de propaganda Nazi Joseph Goebbels, mano derecha de Adolf Hitler.

El hombre detrás de la foto es Alfred Eisenstaedt. Nacido en Polonia en el seno de una familia judía fue testigo del ascenso del partido Nazi liderado por Hitler. Exiliado en Berlín el hostigamiento fue tal que tuvo que emigrar definitivamente a los Estados Unidos. Allí se convirtió en un fotógrafo muy reconocido. Fue corresponsal de prensa para la revista Times, lo que le permitió viajar por el mundo retratando a las personas. Eisenstaedt  fue el único hombre que pudo fotografiar el rostro del odio, la maldad, y la hipocresía del ministro nazi.
Sucedió en Ginebra en 1933. Eisenstaedt tuvo la oportunidad de capturar a Joseph Goebbels. En la primera foto no hubo mayor problema porque el ambiente era distendido y Goebbels, una gran estrella mediática, recibía de buen tedio a la prensa acreditada.

En la segunda foto el semblante de Goebbels cambió rotundamente: le habían avisado que uno de los fotógrafos acreditados era judío. Su mirada se transformó en puro odio y antisemitismo.

Esta foto es una de las obras maestras de  Eisenstaedt además de la legendaria imagen del beso entre un marinero y una enfermera en Nueva York, de la que les contaré en algún próximo post. Hasta entonces!

Objetivos para retrato

Para hacer un retrato por lo general se buscan primeros planos, planos americanos o primerísimos primeros planos. Los mejores objetivos son los tele, pero no los muy largos, ya que en ese caso nos tendríamos que alejar mucho del modelo. Con un 85mm estamos bien. Desde el 50 hasta el 135 mm veremos que son objetivos que tienen una linda compresión de la perspectiva para hacer retratos.

Naturaleza

Por lo general, al hacer fotografía de naturaleza, la idea es captar animales o elementos que están lejos. Para ésto recomendaría el 300mm, que tiene un ángulo de visión cerrado y un buen acercamiento.

Deportes

Para hacer fotografía de deportes hace falta un objetivo bien largo. Podría decir que partir de 200 mm está ok. Tiene buen acercamiento. Otro elemento importante es que sean objetivos bien luminosos, es decir que la apertura de diafragma sea grande. Es normal que haya deportes que se practiquen a la noche, con muy poca luz, por lo que si empezamos a levantar la sensibilidad de la cámara, es probable que aparezca el indeseable “ruido” (excepto que la cámara tenga un buen nivel de ruido en isos altos). Por eso sugiero un tele bien luminoso…

Estudio

En el estudio contamos con iluminación controlada, por lo que no hacen falta objetivos tan luminosos como en deporte, shows, o fotoperiodismo. Con respecto a la longitud focal, tampoco hay una que sea mejor que otra. Eso va a depender de la foto que se desee. El uso de un zoom que incluya desde 18 a 135 mm es bastante cómodo y versátil para el estudio.

Paisaje

Un paisaje puede ser la orilla de una playa, la punta de una montaña o una flor. Por lo general se utilizan objetivos angulares, por ejemplo el 16 mm, pero va a depender del paisaje a fotografiar, incluso podríamos usar un 200mm.

Ahora ya tienen alguna idea más precisa de para qué sirve cada objetivo según su longitud focal. Espero sus comentarios y fotos!

Saludos!

’Le Violon d’Ingres’ (1924), su amante y musa Kiki posa con la espalda desnuda, moldeada como un violoncelo.

Man Ray desarrolló su obra en el período de 1921 – 1940 en París, con el dadaísmo instalado como base para la creación del surrealismo.

Reconocido como pintor y fotógrafo, Man Ray dejó de lado el lugar de la representación, es decir de la foto como espejo de la realidad, para convertirse en el mago de la manipulación fotográfica, produciendo increíbles efectos gracias a las técnicas de doble exposición y de solarización. Técnicas que hicieron que la fotografía creativa diera un cachetazo a la fotografía pura existente hasta el momento.

