En diciembre queda mucho para ver. Algunas recomendaciones para este fin de semana:

El grupo de titiriteros El Bavastel cumple  20 años y para festejarlo invita al público a ver tres de sus espectáculos. Este elenco se formó en 1993 por cuatro artistas de diferentes disciplinas que decidieron unirse en pos de un proyecto creativo diferente.

Podés verlos en el CELCIT -Moreno 441

Viernes 6 de diciembre -21 HS: MATRIZKA

Es una metáfora sobre los mandatos familiares de las mujeres. Este teatro de objetos, tiene como elemento principal a la tradicional muñequita rusa que encierra dentro de sí otras muñequitas más pequeñas.

Sábado 7 de diciembre a las 21 hs: LAS VUELTAS DE LA VIDA

Es la historia de dos amigos de barrio, una calesita y los recuerdos de otros tiempos

Domingo 8 de diciembre a las 18 hs: POPIGAMI

Tiene como protagonista a un niño que se prepara para salir de campamento y estudia los detalles del lugar que visitará

* Los dos primeros espectáculos están destinados a un público adulto mientras que el último está pensado para los niños

Festival de Teatro Samuel Beckett:

Este fin de semana termina la octava edición del festival de teatro de Buenos Aires que lleva el nombre del reconocido poeta, dramaturgo y crítico irlandés. Uno de los exponentes más representativos del teatro del absurdo. Este festival tiene como objetivo no sólo difundir la obra del artista irlandés sino también de dar a conocer el trabajo de actores y directores argentinos que retoman su obra y construyen nuevas poéticas sumamente interesantes.

Viernes 6 de diciembre a las 21 hs en el teatro La Mueca – Cabrera 4255: ACTO SIN PALABRA

Pone en escena un personaje sin atributos, el sumun del pensamiento beckettiano se despliega en esta obra que plantea desolación, precariedad, fracaso y la perfidia de un sujeto sin referencias. Sin palabras, la obra habla del cansancio y la decrepitud del cuerpo, del fracaso y la despersonificación que Samuel Beckett pudo avizorar del mundo contemporáneo.

Sábado 7 de diciembre a las 22 hs en el teatro La Mueca: ATADO AL CUELLO

Maia Francia

 ¿Qué espectáculos recomendás?

 30 días de Matías Catopodis. Es una obra montada de una manera sencilla, austera y poco pretenciosa, pero con una hondura y vuelo, como he visto pocas veces. Un texto que se pregunta y nos pregunta cosas brutales de manera sencilla. El impacto es poderoso, estremecedor. Pasan días y aún quedan resonando los diálogos. Los actores son exquisitos, e interpretan con abrumadora ternura todas las aristas de sus atribulados corazones. Dan ganas de llevarse a esos personajes en un bolsillo, para arroparlos todas las noches. Un matrimonio desencontrado, desconcertado, preso de sus frustraciones. Un adolescente adoptado, “ahogado de sitios ocultos que albergan ira” y que decide convertirse en un vegetal el día de su cumpleaños para poder “observar con distancia”. Una muchacha especial, de “ojos cálidos que abrigan”, aparece en esta casa con un secreto y la intención de limpiar, en 30 días, todo el polvo que ha tapado el inmenso amor dormido de esta familia. El conflicto juega con naturalidad, en lo trágico que tiene la comedia, y en lo cómico que tiene lo trágico. Uno se encuentra riendo con cierto pudor porque sabe que esa risa nerviosa no es otra cosa que empatía cuando algo toca fibras personales. Atraviesa la cuarta pared y el espectador se apropia, se compadece, se identifica, se entristece, se enoja, se escandaliza… dejamos de ser espectadores pasivos mirando un friso ajeno, para convertirnos en voyeristas. Admiro a Matías Catopodis sencillamente porque sus “mundos” me conmueven, me transforman. No pueden dejar de ver esta pieza preciosa.

 ¿Por qué recomendarías ir a ver las obras en las que estás trabajando?

Golpes a mi puerta es la obra maestra de Juan Carlos Gené. Es el texto más elevado, complejo, comprometido y perfecto de toda la dramaturgia nacional. Años 70, algún país latinoamericano, bajo la violencia de una invasión disfrazada de guerra civil, contra un gobierno que realiza reformas populares. Un joven rebelde, militante de la resistencia a la invasión, es perseguido y encuentra, desesperado, refugio en la casa de las hermanas Ana y Úrsula, dos monjas que, viviendo el evangelio entre los más humildes, no usan hábito “para no diferenciarse de la gente”. El inesperado huésped desencadena toda clase de interrogantes que pondrán en juego la congruencia de sus decisiones con su opción de vida, el rol evangélico que les toca desempañar, el riesgo, las dudas, los miedos y el amor… “¿Se volvieron todos locos? ¿Dios nos abandonó?”, se pregunta Úrsula. “¿Dónde estaban ellos, los que torturan? No nacieron de pronto como un hongo inmundo generado por la invasión? Estaban aquí, esperando su momento, pero no los veíamos… son compatriotas.”, se pregunta Ana.

Hay que ver esta obra para que el corazón se estremezca frente el horror que fue, que es y que será, sino somos capaces de abrazarnos, de una vez y para siempre al Amor y a la Justicia. Es una obra que me transformó completamente. Y que transforma al espectador sin lugar a dudas.

