En diciembre queda mucho para ver. Algunas recomendaciones para este fin de semana:

El grupo de titiriteros El Bavastel cumple  20 años y para festejarlo invita al público a ver tres de sus espectáculos. Este elenco se formó en 1993 por cuatro artistas de diferentes disciplinas que decidieron unirse en pos de un proyecto creativo diferente.

Podés verlos en el CELCIT -Moreno 441

Viernes 6 de diciembre -21 HS: MATRIZKA

Es una metáfora sobre los mandatos familiares de las mujeres. Este teatro de objetos, tiene como elemento principal a la tradicional muñequita rusa que encierra dentro de sí otras muñequitas más pequeñas.

Sábado 7 de diciembre a las 21 hs: LAS VUELTAS DE LA VIDA

Es la historia de dos amigos de barrio, una calesita y los recuerdos de otros tiempos

Domingo 8 de diciembre a las 18 hs: POPIGAMI

Tiene como protagonista a un niño que se prepara para salir de campamento y estudia los detalles del lugar que visitará

* Los dos primeros espectáculos están destinados a un público adulto mientras que el último está pensado para los niños

Festival de Teatro Samuel Beckett:

Este fin de semana termina la octava edición del festival de teatro de Buenos Aires que lleva el nombre del reconocido poeta, dramaturgo y crítico irlandés. Uno de los exponentes más representativos del teatro del absurdo. Este festival tiene como objetivo no sólo difundir la obra del artista irlandés sino también de dar a conocer el trabajo de actores y directores argentinos que retoman su obra y construyen nuevas poéticas sumamente interesantes.

Viernes 6 de diciembre a las 21 hs en el teatro La Mueca – Cabrera 4255: ACTO SIN PALABRA

Pone en escena un personaje sin atributos, el sumun del pensamiento beckettiano se despliega en esta obra que plantea desolación, precariedad, fracaso y la perfidia de un sujeto sin referencias. Sin palabras, la obra habla del cansancio y la decrepitud del cuerpo, del fracaso y la despersonificación que Samuel Beckett pudo avizorar del mundo contemporáneo.

Sábado 7 de diciembre a las 22 hs en el teatro La Mueca: ATADO AL CUELLO

Maia Francia

 ¿Qué espectáculos recomendás?

 30 días de Matías Catopodis. Es una obra montada de una manera sencilla, austera y poco pretenciosa, pero con una hondura y vuelo, como he visto pocas veces. Un texto que se pregunta y nos pregunta cosas brutales de manera sencilla. El impacto es poderoso, estremecedor. Pasan días y aún quedan resonando los diálogos. Los actores son exquisitos, e interpretan con abrumadora ternura todas las aristas de sus atribulados corazones. Dan ganas de llevarse a esos personajes en un bolsillo, para arroparlos todas las noches. Un matrimonio desencontrado, desconcertado, preso de sus frustraciones. Un adolescente adoptado, “ahogado de sitios ocultos que albergan ira” y que decide convertirse en un vegetal el día de su cumpleaños para poder “observar con distancia”. Una muchacha especial, de “ojos cálidos que abrigan”, aparece en esta casa con un secreto y la intención de limpiar, en 30 días, todo el polvo que ha tapado el inmenso amor dormido de esta familia. El conflicto juega con naturalidad, en lo trágico que tiene la comedia, y en lo cómico que tiene lo trágico. Uno se encuentra riendo con cierto pudor porque sabe que esa risa nerviosa no es otra cosa que empatía cuando algo toca fibras personales. Atraviesa la cuarta pared y el espectador se apropia, se compadece, se identifica, se entristece, se enoja, se escandaliza… dejamos de ser espectadores pasivos mirando un friso ajeno, para convertirnos en voyeristas. Admiro a Matías Catopodis sencillamente porque sus “mundos” me conmueven, me transforman. No pueden dejar de ver esta pieza preciosa.

 ¿Por qué recomendarías ir a ver las obras en las que estás trabajando?