Man Ray usaba a la fotografía como un medio, más que como un fin en sí mismo. Cambiaba los encuadres durante la toma, investigaba, imprimía directamente los negativos (sin pasar por el proceso del positivado), invertía la posición de las imágenes y fotografiaba hasta sin cámara. Con todas estas técnicas, se dice que Man Ray fue el creador de la fotografía surrealista.

Man Ray falleció en Francia en 1976 y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse junto a Baudelaire, Simone de Beauvoir y Jean-Paul Sartre. Lugar mítico para visitar…

Por todo esto, feliz cumpleaños al maestro.
Hasta la próxima.

Cuando empezamos a hacer fotogrfía, es muy usual comenzar con los llamados objetivos de kit. Estos son los que vienen por default con la cámara que compramos. Por lo general son objetivos de no muy buena calidad, pero que nos sirven para empezar a sacar fotos. Este  “pisapapeles” suele ser un objetivo con una lungitud focal entre 18-55 y 18-70. Objetivos en general mediocres, tanto por su nitidez, su AF, construcción, etc.

Una vez que ya avanzamos en la materia, es común que querramos ampliar las posibilidades de cobertura o bien mejorar la calidad de imagen.

Para empezar a hablar de objetivos es necesario pensar en las siguientes preguntas:

¿Qué tipo de fotografías me gusta hacer?

¿Qué rango focal tengo cubierto con el objetivo que ya tengo?

¿Me interesa más mejorar la calidad o ampliar las posibilidades?

Tipos de Objetivos:

- FOCAL FIJA, que pueden ser angulares, normales o teleobjetivos.

• Objetivos normales, dentro de esta categoría entran los objetivos que proporcionan un ángulo de visión similar al ojo humano, unos 45º. Suelen considerarse objetivos normales los de focal fija de 50 mm.

• Objetivos angulares: son los objetivos con una longitud focal menor a la anterior comentada. Es decir, por debajo de los 50mm. Estos objetivos ofrecen un ángulo de cobertura mayor por lo que son ideales para poner al sujeto en contexto, o hacer fotografía de paisajes. Este tipo de objetivos proporcionan unas perspectivas exageradas que distorsionan las líneas.

• Teleobjetivos: son los objetivos con longitudes focales superiores a la normal. Podemos encontrar desde objetivos con 85mm hasta 800mm de focal. Estos objetivos comprimen las perspectivas cerrando el ángulo de visión y nos permiten acercarnos al sujeto desde largas distancias. Son ideales para hacer fotografía de deportes.

- Objetivos de focal variable o zoom: son objetivos que ofrecen un rango focal variable. Esto nos permiten en un mismo objetivo contar con un tele y un angular al mismo tiempo. 

Son los objetivos más versátiles ya que nos evitan tener que estar cambiando de objetivo en mitad de una sesión fotográfica. En próximos posts veremos una aplicación creativa de estos objetivos.

Ángulo de visión:

Una característica importante de los objetivos es que a mayor longitud focal (es decir, cuanto más tele sea el objetivo, o cuanto mayor acercamiento tenga al objeto enfocado), el ángulo de visión será menor, y viceversa.

Luminosidad:

El otro parámetro importante de un objetivo es la apertura, es decir, la capacidad que tiene para dejar entrar mayor o menor cantidad de luz. La apertura la controla el diafragma de la cámara y para que nos entendamos fácilmente, es el iris de nuestro objetivo. Los objetivos con mayor apertura suelen ser mejores y más caros que los de menor.

¿Cómo leer los datos que nos brinda nuestro objetivo?

Todos los objetivos nos brindan información útil en su carcasa. En la imagen de abajo vas a poder ver el detalle de los datos más importantes que suelen traer. Con esta información, vas a poder enterarte, si es que aun no lo sabes, de cuál es el objetivo con el que estás trabajando.

Volviendo a lo que decía al principio, los objetivos de kit son una buena opción para no invertir mucho dinero y probar diferentes facetas fotográficas. Ahora bien, una vez que empezás a hacer fotos te vas a dar cuenta del objetivo que más te conviene para tus necesidades y gustos. Para eso te invito a que veas el próximo post, donde voy a hablar de qué tipo de objetivo es el mejor para hacer retratos, fotos de naturaleza, deportes, bodegón, fotografía de estudio o paisajes. Saludos!