Los Hechizados de Héctor Levy-Daniel es una preciosa pieza escrita de manera potente y perturbadora. Inspirada, libremente, en Lástima que sea una puta de John Ford. Drama enmarcado en la pampa argentina de principios del SXX. Dos hermanos, un amor tan imposible como inevitable… la misma sangre, fluyendo descontrolada en un torrente de pasión. Juan y Ada, una misma respiración fatal. Y el mundo, afuera, acusándolos en silencio, con sus cánones y preceptos, corroyendo los corazones de este desgraciado amor. La mirada inquisidora de la madre muerta. Un padre negador, y desesperado por la decadencia de sus tierras inundadas. Un terrateniente, impune, obsesionado con Ada, dispuesto a salvar los bienes de la familia a cambio de ser su dueño. Una criada amorosa y cómplice. Un criado siniestro y especulador. El Amor se impone, se torna irreversible en estas dos criaturas marcadas por un destino del que no pueden escapar. Es una obra bella y el espectador se siente atrapado en ese entramado apasionante; a veces con pudor, a veces con compasión, a veces con angustiado rechazo… pero siempre, como testigo omnipresente de un hechizo imposible de romper.

 ¿Dónde ir a verlas?

30 días  de Matías Catopodis con  Mario Petrosini, Julieta Botino, Nayla Noya y Francisco Ramallal. Domingos 19hs en el Teatro La Tertulia. Gallo 826

 Golpes a mi puerta de Juan Carlos Gené con dirección de Eduardo Graham y actuaciones de Daniela Catz, Maia Francia, Camilo Parodi, Mario Petrosini, Ariel Guazzone, silvina Katz, Silvia Trawier, Agustina Iparraguirre, Pablo Oubiña y Leonardo Díaz. Viernes a las 20.30 en el Teatro Andamio ´90. Paraná 660

Los Hechizados de Héctor Levy-Daniel con Pablo Razuk, Maia Francia, Martín Ortiz, Silvia Villazur, César André y Enrique Papatino. Domingos 19hs en el  Teatro NoAvstruz. Humboldt 1857

GABRIEL WOLF es actor y director. En 1985 mientras estudiaba en Escuela Nacional de Arte Dramático (hoy IUNA) conformó junto a otros actores como Daniel Casablanca y Martin Salazar el grupo teatral, Los Macocos, emblema de la comedia de humor bizarro y delirante. Además de una basta carrera  en las tablas, Wolf trabajó en cine y televisión y como docente. Hoy está en cartel con El Ratón, espectáculo que dirige.

¿Qué espectáculos recomendás?

Dos obras de Alejandro Acobino, Hermanito y Absentha. Ambas en el Teatro Del Abasto. Enormes textos de este autor que, lamentablemente, tuvo una muerte temprana y trágica. Además, las actuaciones son excelentes.

¿Por qué recomendarías El ratón?

Porque es una gran oportunidad para conocer y compartir el ”planeta Masliah”, en todas sus formas: paradojas, ruptura de lo esperado, el sentido paralelo de sus textos, la lógica de lo ilógico, personajes queribles y tiernos, y por supuesto muchísimo humor a cargo de un elencazo.

¿Dónde ir a verlas?

Hermanito de Alejandro Acobino con Rodolfo Demarco y Fernando Gonet y coordinada por Ezequiel Delfino. Sábados 23:30 hs. Teatro del Abasto- Humahuaca 3549.

Absentha de Alejandro Acobino con Rodolfo Demarco, Jose Mehrez, Fernando Migueles y Germán Rodríguez y con dirección de Ana Sánchez. Viernes 23:30 hs. Teatro del Abasto- Humahuaca 3549

El ratón de Leo Maslíah con Pierre Marquille, Olivier Noel, Laura Verra, Carolina Kasimierski, Mariela Aracena con dirección de Gabriel Wolf. Viernes 23:15 hs. Teatro Andamio 90- Paraná 662.

La dramaturga y directora, Mariana Mazover, elige en esta nueva pieza abordar el proceso de escritura desde la comunión con los actores, dramaturgia del actor. Una forma de creación ya elegida en su anterior trabajo, Piedras dentro de la piedra. Si bien, ambas piezas parten de la misma concepción, el resultado es muy diferente. En esta segunda puesta, Mazover crea un universo onírico en el que se vislumbran cientos de relatos que construyen la trama. Si en Piedras dentro de la piedra la influencia literaria por excelencia es Fogwill, en Esquinas en el cielo resulta imposible dar cuenta de sólo una. Silvina Ocampo, Clarice Lispector, Liliana Heker y Enrique Whernike están allí presentes –es la propia autora quien los menciona como inspiración de esta propuesta- pero, incluso,  la pieza parece no escapar a otros relatos. La vida es sueño de Calderón de la Barca y Esperando a Godot  de Samuel Beckett, por mencionar sólo algunos, aparecen como una influencia casi inconsciente en la historia de estos tres personajes, analogías del tiempo detenido y el absurdo beckettiano y el encierro y los sueños de Segismundo.