Golpes a mi puerta es la obra maestra de Juan Carlos Gené. Es el texto más elevado, complejo, comprometido y perfecto de toda la dramaturgia nacional. Años 70, algún país latinoamericano, bajo la violencia de una invasión disfrazada de guerra civil, contra un gobierno que realiza reformas populares. Un joven rebelde, militante de la resistencia a la invasión, es perseguido y encuentra, desesperado, refugio en la casa de las hermanas Ana y Úrsula, dos monjas que, viviendo el evangelio entre los más humildes, no usan hábito “para no diferenciarse de la gente”. El inesperado huésped desencadena toda clase de interrogantes que pondrán en juego la congruencia de sus decisiones con su opción de vida, el rol evangélico que les toca desempañar, el riesgo, las dudas, los miedos y el amor… “¿Se volvieron todos locos? ¿Dios nos abandonó?”, se pregunta Úrsula. “¿Dónde estaban ellos, los que torturan? No nacieron de pronto como un hongo inmundo generado por la invasión? Estaban aquí, esperando su momento, pero no los veíamos… son compatriotas.”, se pregunta Ana.

Hay que ver esta obra para que el corazón se estremezca frente el horror que fue, que es y que será, sino somos capaces de abrazarnos, de una vez y para siempre al Amor y a la Justicia. Es una obra que me transformó completamente. Y que transforma al espectador sin lugar a dudas.

Los Hechizados de Héctor Levy-Daniel es una preciosa pieza escrita de manera potente y perturbadora. Inspirada, libremente, en Lástima que sea una puta de John Ford. Drama enmarcado en la pampa argentina de principios del SXX. Dos hermanos, un amor tan imposible como inevitable… la misma sangre, fluyendo descontrolada en un torrente de pasión. Juan y Ada, una misma respiración fatal. Y el mundo, afuera, acusándolos en silencio, con sus cánones y preceptos, corroyendo los corazones de este desgraciado amor. La mirada inquisidora de la madre muerta. Un padre negador, y desesperado por la decadencia de sus tierras inundadas. Un terrateniente, impune, obsesionado con Ada, dispuesto a salvar los bienes de la familia a cambio de ser su dueño. Una criada amorosa y cómplice. Un criado siniestro y especulador. El Amor se impone, se torna irreversible en estas dos criaturas marcadas por un destino del que no pueden escapar. Es una obra bella y el espectador se siente atrapado en ese entramado apasionante; a veces con pudor, a veces con compasión, a veces con angustiado rechazo… pero siempre, como testigo omnipresente de un hechizo imposible de romper.

 ¿Dónde ir a verlas?

30 días  de Matías Catopodis con  Mario Petrosini, Julieta Botino, Nayla Noya y Francisco Ramallal. Domingos 19hs en el Teatro La Tertulia. Gallo 826

 Golpes a mi puerta de Juan Carlos Gené con dirección de Eduardo Graham y actuaciones de Daniela Catz, Maia Francia, Camilo Parodi, Mario Petrosini, Ariel Guazzone, silvina Katz, Silvia Trawier, Agustina Iparraguirre, Pablo Oubiña y Leonardo Díaz. Viernes a las 20.30 en el Teatro Andamio ´90. Paraná 660

Los Hechizados de Héctor Levy-Daniel con Pablo Razuk, Maia Francia, Martín Ortiz, Silvia Villazur, César André y Enrique Papatino. Domingos 19hs en el  Teatro NoAvstruz. Humboldt 1857

GABRIEL WOLF es actor y director. En 1985 mientras estudiaba en Escuela Nacional de Arte Dramático (hoy IUNA) conformó junto a otros actores como Daniel Casablanca y Martin Salazar el grupo teatral, Los Macocos, emblema de la comedia de humor bizarro y delirante. Además de una basta carrera  en las tablas, Wolf trabajó en cine y televisión y como docente. Hoy está en cartel con El Ratón, espectáculo que dirige.

¿Qué espectáculos recomendás?

Dos obras de Alejandro Acobino, Hermanito y Absentha. Ambas en el Teatro Del Abasto. Enormes textos de este autor que, lamentablemente, tuvo una muerte temprana y trágica. Además, las actuaciones son excelentes.

¿Por qué recomendarías El ratón?

Porque es una gran oportunidad para conocer y compartir el ”planeta Masliah”, en todas sus formas: paradojas, ruptura de lo esperado, el sentido paralelo de sus textos, la lógica de lo ilógico, personajes queribles y tiernos, y por supuesto muchísimo humor a cargo de un elencazo.

¿Dónde ir a verlas?