Lucrecia, interpretada por Alejandra Carpineti, es una niña encerrada en su habitación. Allí juega, aprende, come, duerme, vive y espera el regreso de su madre. Su padre, el señor Cristófanes, en la piel de Daniel Begino, la mantiene allí con la esperanza de que si cumple con las órdenes de éste y si se convierte en una joven instruida podrá salir cuando esté preparada. El día nunca llega y la niña encerrada allí, desde no se sabe cuándo, no podrá nunca salir al mundo. Pero la pregunta es ¿conoce Lucrecia ese lugar al que ansía ir? ¿Sabe qué le espera afuera? Su padre tiene las respuestas aunque no las brinde y decida evadir la insistencia y ansiedad de la niña con promesas incumplidas, regalos y juegos misteriosos y con la llegada de institutrices que no quieren quedarse pero que no pueden escapar. Adela, Lala Mendía, es la nueva institutriz ¿será la última? Llega con entusiasmo para enseñarle francés.

Adela: Buen día.

Lucrecia: Tarde. Llegás tarde. Mi rutina de estudios comienza con el primer rayo de sol. “Yo pensé: voy a vigilar mi proceder…”
Adela: ¿Cómo? No te oí bien … ¿cómo?

Lucrecia: Salmo 39. Estoy repasando.

Adela: ¡Ah, muy bien! Ya me había dicho un pajarito que eras de lo más aplicada… ¡Nos vamos a llevar de maravillas!

Pero pronto Adela da cuenta de algo siniestro en esa casa. Lucrecia la quiere, la siente especial, distinta a las otras y le pide que no se vaya aunque ésta querrá irse y el padre el encargado de retenerla. De esta manera, se teje entre los personajes una relación tríadica en que el poder circula de uno a otro. La débil niña se convierte en poderosa y macabra cuando somete a Adela a sus retorcidas reflexiones y su constante manipulación. Pero la segunda mujer, que quiere liberarse, busca tenerla de aliada, tenderle una trampa y cuando parece que el poder está en sus manos, llega el señor Cristófanes para arrebatárselo y así, una vez más, la lucha de poderes vuelve a comenzar. La trama cíclica no tiene fin hasta que surge un elemento disruptivo, y después otro y otro más, lo cual genera la intriga permanente del público.

Alejandra Carpineti sorprende en la composición de esa niña que paradójicamente mezcla dulzura e inocencia con maldad y perversión. Una especie de infancia corrompida por el delirio de su padre y de las circunstancias a las que está sometida. La actriz asume el riesgo de la interpretación de tales características e inscribe en la gestualidad y los movimientos aquellas marcas necesarias para hacer de Lucrecia un personaje necesariamente ambiguo. Por su parte, Daniel Begino encarna al padre en una construcción acertada del personaje. Sin grandilocuencias, con gestos mínimos y presencia escénica el actor otorga monstruosidad a ese hombre de apariencia amable. Finalmente, Lala Mendía presta su cuerpo a la mujer correcta, educadora que es corrompida por lo siniestro de esa casa. Su apariencia física se somete a la debacle final de Adela mientras crece la dramaticidad con la que se tiñe la historia de esta mujer. Una excelente interpretación de la actriz.

La escenografía de Esquinas en el cielo es impecable. Predominantemente rosada –símbolo de femineidad e infancia- y con pocos y muy pequeños muebles, se acentúa la espacialidad reducida y agobiante. Una puerta prepondera en el escenario y, aunque también pequeña, magnifica el deseo de escapatoria. Todos los elementos en el espacio adquieren significación, producen metáforas y la posibilidad de crear la atmósfera del sometimiento y del peligro constante. El diseño de luces complementa la visión estética de esta pieza sin puntos débiles y con muchas imágenes que mostrar.

Esquinas en el cielo de Mariana Mazover

¿Quiénes? Alejandra Carpineti, Daniel Begino y Lala Mendía

¿Dónde? Teatro La Carpintería . Jean Jaures 858

¿Cuándo? Domingos 20 hs

¿Cuánto? $70 y $50

Calificación: buena

Vampiros, extraterrestres y zombies reciben a los espectadores. Nadie sabe muy bien qué pasa ni quiénes son esos seres extraños que conversan con el público y que se preparan para contar una historia. De repente, el artefacto teatral se activa y cada uno de los presentes ocupa su lugar. El público expectante se reconoce frente a una propuesta que, en principio, invita a una experiencia participativa, que corre los velos y permite vislumbrar el detrás de escena de una obra de teatro. La cuarta pared desaparece e instala una relación dialéctica entre espectador/actor, una cercanía que provoca cierta identificación. El resultado es una comedia de humor delirante.

Porca Prole se propone una instancia reflexiva en torno al vampirismo y a los modos de construcción de estos relatos de terror. La clave es la parodia que indudablemente posibilita pensar las formas en tanto se conoce el género a parodiar. En esta instancia, la puesta de  Gabriela Villalonga y Gabriel Virtuoso funciona ya que instala el humor.  Por otra parte, la reflexión aparece en la interpelación de otras disciplinas de las que se alimenta Porca Prole como el psicoanálisis y el cine de ciencia ficción: un joven carga en sus espaldas a su padre y sin poder despegarse de éste pareciera hablar a través de él incluso en su inconciente, una mujer se somete a una especie de sesión psiquiátrica en la que aparecen los sueños tanto de la paciente como del propio médico y un extraterrestre llega a la Tierra para salvar a la humanidad. La influencia de lo onírico, la práctica psicológica  y el cine catastrófico se ponen en evidencia tanto en éstas como en otras escenas de la obra.

Un elenco de ocho actores que cambian de un personaje a otro sin necesidad de ocultar la maquinaria produce la última de las reflexiones, la metateatral. “Sabemos que estamos en el teatro”, los actores lo dicen y hacen saber que, al fin de cuentas, experimentan con los espectadores lo cual lejos de intimidarlos resulta divertido.

Quiénes: Gabriel Virtuoso (dramaturgia), Enrique Porcellana, Melisa Melcer, Pablo Suárez, Esteban Ciarlo, Guillermo Ferraro, Luciana Procaccini, Luis Dartiguelongue y Pablo Guises (actores), Gabriela Villalonga y Gabriel Virtuoso (dirección).

Dónde: El tadrón – Niceto Vega 4802

Cuándo: Domingos a las 20 hs

Cuánto: $70

¿Por qué subir solos al escenario? Muchas respuestas se podrían aventurar pero lo más adecuado es pensar en el desafío actoral de quienes eligen ser los únicos e indiscutidos protagonistas de una historia. Más allá de la conjunción con el resto de los artistas que construyen un espectáculo teatral, la vocación, preparación y talento del actor  se ponen en evidencia sin posibilidad de esconder nada. Algunos salieron airosos, otros no tanto pero otros tantos, demostraron que el espacio teatral puede llenarse de sentidos con la sola presencia de un actor en relación con el público y que el resto de los elementos teatrales no vienen más que a aggiornar ese universo posible.

Paula Ransenberg y Roxana Berco, son dos actrices que se arriesgan. Si bien Berco no está sola en el escenario ya que la obra de Samuel Beckett, Los Días Felices, se construye a partir de dos personajes, cierto es que la protagonista es Winnie. Por su parte, Ransenberg en Para mí sos hermosa lleva a escena los personajes que ella misma creó y trasladó al papel. Ambas logran mantener cautivo al tiempo durante el transcurrir dramático sorprendiendo a cada instante por la solidez con que recrean cada situación y vivencia de los personajes que componen. En dos géneros completamente diferentes, las actrices merecen el protagonismo y el aplauso de los espectadores que abandonan la sala complacidos.

Los días Felices

Se trata de una de las obras emblemáticas del poeta y novelista irlandés, Samuel Beckett en la que transita un pensamiento filosófico sobre la existencia del ser y sus formas de ver el mundo ¿Cuál es la condición humana? podría ser una de las preguntas que disparan la trama de la obra. Beckett ha sido reconocido por llevar a escena las contradicciones del mundo moderno y quebrar cierta lógica de la representación ¿Qué sucede en escena? Es la segunda pregunta que habilita este autor, la respuesta resulta casi imposible porque nunca se descifra enteramente qué les pasa a esos personajes y sobre todo, qué esperan. Junto con Esperando a Godot y tantas otras, Los días felices esgrime esta lógica beckettiana. Una  mujer semi enterrada en la tierra -no se sabe dónde ni porqué- monologa sobre su vida, sus padeceres, sus aciertos, los momentos de felicidad y la irracionalidad de su actual situación. Mientras que la tierra sube, ella pasa el tiempo  hablando porque nada más puede hacer. La acompaña un ser extraño sobre el que poco se sabe, podría haber sido su esposo -aunque otras interpretaciones de la obra lo han resignificado-. Lo cierto es que para Winnie ese hombre es  lo único que tiene y a él interpelará constantemente.

La puesta de Lamberto Arévalo construye todo el simbolismo necesario para esta pieza de Beckett. Sin esos elementos la historia resultaría incompleta, vacía de los  sentidos y significados que el texto posibilita. En esa impactante escenografía todo está dispuesto para que Berco se luzca y así lo hace. El espacio se llena con su interpretación de Winnie. Imposibilitada de movimientos, la gestualidad y la voz son los elementos que resuenan entre las butacasy que cautivan al público.

Elenco: Roxana Berco y Eduardo Florio

Dirección General: Lamberto Arévalo

Calificación: buena

Dónde verla: Sportivo Teatral. Thames 1426

Cuándo: sábados 21 hs

Cuánto cuesta: $80

Para mi sos hermosa

Una vez más Paula Ransenberg sorprente gratamente. Ésta vez se luce no sólo como actriz sino también como dramaturga ya que cada uno de los personajes que interpreta fueron creados y llevados al papel por ella.

La historia es tragicomica. Un circo que viaja de pueblo en pueblo hasta que un infortunado truco del ilusionista estrella, Harry Vansky, tiñe de gris al elenco que se ve imposibilitado de continuar con el show. Una perfumista húngara, la mujer que desaparece, la femme fatal,  las hermanas siamesas son los artistas de esta compañía sumida en la tragedia. Se suman a este elenco, la viuda y la nieta de Vansky que llegan para despedirlo. Cada uno de esos personajes se relacionó con el ilusionista de maneras muy distintas, algunas lo quieren y otras lo odian pero a ninguna de estas mujeres le es indiferente y su partida las conmueve.