Hermanito de Alejandro Acobino con Rodolfo Demarco y Fernando Gonet y coordinada por Ezequiel Delfino. Sábados 23:30 hs. Teatro del Abasto- Humahuaca 3549.

Absentha de Alejandro Acobino con Rodolfo Demarco, Jose Mehrez, Fernando Migueles y Germán Rodríguez y con dirección de Ana Sánchez. Viernes 23:30 hs. Teatro del Abasto- Humahuaca 3549

El ratón de Leo Maslíah con Pierre Marquille, Olivier Noel, Laura Verra, Carolina Kasimierski, Mariela Aracena con dirección de Gabriel Wolf. Viernes 23:15 hs. Teatro Andamio 90- Paraná 662.

La dramaturga y directora, Mariana Mazover, elige en esta nueva pieza abordar el proceso de escritura desde la comunión con los actores, dramaturgia del actor. Una forma de creación ya elegida en su anterior trabajo, Piedras dentro de la piedra. Si bien, ambas piezas parten de la misma concepción, el resultado es muy diferente. En esta segunda puesta, Mazover crea un universo onírico en el que se vislumbran cientos de relatos que construyen la trama. Si en Piedras dentro de la piedra la influencia literaria por excelencia es Fogwill, en Esquinas en el cielo resulta imposible dar cuenta de sólo una. Silvina Ocampo, Clarice Lispector, Liliana Heker y Enrique Whernike están allí presentes –es la propia autora quien los menciona como inspiración de esta propuesta- pero, incluso,  la pieza parece no escapar a otros relatos. La vida es sueño de Calderón de la Barca y Esperando a Godot  de Samuel Beckett, por mencionar sólo algunos, aparecen como una influencia casi inconsciente en la historia de estos tres personajes, analogías del tiempo detenido y el absurdo beckettiano y el encierro y los sueños de Segismundo.

Lucrecia, interpretada por Alejandra Carpineti, es una niña encerrada en su habitación. Allí juega, aprende, come, duerme, vive y espera el regreso de su madre. Su padre, el señor Cristófanes, en la piel de Daniel Begino, la mantiene allí con la esperanza de que si cumple con las órdenes de éste y si se convierte en una joven instruida podrá salir cuando esté preparada. El día nunca llega y la niña encerrada allí, desde no se sabe cuándo, no podrá nunca salir al mundo. Pero la pregunta es ¿conoce Lucrecia ese lugar al que ansía ir? ¿Sabe qué le espera afuera? Su padre tiene las respuestas aunque no las brinde y decida evadir la insistencia y ansiedad de la niña con promesas incumplidas, regalos y juegos misteriosos y con la llegada de institutrices que no quieren quedarse pero que no pueden escapar. Adela, Lala Mendía, es la nueva institutriz ¿será la última? Llega con entusiasmo para enseñarle francés.

Adela: Buen día.

Lucrecia: Tarde. Llegás tarde. Mi rutina de estudios comienza con el primer rayo de sol. “Yo pensé: voy a vigilar mi proceder…”
Adela: ¿Cómo? No te oí bien … ¿cómo?

Lucrecia: Salmo 39. Estoy repasando.

Adela: ¡Ah, muy bien! Ya me había dicho un pajarito que eras de lo más aplicada… ¡Nos vamos a llevar de maravillas!

Pero pronto Adela da cuenta de algo siniestro en esa casa. Lucrecia la quiere, la siente especial, distinta a las otras y le pide que no se vaya aunque ésta querrá irse y el padre el encargado de retenerla. De esta manera, se teje entre los personajes una relación tríadica en que el poder circula de uno a otro. La débil niña se convierte en poderosa y macabra cuando somete a Adela a sus retorcidas reflexiones y su constante manipulación. Pero la segunda mujer, que quiere liberarse, busca tenerla de aliada, tenderle una trampa y cuando parece que el poder está en sus manos, llega el señor Cristófanes para arrebatárselo y así, una vez más, la lucha de poderes vuelve a comenzar. La trama cíclica no tiene fin hasta que surge un elemento disruptivo, y después otro y otro más, lo cual genera la intriga permanente del público.