Todas estas mujeres son interpretadas por Ransenberg ¿Cómo lo hace? No lo sabemos pero lo cierto es que su trabajo es impecable lo cual le vale su reciente nominación al premio ACE en actuación unipersonal. La excelente composición dramática de cada una de estas mujeres, el pasaje sutil entre los personajes y una historia tan absurda como verosímil, tan triste como alegre construye un espectáculo tan densamente poblado de simbolismos, personajes dispares y disparatados que hace dudar que allí arriba del escenario haya una sola actriz. Esto no sólo demuestra el inmenso talento de Ransenberg sino también la mirada inteligente del director, Marcelo Nacci que construye una puesta en escena que otorga las herramientas para que el transitar de la actriz por los diferentes personajes sea con fluidez, sin que se vean los hilos, como un buen truco de magia. La escenografía instala a los espectadores en el circo y son parte de esa historia que no deja nunca de sorprender porque cuando parece que ya todo fue contado llega a escena  una nueva mujer, más alocada que la anterior y así la magia renueva.

Elenco: Paula Ranserberg

Dirección: Marcelo Nacci

Calificación: Muy buena

Dónde verla: Timbre 4. Avenida Boero 640

Cuándo: domingos a las 17 hs

Cuánto: $60 y $40 (estudiantes y jubilados)

Un clásico y una actriz que explora su pluma. Dos actrices en dos historias completamente diferentes pero ambas demuestran que subirse solos al escenario es tarea complicada y que se sortea airosa con la calidad artística de quienes saben qué quieren contar y cómo hacerlo. Dos oportunidades para no perderse y disfrutar.

Jorge Acebo es profesor y director de teatro. Estudió en el Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA) y en el Colegio Superior de Artes del Teatro y la Comunicación (COSATyC). Como actor se formó con Raúl Serrano, Alejandra Boero y Luciano Suardi, entre otros. Entre sus tantos trabajos autorales se destacan Solas no más (co-escrita con Javier Daulte y Matías Herrera), La felicidad según Mabel Riviere  y Cuando el tiempo está después recientemente estrenada.

¿Por qué elegís dirigir?

Dirigir es como “decir” y siento que tengo muchas cosas que quiero contar en el teatro. Es que además de ser director, soy autor, y me resulta muy tentador poder trabajar con lo que escribo. Lejos de un lugar de poder hegemónico, para mí, la tarea de la dirección tiene que ver con facilitar y coordinar la tarea de todos los que participan y aúnan sus criterios  para contar lo mismo en un espectáculo […] con el aporte que hace cada uno. 

¿Qué obra de teatro deseas poner en escena?

Me encantaría dirigir La vida es sueño, de Calderón de la Barca. Siento que es un trabajo tan auténtico como desgarrador. Es pasión pura. Igualmente, me gustaría hacerlo más adelante. En esta cuestión de querer contar historias de la que hablaba, me embarco en proyectos más personales. Y por este motivo decidí escribir una versión propia y contemporánea de La vida es sueño. Quizás dentro de un tiempo logre dirigir este increíble clásico. Uno nunca sabe…

¿Qué espectáculo recomendás ver?

La razón blindada porque es un material teatral muy nuestro que se mete con una historia tan triste y cruel como olvidada. Escrita por Arístides Vargas, que es uno de los grandes olvidados que tenemos en nuestro país, que se hizo reconocido en el exilio. Un trabajo de mucha poesía dirigido con la delicadeza de Florencia Suarez Bignoli e interpretado por Roberto Monzo y Daniel Begino.

Mariano Moro es director, dramaturgo y psicólogo oriundo de la ciudad de Mar del Plata. Fundó la compañía Los del verso. Debutó como autor y director en Matarás a tu madre, premiada con un Estrella de Mar en el 2000. Le siguieron Edipo y Yocasta, La suplente, Fraternidad, Azucena en cautiverio y Jesucristo, todas galardonadas. En la actualidad dirige Alfonsina y los hombres.

¿Por qué elegís dirigir?

Es mi modo de concretar fantasías y enriquecerlas en el camino, a través de los otros, de guiarlos y, a la vez, dejarlos irrumpir. Es una vía para conocer el mundo y soñarlo mejor, para conocerme y mejorarme, hasta donde la materia prima permite.

¿Qué obra de teatro deseas poner en escena?

¡Tantas! El gran teatro del mundo de Calderón de la Barca por el deseo de religar el teatro con la ceremonia sagrada, con la filosofía y la poesía. Por amor al autor, a su época y al idioma.

¿Qué espectáculo recomendás ver?

¿Con todo y tanto como hay? Tierra del fuego, de Mario Diament. Un Vania, versión de Marcelo Savignone. Hablemos a calzón quitado, en El Duende, conmovedor trabajo actoral de Ulises Pafundi.

Virginia Lombardo es actriz y directora. Estudió en el Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA). En cine realizó participó en Leopoldo Arregui, No place to hide y Frontera sur.  En teatro actuó en Juegos a la hora de la siesta, Hamlet y Azul Profundo, entre otras. También ha trabajado como actriz en televisión en El garante, Vulnerables y Maltratadas. Actualmente es directora de Interviú, El diván, Sueño de una noche de verano y Continente viril.

¿Por qué elegís dirigir?