Alejandra Carpineti sorprende en la composición de esa niña que paradójicamente mezcla dulzura e inocencia con maldad y perversión. Una especie de infancia corrompida por el delirio de su padre y de las circunstancias a las que está sometida. La actriz asume el riesgo de la interpretación de tales características e inscribe en la gestualidad y los movimientos aquellas marcas necesarias para hacer de Lucrecia un personaje necesariamente ambiguo. Por su parte, Daniel Begino encarna al padre en una construcción acertada del personaje. Sin grandilocuencias, con gestos mínimos y presencia escénica el actor otorga monstruosidad a ese hombre de apariencia amable. Finalmente, Lala Mendía presta su cuerpo a la mujer correcta, educadora que es corrompida por lo siniestro de esa casa. Su apariencia física se somete a la debacle final de Adela mientras crece la dramaticidad con la que se tiñe la historia de esta mujer. Una excelente interpretación de la actriz.

La escenografía de Esquinas en el cielo es impecable. Predominantemente rosada –símbolo de femineidad e infancia- y con pocos y muy pequeños muebles, se acentúa la espacialidad reducida y agobiante. Una puerta prepondera en el escenario y, aunque también pequeña, magnifica el deseo de escapatoria. Todos los elementos en el espacio adquieren significación, producen metáforas y la posibilidad de crear la atmósfera del sometimiento y del peligro constante. El diseño de luces complementa la visión estética de esta pieza sin puntos débiles y con muchas imágenes que mostrar.

Esquinas en el cielo de Mariana Mazover

¿Quiénes? Alejandra Carpineti, Daniel Begino y Lala Mendía

¿Dónde? Teatro La Carpintería . Jean Jaures 858

¿Cuándo? Domingos 20 hs

¿Cuánto? $70 y $50

Jorge Acebo es profesor y director de teatro. Estudió en el Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA) y en el Colegio Superior de Artes del Teatro y la Comunicación (COSATyC). Como actor se formó con Raúl Serrano, Alejandra Boero y Luciano Suardi, entre otros. Entre sus tantos trabajos autorales se destacan Solas no más (co-escrita con Javier Daulte y Matías Herrera), La felicidad según Mabel Riviere  y Cuando el tiempo está después recientemente estrenada.

¿Por qué elegís dirigir?

Dirigir es como “decir” y siento que tengo muchas cosas que quiero contar en el teatro. Es que además de ser director, soy autor, y me resulta muy tentador poder trabajar con lo que escribo. Lejos de un lugar de poder hegemónico, para mí, la tarea de la dirección tiene que ver con facilitar y coordinar la tarea de todos los que participan y aúnan sus criterios  para contar lo mismo en un espectáculo […] con el aporte que hace cada uno. 

¿Qué obra de teatro deseas poner en escena?

Me encantaría dirigir La vida es sueño, de Calderón de la Barca. Siento que es un trabajo tan auténtico como desgarrador. Es pasión pura. Igualmente, me gustaría hacerlo más adelante. En esta cuestión de querer contar historias de la que hablaba, me embarco en proyectos más personales. Y por este motivo decidí escribir una versión propia y contemporánea de La vida es sueño. Quizás dentro de un tiempo logre dirigir este increíble clásico. Uno nunca sabe…

¿Qué espectáculo recomendás ver?

La razón blindada porque es un material teatral muy nuestro que se mete con una historia tan triste y cruel como olvidada. Escrita por Arístides Vargas, que es uno de los grandes olvidados que tenemos en nuestro país, que se hizo reconocido en el exilio. Un trabajo de mucha poesía dirigido con la delicadeza de Florencia Suarez Bignoli e interpretado por Roberto Monzo y Daniel Begino.

Mariano Moro es director, dramaturgo y psicólogo oriundo de la ciudad de Mar del Plata. Fundó la compañía Los del verso. Debutó como autor y director en Matarás a tu madre, premiada con un Estrella de Mar en el 2000. Le siguieron Edipo y Yocasta, La suplente, Fraternidad, Azucena en cautiverio y Jesucristo, todas galardonadas. En la actualidad dirige Alfonsina y los hombres.

¿Por qué elegís dirigir?

Es mi modo de concretar fantasías y enriquecerlas en el camino, a través de los otros, de guiarlos y, a la vez, dejarlos irrumpir. Es una vía para conocer el mundo y soñarlo mejor, para conocerme y mejorarme, hasta donde la materia prima permite.

¿Qué obra de teatro deseas poner en escena?

¡Tantas! El gran teatro del mundo de Calderón de la Barca por el deseo de religar el teatro con la ceremonia sagrada, con la filosofía y la poesía. Por amor al autor, a su época y al idioma.

¿Qué espectáculo recomendás ver?

¿Con todo y tanto como hay? Tierra del fuego, de Mario Diament. Un Vania, versión de Marcelo Savignone. Hablemos a calzón quitado, en El Duende, conmovedor trabajo actoral de Ulises Pafundi.

Virginia Lombardo es actriz y directora. Estudió en el Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA). En cine realizó participó en Leopoldo Arregui, No place to hide y Frontera sur.  En teatro actuó en Juegos a la hora de la siesta, Hamlet y Azul Profundo, entre otras. También ha trabajado como actriz en televisión en El garante, Vulnerables y Maltratadas. Actualmente es directora de Interviú, El diván, Sueño de una noche de verano y Continente viril.

¿Por qué elegís dirigir?

Siempre me gusto dirigir y los alumnos me enseñaron. Es muy potente tener la noción completa del relato e ir hilvanando las situaciones hasta configurar el fino hilo de la trama, la ficción va sucediendo de a poco y -cuando funciona- el placer de ser una simple observadora es enorme.

¿Qué obra de teatro deseas poner en escena?

¡Un clásico! He tenido la suerte de hacer varios pero me encantaría volver a transitar ese camino. Se aprende un montón trabajando en un clásico y una de las cosas que más me gustan en esta profesión es aprender.

¿Qué espectáculo en cartel recomendás ver?

Podría recomendarles uno de los cuatro espectáculos que tengo en escena. Los cuatro me encantan y me expresan, pero lo mejor que he visto en el año es Emilia de Claudio Tolcachir. Ojalá llegue a esa hondura y perfección artística, como actriz y directora.

Recomendaciones:

Tierra del fuego de Mario Diament. Funciones: sábados a las 20hs en El Tinglado. Dirección: Mario Bravo 960.  Entrada: $120.

Un Vania versión de Marcelo Savignone. Funciones: sábados 22.30 hs en La Carpintería, Jean Jaures 858. Entrada:  $70

Hablemos a calzón quitado de Guillermo Gentile. Funciones: Sábados 22 hs y domingos 17 hs. Teatro El Duende, Aráoz 1469. Entrada: $ 70

Emilia de Claudio Tolcachir. Funciones: jueves 21 hs,  viernes y sábados 21 hs y 23.15 hs. Teatro Timbre 4, Boedo 640. Entrada general: $90

La razón blindada de Arístides Vargas. Funciones: sábados a las 22.30 hs en Andamio 90, Paraná 660. Entrada general: $70

Más datos:

Alfonsina y los hombres dirigida por Mariano Moro se presenta los martes a las 21 horas en el teatro El extranjero, Valentín Gómez 3378. La entrada es de $70.

Cuando el tiempo está después de Jorge Acebo se presenta los viernes a las 21.30 hs en el teatro Payró, San Martín 766. La entrada es de $70.

Continente Viril dirigida por Virginia Lombardo se presenta los viernes a las 21 horas en el Teatro Belisario, Av. Corrientes 1624. Entrada $ 70 // Interviú, los viernes a las 21:00 hs. en El Vitral, Rodríguez Peña 344 //El diván está los domingos a las 19 hs en el Centro Cultural Ricardo Rojas, Av. Corrientes 2038 //  Sueño de una noche de verano se presenta los sábados a las 19.15 hs en el teatrl El vitral en Rodriguez Peña 344. Entrada $60.

“Durante muchos años pensé en abordar una obra sobre el conflicto palestino-israelí. Me parecía un tema trágico y actual, estrechamente vinculado a mis preocupaciones personales, pero más aun, un conflicto cuyas resonancias son universales. Esencialmente, lo veía como una historia de dos injusticias atrapadas en un circulo violento de acusaciones mutuas, donde la verdad oscila como péndulo, dependiendo de quién cuenta la historia”

Mario Diament

El director de teatro Daniel Marcove decide poner en escena una historia que en principio se ancla en la distancia temporal y espacial. Se trata de aquello que sucede en medio oriente desde inicios del siglo XX. Se suma a esta especie de condicionantes que el conflicto entre árabes e israelitas resulta complejo y de difícil comprensión. A lo largo de la historia, la lucha entre estos pueblos no ha cesado. Ambos esgrimen razones históricas y religiosas por las que consideran su derecho legitimo sobre el territorio en disputa, la tierra “santa y prometida” ¿Cómo sortear toda esta serie de condiciones previas y resultar una propuesta teatral de contundencia?