Siempre me gusto dirigir y los alumnos me enseñaron. Es muy potente tener la noción completa del relato e ir hilvanando las situaciones hasta configurar el fino hilo de la trama, la ficción va sucediendo de a poco y -cuando funciona- el placer de ser una simple observadora es enorme.

¿Qué obra de teatro deseas poner en escena?

¡Un clásico! He tenido la suerte de hacer varios pero me encantaría volver a transitar ese camino. Se aprende un montón trabajando en un clásico y una de las cosas que más me gustan en esta profesión es aprender.

¿Qué espectáculo en cartel recomendás ver?

Podría recomendarles uno de los cuatro espectáculos que tengo en escena. Los cuatro me encantan y me expresan, pero lo mejor que he visto en el año es Emilia de Claudio Tolcachir. Ojalá llegue a esa hondura y perfección artística, como actriz y directora.

Recomendaciones:

Tierra del fuego de Mario Diament. Funciones: sábados a las 20hs en El Tinglado. Dirección: Mario Bravo 960.  Entrada: $120.

Un Vania versión de Marcelo Savignone. Funciones: sábados 22.30 hs en La Carpintería, Jean Jaures 858. Entrada:  $70

Hablemos a calzón quitado de Guillermo Gentile. Funciones: Sábados 22 hs y domingos 17 hs. Teatro El Duende, Aráoz 1469. Entrada: $ 70

Emilia de Claudio Tolcachir. Funciones: jueves 21 hs,  viernes y sábados 21 hs y 23.15 hs. Teatro Timbre 4, Boedo 640. Entrada general: $90

La razón blindada de Arístides Vargas. Funciones: sábados a las 22.30 hs en Andamio 90, Paraná 660. Entrada general: $70

Más datos:

Alfonsina y los hombres dirigida por Mariano Moro se presenta los martes a las 21 horas en el teatro El extranjero, Valentín Gómez 3378. La entrada es de $70.

Cuando el tiempo está después de Jorge Acebo se presenta los viernes a las 21.30 hs en el teatro Payró, San Martín 766. La entrada es de $70.

Continente Viril dirigida por Virginia Lombardo se presenta los viernes a las 21 horas en el Teatro Belisario, Av. Corrientes 1624. Entrada $ 70 // Interviú, los viernes a las 21:00 hs. en El Vitral, Rodríguez Peña 344 //El diván está los domingos a las 19 hs en el Centro Cultural Ricardo Rojas, Av. Corrientes 2038 //  Sueño de una noche de verano se presenta los sábados a las 19.15 hs en el teatrl El vitral en Rodriguez Peña 344. Entrada $60.

Frida Kahlo es  uno de los personajes más influyentes del mundo artístico del siglo XX. Su calidad y visión creativa trascendió la pintura e influenció a más de una disciplina. El teatro no está ni estuvo ajeno a su influencia razón suficiente para que un grupo de más de 35 actores, cantantes y bailarines suban a escena para representar la convulsionada vida y obra de la artista mexicana.

Frida, entre lo absurdo y lo fugaz pretende recrear en aproximadamente dos horas los episodios que marcaron la obra de Kahlo, aquellos que desgraciados o felices, la catapultaron a una fama inimaginable. En la temprana niñez la pintora contrajo poliomielitis, una afección que la dejó al borde de la muerte. Años más tarde, de regreso a su casa el autobús escolar en el que viajaba chocó con un tranvía. Kahlo sufrió múltiples quebraduras en su columna vertebral, en las piernas e incluso una grave lesión en su cadera que la dejaría imposibilitada de tener hijos.  El drástico episodio marcó la vida y obra de la pintora  quien siempre repetía que sus pinturas retrataban su propia realidad y el sufrimiento constante en el que vivía. Sin embargo, la historia de la artista no culmina en el padecimiento. A los 22 años se casó con el ya por entonces reconocido muralista mexicano, Diego Rivera, 20 años mayor que ella. Más allá de la pérdida de un embarazo, un divorcio de meses para volverse a casar en segundas nupcias y sucesivas infidelidades reciprocas, Kahlo y Rivera fueron inseparables. Tanto es así que muchas de las pinturas de la artista recrean la tumultuosa vida matrimonial con el muralista. En este sentido, separar la obra y vida de la artista ha sido imposible, incluso los críticos de arte han desestimado esta posibilidad ya que en sus retratos hay una permanente e inevitable autorreferencialidad.

Frida, entre lo absurdo y lo fugaz asume la responsabilidad y riesgo de llevar a escena la vida y obra de una artista con tantas aristas como interpretaciones posibles. Por una parte, el compromiso radica en el rigor histórico con el que debe tratarse la vida de Kahlo ya que más allá de lo artístico se ha convertido en mito y leyenda. En este sentido, la puesta de  Carla Liguori –en su doble rol de directora y protagonista- sortea airosamente lo que podría haber sido un primer obstáculo. Los episodios incluidos en el espectáculo son aquellos trascendentales de la vida de la pintora aunque claro estos no son abarcativos ni totalitarios. El recorte responde a un tiempo prudente de duración del espectáculo y en segundo termino, a una lógica de interpretación subjetiva por la cual se privilegian ciertas anécdotas y situaciones por sobre otras. De este modo, las sucesivas infidelidades de Rivera a Kahlo son narradas no así las de Kahlo a Rivera siendo contemplado únicamente el amorío que tuviera con León Trosky. Mito o leyenda, la historia cuenta que la artista mantuvo varios romances con otros hombres y mujeres mientras estaba casada con Rivera lo cual produjo en más de una oportunidad los celos desmedidos de su marido sobre todo por sus amoríos heterosexuales.