En principio, se podría decir que un texto construido con rigor histórico es garantía para el espectáculo. Sin lugar a dudas es un elemento importante pero resulta sumamente potenciador en tanto ese rigor histórico construye con maestría una neutralidad tan necesaria como difícil de lograr para comprender que en el fondo de la cuestión hay mucho más que razones religiosas. Mario Diament, autor de Tierra del Fuego evidencia un estudio historiográfico impecable y lo expresa en las individualidades, en la piel de quienes han sufrido y siguen sufriendo las consecuencias de un conflicto en el cual la diplomacia falló más de una vez.

Alejandra Darin en Yael, una azafata israelí que a sus 22 años fue víctima de un atentando en el avión en que viajaba. Como consecuencia del mismo falleció su mejor amiga. Veinte años después decide encontrarse con el autor del ataque, Jazán (Pepe Monje), detenido en una cárcel de Londres tras haber sido condenado a cadena perpetua.  Inspirada en un hecho real, Tierra del Fuego busca imaginar cómo fue ese encuentro entre Yulie Cohen y Fahad Mihyi, los verdaderos protagonistas de la historia.

¿Por qué visitar a quien quiso asesinarla? ¿Qué razones tuvo Mihyi para recibirla? ¿Qué sucedió cuando estuvieron frente a frente? Son algunos de los interrogantes que disparan la obra e intenta contestar. El resultado es la proximidad de comprensión de esas almas turbulentas, incomprendidas por un pasado demasiado cruel y un presente irracional que aun no puede redefinirse. “La paz de la que usted habla es diferente a la paz de la que nosotros hablamos”, sentencia Jazán y con ello esgrime la frase que ayuda a comprender por qué es tan difícil el fin de la guerra mientras que Yael intenta vislumbrar una salida. “Perdimos incontables oportunidades de hacer la paz”, afirma con la esperanza de un futuro reflexivo que no pierda más oportunidades.

Pero ellos no están solos. Juan Carlos Ricci interpreta al abogado de Jazán quien intenta convencer a Yael que firme una carta que podría contribuir a conseguir la libertad condicional de su defendido. Ricardo Merkin en el rol de esposo de Yael no puede comprender porqué visitar al asesino de su mejor amiga quien podría haberla matado a ella también. Tan grande es su incomprensión y el dolor que ello genera que decide alejarse en busca de recuperar la vida perdida. Por su parte, Elena Petraglia es la madre que no sólo no perdona ni olvida el asesinato de su hija sino que no acepta ni aceptará la visita de Yael a Jazán. “Estás loca”, le dice una y otra vez. En la búsqueda de evitar la culpa y autocomprenderse y justificarse, la protagonista de la historia visita a su padre interpretado por Miguel Jordán, éste vivió en carne propia la crueldad de la guerra, fue participe activo  y la sangre de las víctimas lo salpican. Yael no encuentra consuelo en sus palabras sino mayor confusión. Sólo puede asegurar  que de uno y otro lado sufren y mueren inocentes, algo que debería ser suficiente para dialogar, confraternizar con el otro, “enemigos” para algunos, “victimas como ellos” para otros.

Con un elenco de actuaciones sólidas que acentúan las tantas aristas que tienen cada personaje en su relación con la historia es que Tierra del fuego resulta un espectáculo contundente. Cada personaje se articula con los otros de modo tal que las dudas de unos son las certezas de otros al igual que las vivencias de unos son las tragedias de otros o, como dice Jazán, “la estrella de David es para nosotros lo que es la esvástica para ustedes”.

Esta intrincación se genera no sólo en la palabra sino también en la puesta en escena. Marcove recurre a construir un espacio completo en el que las escenas se suceden unas a otras sin cambios escénicos. El diseño y la puesta de luces junto con la musicalización  posibilitan transcurrir de una escena a otra prescindiendo de largos apagones lo cual mantiene la tensión y somete al espectador a una vigilia permanente. A su vez los actores nunca abandonan el escenario, están allí durante todo el espectáculo, sólo en las sombras cuando la trama cobra dimensión en el cuerpo de otros actores. De modo tal que ellos están sometidos a la misma tensión, a la misma vigilia y al asecho de lo que suceda, como en la guerra.