Pero este espectáculo elije hacer eje en las infidelidades del muralista y los celos de Kahlo. Por otra parte, el riesgo radica en la propia responsabilidad ya que la ambición de narrar por completo la vida y obra de la pintora desde su nacimiento hasta su muerte y hacerlo en sólo apenas dos horas, inevitablemente cae en la fragmentación poco conclusa sobre los hitos que marcaron la historia de la artista mexicana. El resultado es una interpretación lavada de Liguori  en la piel de la artista ya que no consigue por completo el carácter profundo y trágico que tiene cada palabra de Kahlo. Sólo se asoma al personaje en los momentos en que con su voz dulce, sumamente educada canta de una manera soberbia.

Por su parte, Ariel Leyra en el rol de Diego Rivera demuestra un poco más  oficio actoral en una interpretación ajustada en base a algunas características del pintor: su carácter prepotente, su marcada obesidad, la debilidad por las mujeres y el profundo amor y admiración a Kahlo.  Manuel Feito y Marisa Provenzano en el papel de  los padres de Kahlo logran los momentos más dramáticos del espectáculo. Feito compone un padre que se desvive por el bienestar de su hija, “la preferida” y que extraña y sufre su ausencia. La escena de su muerte y el posterior velatorio es una de las mejores escenas del espectáculo en tanto a la composición visual y la calidad artística de las interpretaciones en la que se destaca Candela Cibrián como Cristina Kahlo y Diana Amarilla como Matilde Kahlo. En cuanto a Provenzano despliega una calidad vocal magistral  por su registro soprano  demostrando una vez más su calidad actoral y trayectoria dentro de la comedia musical. El elenco se completa con 33 actores y bailarinas que articulan las escenas, generan ritmo y colorean las situaciones al mejor estilo mexicano.

El acierto de esta puesta radica en una clara impronta de los efectos visuales necesarios no sólo para mostrar fidedignamente la obra de Kahlo sino también porque ante el recorte temporal, la imagen une y condensa la historia en una búsqueda de salvar el espectáculo de la fragmentación.  La musicalización y las coreografías montadas terminan por configurar una comedia musical con todos los elementos de este género. Gran oportunidad para el público asiduo a los musicales.

Ficha Técnica:

Dirección General: Carla Liguori

Guión y letras: Carla Liguori y Javier Raffa

Musica: Carla Liguori y Agustin Konsol

Elenco: Carla Liguori, Ariel Leyra, Marisa Provenzano, Manuel Freito, Candela Cibrián, Diana Amarilla, Carolina Díaz Codesa, Javier Belay, Pilar Miori, José Luis Marinelli, Sabrina Artaza, Eugenia Encina, Carlos Miceli, Pamela Tello, Eduardo M. Blanco, Pato Chaneton, Juan Otero Ramos, Frorencia Bobandilla, Ma. Laura Moltoni, Ma. Belén Matoso, Sabrina Sequeira, Tamara Kovalchuk, Lucía Gerpe, Micaela Dinolfo, Christian Romano, Ricardo Sabbatini, Nicolás Leguizamón, Gracian Quiroga, Patricio Díaz, José Nualart, José Miguel Rodriguez, Carolina Martinez, Agustina Sol Brischetto, Darya Shara, Agustín Asteriti, Camila Gómez, Annelise Di Santo, Melina Peregal, Leandro Suarez y Aldana Queirolo.

Cuándo: lunes 20:30 hs

Dónde: Teatro La Comedia. Rodriguez Peña 1062

Cuánto: $100 – entrada general

“Durante muchos años pensé en abordar una obra sobre el conflicto palestino-israelí. Me parecía un tema trágico y actual, estrechamente vinculado a mis preocupaciones personales, pero más aun, un conflicto cuyas resonancias son universales. Esencialmente, lo veía como una historia de dos injusticias atrapadas en un circulo violento de acusaciones mutuas, donde la verdad oscila como péndulo, dependiendo de quién cuenta la historia”

Mario Diament

El director de teatro Daniel Marcove decide poner en escena una historia que en principio se ancla en la distancia temporal y espacial. Se trata de aquello que sucede en medio oriente desde inicios del siglo XX. Se suma a esta especie de condicionantes que el conflicto entre árabes e israelitas resulta complejo y de difícil comprensión. A lo largo de la historia, la lucha entre estos pueblos no ha cesado. Ambos esgrimen razones históricas y religiosas por las que consideran su derecho legitimo sobre el territorio en disputa, la tierra “santa y prometida” ¿Cómo sortear toda esta serie de condiciones previas y resultar una propuesta teatral de contundencia?

En principio, se podría decir que un texto construido con rigor histórico es garantía para el espectáculo. Sin lugar a dudas es un elemento importante pero resulta sumamente potenciador en tanto ese rigor histórico construye con maestría una neutralidad tan necesaria como difícil de lograr para comprender que en el fondo de la cuestión hay mucho más que razones religiosas. Mario Diament, autor de Tierra del Fuego evidencia un estudio historiográfico impecable y lo expresa en las individualidades, en la piel de quienes han sufrido y siguen sufriendo las consecuencias de un conflicto en el cual la diplomacia falló más de una vez.

Alejandra Darin en Yael, una azafata israelí que a sus 22 años fue víctima de un atentando en el avión en que viajaba. Como consecuencia del mismo falleció su mejor amiga. Veinte años después decide encontrarse con el autor del ataque, Jazán (Pepe Monje), detenido en una cárcel de Londres tras haber sido condenado a cadena perpetua.  Inspirada en un hecho real, Tierra del Fuego busca imaginar cómo fue ese encuentro entre Yulie Cohen y Fahad Mihyi, los verdaderos protagonistas de la historia.

¿Por qué visitar a quien quiso asesinarla? ¿Qué razones tuvo Mihyi para recibirla? ¿Qué sucedió cuando estuvieron frente a frente? Son algunos de los interrogantes que disparan la obra e intenta contestar. El resultado es la proximidad de comprensión de esas almas turbulentas, incomprendidas por un pasado demasiado cruel y un presente irracional que aun no puede redefinirse. “La paz de la que usted habla es diferente a la paz de la que nosotros hablamos”, sentencia Jazán y con ello esgrime la frase que ayuda a comprender por qué es tan difícil el fin de la guerra mientras que Yael intenta vislumbrar una salida. “Perdimos incontables oportunidades de hacer la paz”, afirma con la esperanza de un futuro reflexivo que no pierda más oportunidades.

Pero ellos no están solos. Juan Carlos Ricci interpreta al abogado de Jazán quien intenta convencer a Yael que firme una carta que podría contribuir a conseguir la libertad condicional de su defendido. Ricardo Merkin en el rol de esposo de Yael no puede comprender porqué visitar al asesino de su mejor amiga quien podría haberla matado a ella también. Tan grande es su incomprensión y el dolor que ello genera que decide alejarse en busca de recuperar la vida perdida. Por su parte, Elena Petraglia es la madre que no sólo no perdona ni olvida el asesinato de su hija sino que no acepta ni aceptará la visita de Yael a Jazán. “Estás loca”, le dice una y otra vez. En la búsqueda de evitar la culpa y autocomprenderse y justificarse, la protagonista de la historia visita a su padre interpretado por Miguel Jordán, éste vivió en carne propia la crueldad de la guerra, fue participe activo  y la sangre de las víctimas lo salpican. Yael no encuentra consuelo en sus palabras sino mayor confusión. Sólo puede asegurar  que de uno y otro lado sufren y mueren inocentes, algo que debería ser suficiente para dialogar, confraternizar con el otro, “enemigos” para algunos, “victimas como ellos” para otros.

Con un elenco de actuaciones sólidas que acentúan las tantas aristas que tienen cada personaje en su relación con la historia es que Tierra del fuego resulta un espectáculo contundente. Cada personaje se articula con los otros de modo tal que las dudas de unos son las certezas de otros al igual que las vivencias de unos son las tragedias de otros o, como dice Jazán, “la estrella de David es para nosotros lo que es la esvástica para ustedes”.

Esta intrincación se genera no sólo en la palabra sino también en la puesta en escena. Marcove recurre a construir un espacio completo en el que las escenas se suceden unas a otras sin cambios escénicos. El diseño y la puesta de luces junto con la musicalización  posibilitan transcurrir de una escena a otra prescindiendo de largos apagones lo cual mantiene la tensión y somete al espectador a una vigilia permanente. A su vez los actores nunca abandonan el escenario, están allí durante todo el espectáculo, sólo en las sombras cuando la trama cobra dimensión en el cuerpo de otros actores. De modo tal que ellos están sometidos a la misma tensión, a la misma vigilia y al asecho de lo que suceda, como en la guerra.

 La  dedicación y pasión que conlleva el teatro son factores ineludibles para los actores. Estas tres preguntas a estos tres artistas comprueban esto. Y, además, nos brindan su parecer sobre los personajes más interesantes y las mejores obras para ir a ver…

Paula Ransenberg es actriz, directora y docente de teatro. Formada en la escuela de Alejandra Boero, Juan Carlos Gené y en la Escuela Nacional de Arte dramático (ENAD). Algunos de sus últimos trabajos en teatro son: Sólo lo frágil con dirección de Luciana Dulitzky, El viento en un violín dirigida por Claudio Tolcachir y Un viaje de un largo día hacia la noche con dirección de Villanueva Cosseen. En cine participó en Infancia Clandestina, El último Elvis y Mentiras piadosas. Actualmente,  es la protagonista de Para mí sos hermosa, su segundo unipersonal después de su talentoso trabajo en Sólo lo Frágil. Se presenta los domingos a las 17hs en el teatro Timbre 4, Boedo 640. La entrada es de $ 60  y $40 para estudiantes y jubilados.

¿Por qué sos actriz?

Porque la vida ficticia es más intensa que la real y porque en el escenario puedo vivir todas las vidas que quiera.

Si tuvieras que elegir un personaje de teatro ¿Cuál sería? ¿Por qué?