Hace 21 años por iniciativa de Flavio Daniel González nacía en esta ciudad el primer encuentro de titiriteros. Una especie de homenaje para los artistas azuleños que hicieron de su arte una forma de vida y que lograron con la magia de sus muñecos el reconocimiento internacional. Por entonces, era casi impensada la trascendencia que hoy tiene este evento pero el esfuerzo de sus organizadores y la predisposición del público que acompañó la iniciativa hizo posible que tantos años después este evento convoque a cientos de artistas nacionales e internacionales y a  espectadores más allá de las fronteras municipales.

El titiritero, Flavio Gonzalez y la secretaria de Cultura de la Municipalidad de Azul, Estela Cerone, relatan en esta entrevista la historia de este festival, cómo se  organiza en la actualidad. Además, brindan las razones por las cuales  quienes están cerca no pueden dejar de ir a este evento en el que la diversión y la magia prometen no faltar.

¿Cómo se realiza la convocatoria de las compañías? 

Estela Cerone: Siempre intentamos que participen compañías de la región, del país y del exterior. En esta edición hay compañías de Chile y de Cuba. Cada año, nos visitan nuevos titiriteros que no sólo nos presentan una obra sino también nos cuentan historias sobre su región y su país. En general Flavio González es quien trae las propuestas y consensuamos en conjunto.

¿Existe alguna entidad  privada que brinde su aporte para que se realice el festival?

E.C: Este es un proyecto de co-gestión público/privado. El Estado municipal aporta un porcentaje del monto total del festival, además de aportar publicidad y colaborar en la logística y otras cuestiones. Creemos que este Festival -después de 21 años- tiene un valor muy importante en nuestra sociedad en la que los títeres son parte de la vida de los chicos y de los grandes, teniendo en cuenta que de nuestra ciudad salieron grandes titiriteros.

¿Qué actividades llevan a cabo en conjunto con las escuelas?

E.C: El trabajo con las escuelas consiste en diagramar un cronograma de funciones gratuitas para escuelas urbanas y rurales, a las que este año se le suman funciones en los barrios de Azul. Junto con las inspectoras del nivel correspondiente, se arma una grilla para que las funciones puedan abarcar la mayor cantidad de chicos tanto del radio urbano como del ámbito rural para que todos los chicos puedan ver una función. Luego se trabaja en la difusión y el contribuir con el  traslado de los chicos de los ámbitos más desfavorables.

En principio, poco se sabe sobre este personaje. Ni quién es, de dónde viene y –menos aun- a dónde va. Esta intriga suele ser un elemento disparador en los espectáculos clownescos, una especie de partir de la nada para ir construyendo la historia casi en diálogo con el público que cumple aquí un rol central. A diferencia de otros géneros, los payasos suelen alimentarse de lo que pasa en las butacas: las risas de los espectadores, sus gestos, las actitudes que toman frente a lo que sucede puede transformar radicalmente el hecho artístico tanto es así que si el artista sabe cómo utilizarlo a favor, el espectáculo se potencia.

Darío Levin es uno de esos clown que saben utilizar a favor lo que sucede en la interacción con el público: si los espectadores tienen risas contagiosas, él las imita y si alguno lo seduce, él busca la conquista. Este diálogo siempre resulta un elemento que -más allá de la vergüenza que suscita en algunos- divierte, en una especie de reírse de si mismo (clave del clown). Si el miedo al ridículo es superado, el espectáculo está garantizado.

El personaje transita un espacio desconocido. Conectado a una máquina trata de liberarse en busca de elementos que le ayuden a saber qué hace ahí. De a poco, nos vamos enterando que está en algún lugar del espacio, que llegó –quizás- en una nave espacia. Pero la duda continua porque aun desconoce quiénes son sus progenitores ¿será una especie de perra Laika arrojada al espacio o es un experimento de la ciencia? Nunca se sabe, el espectáculo genera pistas pero ninguna exactitud. Entonces, cada espectador saca sus propias conclusiones y reconstruirá la historia si sabe cómo leer las pistas del juego.

Bajo la dirección de Guillermo Angelelli -quien conoce con maestría el género- la puesta en escena resulta convincente en tanto los elementos que están en el escenario ayudan a construir la trama de la historia, son esos casilleros del juego en el que encuentra una sorpresa que te acerca a la meta que, para el público, se traduce en risa. Una propuesta para no dejar de ver.

Ficha artística-técnica
Dirección y dramaturgia: Guillermo Angelelli

Es la azafata, la cajera, la secretaria, la maestra.

Es la modelo del cartel que me enamora

En el teatro, como en muchos otros ámbitos, existen ciertos sellos de calidad que aseguran el producto. Funcionan como enganche no sólo para los espectadores sino también para la crítica especializada que ocupa su butaca con expectativas elevadas. Ciertamente, es el valor agregado que otorga el reconocimiento o popularidad del autor, director o de los actores. Bajo este postulado, la obra se presume bueno o muy bueno. Por esa razón, el trabajo del crítico resulta mucho más complejo, casi inverso al convencional. Debe dejar de lado los presupuestos para dar con las razones que reafirman la excelencia de la obra o dar con las falencias que echan por tierra los sellos de calidad. Me duele una mujer es esa clase de espectáculo. El director y autor, Manuel Gonzalez Gil llega a una sala del teatro independiente después de un largo recorrido por el mundo del mal llamado “teatro comercial”. Por esta razón, que uno de sus espectáculos hoy forme parte de la cartelera de un teatro como El Tinglado, perteneciente al “circuito off” -otra denominación un tanto caduca- no es un dato menor. Muchos de los espectáculos dentro de este circuito superan con creces en calidad y cantidad de espectadores a aquellos del “comercial”. Lejos de aventurar razones para este espectáculo, cierto es que la apuesta es grande y el resultado exitoso.

Miguel Sánchez (Adrian Batista) sufre como un niño adolescente el desamor, el abandono reciente de Paula no lo puede superar. Tanto es así, que ve a su mujer amada en todas las mujeres con las que se cruza. Todas y ninguna es Paula. Pero no está solo, lo apuntalan dos personajes que bien podrían ser su inconsciente. Una especie de Ello (Luis Longhi) y de Super-yo (Omar Khun) que lo aconsejan al mejor estilo freudeano. Los tres asisten a las sesiones de Miguel con su psicóloga (Fernanda Gonzalez Caride) que ya con hastío trata de hacer efectivo el tratamiento pero nada parece resultar y así pasan los meses. El argumento es sencillo y cotidiano. Cualquiera de los espectadores puede sentir una clara identificacion con Sánchez. Por esta razón y por ser un texto muy bien escrito es que funciona. Por un lado, porque en cada escena se presenta un micro conflicto que se enlaza con el totalizador: no poder olvidar el amor-. Por otro lado, porque todo esto se cuenta en clave humor de manera tal que el penar del desamor resulta paradojicamente cómico.

Esto no sería posible de no ser por las sólidas actuaciones del elenco. Batista se destaca por la composicion de ese hombre compungido y sorprende cuando canta. Aqui radica otro de los aciertos del director en incorporar elementos del musical, lo cual agrega ritmo a las escenas. Longhi y Khun componen dos personajes ambiguos, bien podrían ser amigos o el angel y el demonio del inconciente. La oposición entre ambos otorga no sólo comicidad sino también la posibilidad de pensar que “en materia de amor no hay una única respuesta”. Gonzalez Caride es la protagonista mujer que encarna a todas las mujeres y eso la coloca en una posición más compleja. Cada personaje aunque no son el mismo tienen algo en común, algo de Paula. Y en este aspecto, es que la actriz interpreta fortuitamente cada uno de ellos pero sin grandes particularidades  -más alla de la mencionada, y necesaria, familiaridad-.

En cuanto a la puesta en escena resulta acorde con las intenciones de la historia. El montaje escenográfico es austero, necesariamente austero. La importancia radica en lo que se cuenta, en los personajes, en esa historia de amor por lo cual grandes artefactos escenográficos no harían más que opacar. Por otra parte, la multiplicidad de espacios no deja lugar a complejas escenografías. De esta manera, lo resolutivo parece ser la clave.

Me duele una mujer, es una propuesta elocuente, divertida y contundente de un director que demuestra -como lo ha hecho tantas veces- que tiene oficio y sabe contar las historias, esas pequeñas historias de café que  todos tenemos.

Ficha Técnica: