Florencia Peña es una actriz camaleónica. Puede ser Moni Argento en Casados con Hijos, Flor Finkel en La Niñera,  desplegar su sensualidad en Disputas y su destreza en Bailando por un sueño. Pero además, puede reinventarse una vez más y sorprender en Vale Todo, la adaptación del exitoso musical de Broadway, Anything Goes.

La producción de Javier Faroni, que subió el telón en el teatro El Nacional, dejó al público impactado con la composición de coreografías, a cargo de Vanesa García Millán y Rodrigo Cristófaro, y grandes cuadros de primer nivel. 

En su estreno, la obra, creada originalmente por Cole Porter en 1934, cumplió con todas las expectativas de un gran musical: 35 artistas en escenas, 12 músicos en una orquesta en vivo y una interesante puesta escenográfica resuelta en dos partes, una para cada acto.

Las impecables interpretaciones de Diego Ramos y Enrique Pinti resultaron garantía cumplida de un show con un ritmo imparable que deja atrapado al espectador en su butaca. Junto a Florencia Peña, en el papel de la cantante Reno Sweeney, se emprenden en un viaje en un crucero de Nueva York a Londres, en el que transcurre un entretenido enredo romántico.

La historia se desata cuando el asesor de un empresario, Billy Crocker (Ramos), termina como polizón arriba de la embarcación persiguiendo un amor imposible, Hope Harcourt (Josefina Scaglione), quien está por casarse por el extraño millonario Lord Evelyn Oakleigh (Martín Salazar).

Reno (Florencia Peña), que está encantada por Billy, y el malhechor Moonface (Enrique Pinti), que se hace pasar por un sacerdote, harán todo por ayudar al joven a conquistar a la chica de sus sueños.

En los cuadros musicales es en donde Florencia logra lucirse como una gran bailarina, con mucha elegancia y simpatía disfruta de cada moviendo en las tablas, acompañada por eximios bailarines, se gana los aplausos por un desempeño coreográfico digno de ver.

Qué decir de Enrique Pinti, con un humor  que aparece en los momentos claves de la obra y fiel a su estilo, con algunos guiños a frases que signan su trayectoria. Es que se percibe en el guión la gran libertad de los actores a darle su impronta a los personajes.

De Ramos, en tanto, debemos destacar su presencia escénica, que no pasa desapercibida. Es su versatilidad actoral lo que le permite afrontar un papel con colores muy distintos durante toda la puesta: romántico, melancólico, pasional, misterioso, divertido y exaltado.

Un espacio aparte se merece Sofía Pachano, como la atrevida Erma, que sin dudas se convertirá en la revelación de la temporada. Su gracia, su histrionismo, su disfrute, salen del escenario, y su talento para el baile termina siendo notable.

Noralih Gago, Leo Bosio, la participación especial de Roberto Catarineu, Mariano Muso, Fernando Avalle, Ezequiel Carrone, Victoria Barnfather, Romina Cecchettini, Carla Lanzi, Ana Laura López, Mara Moyano, Flavia Pereda, Mariano Botinardi, Rodrigo Cesere, Pedro Frías, Marcos Gorosito, Mauricio Camuglia y Nicolás Villalba, completan el talentoso elenco de Vale Todo.

El espectáculo, que en nuestro país fue versionando por Fernando Masllorens y Federico González Del Pino, se presentará de miércoles a domingos en El Nacional y es una de las propuestas que resaltan la oferta teatral de la avenida Corrientes.

Por Damián A. Blanco

@damialeblanco

Anoche tuve la oportunidad de ver, en Calle Corrientes, el estreno de la versión argentina del musical de Los Locos Addams, protagonizado por el “Puma” Goity, Julieta Díaz, Laura Esquivel y Santiago Ríos, entre otros. Y hasta me di el gusto de ir con mis hijos de 7 años, quienes se sorprendieron con los personajes, como me pasaba a mí a la edad de ellos.

El espectáculo tiene mucho humor, música, y una gran puesta en escena, sin contar el aporte que entrega la orquesta en vivo. Más allá del guión original, la obra aporta diversos “chistecitos” locales, como por ejemplo el peluquín de Silvio Soldán, y nuevas costumbres, como el excesivo uso de Facebook en los chicos.

Julieta Díaz y  el “Puma” Goity se lucen con sus divertidas actuaciones y hasta entonan casi a la perfección sus momentos musicales. Sin embargo en esta materia saca ventaja Laura Esquivel, que logra levantar al público cada vez que lanza alguno de sus agudos, con la voz angelical que la hizo sobresalir en aquel 30 segundos de fama de ShowMatch y que la llevó a protagonizar Patito feo.

El resto del elenco también tiene una destacada participación, como cuando Santiago Ríos, vuela sobre el escenario para demostrarle todo su amor a la luna. Incluso “Dedos” y el “Tío Cosa”, que apenas aparecen unos segundos, también logran despertar risas entre el público.

Durante todo el desarrollo del musical se pone en duda quiénes son los normales y quiénes los distintos. ¿Acaso es normal el que vive fingiendo?, ¿o lo es quien vive con total normalidad su “locura”? .

Es cierto que los Addams son extraños, oscuros, amantes de la muerte y de los monstruos, pero aún así se hacen querer y demuestran que viven un amor verdadero. En contraposición de la familia Beineke, que parece carecer de afectos.

Un gran espectáculo, para recomendar, tanto a los nostálgicos como para quienes nunca vieron nada de Los Locos Addams. Eso sí, vayan practicando el chasquido de dedos, es fundamental para acompañar la famosa cortina musical.

Ariel Wolman
@arielwolman

La salida de Random Access Memories, el cuarto disco de los franceses Daft Punk, fue inflada por unos cuantos fakes, “adelantos” que entregaron a cuentagotas entre la TV y en festivales, y las palabras de los colaboradores sobre cómo fue trabajar con la dupla en una serie de videos web. La dupla se dio el gusto de tener como socios a Giorgio Moroder -pieza clave de la música disco y colaborador de Donna Summer- en “Giorgio by Moroder” donde cuenta cómo fue conociendo la música electrónica, Nile Rodgers -guitarrista de Chic, responsable de “Le Freak”, por ejemplo- en tres canciones -entre ellas “Get Lucky”, postulado para “Tema del Año”-, y Paul Williams -cantautor de algunos éxitos para el cine que traspasaron la pantalla- en “Touch” y “Beyond”. También tienen a dos clase 78: Julián Casablancas de The Strokes en “Instant Crush” y Panda Bear en “Doin’ it right” más el pianista Chilly Gonzales en “Within”. Además, en “Fragments of Time” se reencuentran con Todd Edwards después de “Face to Face” de Discovery.

En uno de esos videos de la serie The Collaborators, Gonzales dice “se requiere un gran director de cine como Daft Punk para usar la persona correcta”, frase que podría calzar para lo que pasó en Random Access Memories. Thomas Banghalter y Guy-Manuel de Homen-Christo tomaron lo que más necesitaba de cada uno. Un solo de piano para acompañar una crisis personal de una tarde lluviosa de domingo en el caso de Gonzales, un Julian Casablancas auténtico con guitarra incluida para un tema que parece una toma que quedó afuera de Comedown Machine, el último disco de su banda, o en Paul Williams dos letras que transmitieran los sentimientos de dos robots que decidieron abandonar los sampleos, entregarse a un disco hecho con músicos y dejar las máquinas guardadas. Sólo en “Contact” usaron una parte de una banda australiana de la década del 80 y un audio del Capitán Eugene Cerran desde el Apollo 17 en una misión de la NASA. Y obvio, hay vocoder y mucho espíritu androide. Es un disco largo (más de 70 minutos). Sus primeros dos discos, los que cosecharon mejores críticas, están cerca de esa duración.

Blanco o negro. Lo amás o lo odiás. “Mejor disco del año” o “el álbum más sobrevalorado de 2013”. El lanzamiento de Random Access Memories de los franceses Daft Punk generó lo mismo que algunos temas que calientan a la sociedad y en el que inevitablemente debe tomarse partido por un lado. Parece que no hay lugar para los grises. Mucho menos para los tibios. ¿Daft Punk o Muerte? No es para tanto.

Por @emiliozava

No soy de las que elige esas obras que “te hacen pensar”. Pero Love, love, love me fascinó y no sólo porque “me hizo pensar”, sino porque me llevó a recapacitar sobre cuestiones personales y a promover cambios en mi vida, que no vienen al caso contarles en esta nota.

Prefiero explicarles por qué recomiendo que vean esta obra que se presenta en el Multiteatro y que cuenta con actuaciones realmente maravillosas. Porque sólo artistas “con mucho escenario encima” podrían cumplir estos roles y hacer tres personajes (el mismo en tres edades diferentes) que resulten creíbles, queribles y odiados a la vez.

Tengo que destacar a Gabriela Toscano, una actriz de más de cuarenta años de trayectoria, que se luce en el rol de Sandra, una mujer que a sus 19 años y a fines de la década del ’60 es una exponente de la vida hippie en Londres, una luchadora por los ideales femeninos y por la libertad, que se permite consumir drogas y tener sexo con quien quiera.

Sandra deja a Leo (Martín Slipak) para comenzar una aventura con el hermano de su novio, Daniel, interpretado por Fabián Vena, quien logra un personaje extraordinario, tan hippie como Sandra y con los mismos ideales.

Sin embargo, la edad, la sociedad y, posiblemente, el qué dirán, los llevan a cambiar de rumbo y comenzar juntos una “vida común y corriente”, en la cual no son felices, pero trabajan a diario y siguen adelante sin acordarse de esos ideales que un día los unieron.

Es ahí cuando el público, totalmente cómplice de la historia, seguramente piensa -al menos es lo que me dijeron algunos espectadores con los que pude hablar luego de la función- en lo que cada uno deja de lado por seguir los mandatos que impone la sociedad.

Y esta obra, dirigida por Carlos Rivas, pero creada por el multipremiado Mike Bartlett, muestra de la manera más cruda como, a pesar de tratar tener “una vida como la de todos”, muy en el fondo pesa la personalidad de cada uno y cuesta hacernos responsables de algo cuando no es realmente lo que queremos.

En este caso, Sandra y Dani muestran lo poco preparados que estaban para ser padres. Sin embargo tuvieron dos hijos, Rosi (Vanesa González) y Teo (Santiago Magariños), ambos víctimas de tener que vivir en un hogar totalmente disfuncional, en el cual los padres no los escuchan, no les prestan atención, son infieles y sobre todo, infelices.

En la tercera y última parte de la obra, con los niños ya adultos y los padres en edad de jubilación, por un pedido de Rosi, que a los 37 años está soltera, con un trabajo que no le deja dinero, sin casa y sin auto, la familia se vuelve a unir para nuevamente no escuchar el reclamo de su hija, que pretende que sus padres abandonen sus comodidades y le compren una casa.

En ese encuentro, Sandra y Dani descubren que nunca dejaron de quererse y que nunca es tarde para volver a las raíces. Con el tema All You Need Is Love, de Los Beatles, el mismo que escucharon en su primera cita, se reconcilian y se proponen vivir todo aquello que no disfrutaron, dejando como moraleja que es preferible seguir adelante con los ideales, aunque nunca es tarde para acordarse de qué es realmente lo que nos mueve en la vida.

http://youtu.be/zLGWyfGk_LU

Por Natalí Harari
@NatiHarari

Como pasó en su visita a Buenos Aires cuando tocaron en el Personal Fest 2009, Pet Shop Boys volvió a entregar un show con un alto contenido escénico en el Luna Park. Esta vez no hubo muro de cubos ni cabezas de cubo. Diseñado por Ed Davlin (que trabajó en varias ocasiones con la dupla británica), el escenario y el área de trabajo de Chris Lowe estuvo marcado por circuitos electrónicos. También hubo lugar para los trajes negros con tubitos plásticos con los que aparecieron en el escenario en el comienzo del recital, calaveras de toros, trajes con pompones metalizados, trajes flúo, camas verticales, o sombreros con los espejitos de una bola de boliche. Una vez más, ver a los PSB fue una experiencia teatral de la que muchos coreógrafos van a robar números para incorporar en las obras o teatros de revista del próximo verano.

Crédito: Rodrigo Pucheu

El puntapié fue con “Axis”, una de las canciones que pertenecen a Electric, el disco que tienen listo para editar. Cantando detrás de un telón que funcionó de pantalla, Neil Tennant y Lowe mantuvieron el misterio por minutos. Luego interpretaron “One More Chance” de Actually (1987) y “A Face Like That” de Elysium (2012) en un viaje que unió casi treinta años de carrera.

Tennant se calzó una de las máscaras de calavera de toro y recién para “Suburbia” volvió a dar la cara.  Después de la explosión de uno de los hits del dúo británico, llegó la calma de “I’m Not Scared” e “Invisible”, acompañados con unos lasers hipnóticos que apuntaron a cada rincón de un Luna Park repleto.

El público no esperaba que para “Love Etc” los británicos aparecieran dentro de dos camas en las que se proyectaban sus cuerpos hiperquinéticos. La muestra de asombro de todos quedó resumida en un “¡Wow!” multitudinario cuando los plomos de la banda los ubicaron en su lugar.

PSB dejó toda la artillería pesada para el final. “It’s a Sin”, ultra bailable con un bajo distorsionado, empezó a calentar  con movimiento los cuerpos que minutos después iban a enfrentar el frío de la noche. “Domino Dancing”, “Go West” y “Always on my mind”, temas son capaces de mover cualquier dancefloor (¿Quién no los bailó aunque sea una vez?), empezaron a cerrar el show entre papelitos y el canto de “¡Pet Shop Boys! ¡Pet Shop Boys!” de la gente.

Los bises fueron con “West End Girls” y “Vocal”, otro de los temas que estará en el nuevo álbum, fueron el cierre perfecto de la noche: el revisionismo histórico no está en los planes de Pet Shop Boys cuando salen de gira.

Por @emiliozava

Pero ayer me tocó el gran desafío: verla en teatro, en vivo, y con actores de nuestro país. La obra, que se presenta en el Metropolitan City, está protagonizada por Oscar Martínez, Rodrigo de la Serna, Verónica Pelaccini, Jorge Priano, Ana Fontán, Juan Carrasco, Guido Botto, Diego Jaraz, León Bara, Gerardo Chendo y Paula Trucchi. La dirección es de Javier Daulte y la versión es de Fernando Masllorens y Federico González del Pino. Pasados los créditos correspondientes, les cuento qué me pareció.

Durante dos horas el espectador está metido en un gran escenario con forma de piano que se transforma permanentemente y que permite el ingreso de personajes, no sólo arriba del escenario, sino a lo alto y al costado. Las voces aparecen por todas partes y el campo visual se multiplica. De esta manera se aprovecha de manera perfecta, aunque sin demasiadas pretenciosas en lo escenográfico, todo el espacio para contar la historia, que sucede en casas, teatros y castillos.

Ante todo hay que decir que Oscar Martínez se luce durante todo el espectáculo, contando con pasión toda la vida de su personaje: Antonio Salieri, el “malo” de la película, el hombre que sufrió por las virtudes musicales de Mozart. Su relato comienza en la vejez, pero lo va llevando a su adolescencia, sus momentos de gloria y el “fin de su vida”, cuando conoce al joven Wolfgang Amadeus. Me pareció que su personaje es más despiadado que el que compuso F. Murray Abraham, ganador del Oscar y del Globo de Oro al Mejor Actor por su trabajo en el film, pero en ambos casos quedan claros los sentimientos de celos, envidia, odio y vergüenza que sufre su Salieri.

Por su parte Rodrigo de la Serna cumple también a la perfección el dificil trabajo de intrepretar a Mozart, con toda su desfachatez y su virtuosismo. Él es quien se encarga de ponerle un toque de comicidad a una historia que habla de miserias, locura y muerte. Me quedé con las ganas de que se ría como Tom Hulce en el film, con esa risa contagiosa, ridícula y hasta casi inocencia, pero realizada por un genio que no conocía los límites.

También quiero destacar el trabajo de Verónica Pelaccini, quien interpreta a Constance, la esposa detrás del talentoso músico. Una “mujer cualquiera” que está dispuesta a hacer hasta lo que no desea con tal de salvar a su familia de la miseria. por au parte Ana Fontán tiene pequeños espacios en los que logra demostrar todas sus dotes como cantante, en un contexto de música clásica.

Salí del teatro encantado. Durante 120 minutos estuve en Viena, en el 1800, viendo cómo un compositor transformaba su gloriosa vida en un infierno por el solo hecho de conocer a un joven músico con el talento que él nunca iba a tener.

Vayan a ver la obra, no se van a arrepentir.

Ariel Wolman
@arielwolman

Pocas veces me pasa de ir a ver un espectáculo sin saber previamente de qué se trata. Pero esta vez presentía que no podía fallar. Me constaba que las cuatro actrices (Adriana Salonia, Goly Turilli, Patricia Viggiano y Viviana Sáez) que protagonizan la obra del autor uruguayo Andrés Tulipano son brillantes y, sinceramente, quería ver qué tal resultaba Osvaldo Laport como director.

Después de ver la obra en el teatro Chacarerean me fui haciendo algo que no siempre hago: empecé a recomendarle a todos los que se me cruzaban que no se perdieran esta desopilante comedia que habla sobre un encuentro entre cuatro mujeres de más de cuarenta años, con vidas diferentes, historias sobre exilio, lesbianismo, relaciones con hombres más jóvenes e inconformismo en el matrimonio, entre otras cosas.

En definitiva, habla de confesiones que salen a la luz en una noche de festejo, donde no faltan el alcohol, la marihuana, la danza y hasta el canto.

Porque estas actrices se animan a todo y lo hacen muy bien. Te llevan a querer acompañarlas con una sonrisa y hasta, en el momento menos pensado, son capaces de generar el clima para la emoción.

Como dije, lo primero que hice fue recomendarla, pero, ya que estoy dando mi opinión, diría que es una opción ideal para una salida con amigas. Si bien son “chicas de cuarenta”, como les gusta que las llamen, las charlas bien podrían identificar a todas aquellas que con amigas hablamos de los temas más privados, especialmente de hombres, sexo y convivencia.

Una comedia colorida con una visión muy femenina de la realidad, algo que un sex symbol como Laport, demuestra tener muy en claro, tras 34 años en pareja con Viviana Sáez y luego de conquistar a las argentinas con sus personajes en las telenovelas.

Es un hallazgo para todas las que nos sabemos de memoria varios de los capítulos de Sex and The City, o nos emocionamos cuando vemos, una vez más, El club de las divorciadas.

Son mujeres que cuentan sus frustraciones, pero sobre todas las cosas, recuerdan los viejos tiempos, las alegrías compartidas en la década del ’80, al ritmo de la música del momento, celebran la amistad y la valoran, tengan la edad que sea.

http://www.youtube.com/watch?v=mk1BUb4TqOc

Por Natalí Harari
@NatiHarari

Si tuviera que resumir en una frase lo que sentí cuando vi esta obra teatral, diría que me reí desde que me senté en la butaca del Teatro Del Cubo, hasta que terminó la función con la pegadiza “Cumbia de Román”.

Chicos Católicos es un espectáculo de lo más divertido, una parodia sobre la religión y sobre los miedos y dudas que surgen ante la toma de la comunión, temas muy en boga en estos días, especialmente desde que fue elegido Jorge Bergoglio para ser el nuevo Papa.

Sin embargo, esta obra va más allá de la actualidad y de la religión porque no es nueva, se presenta desde fines de 2010 y con gran éxito.

Chicos Católicos es la mezcla perfecta de humor religioso con actuaciones brillantes y voces que hacen reír, hasta con ruidos, sin siquiera pronunciar palabras. Los gestos y las personificaciones de cada uno provocan que el público estalle de risa con cada frase.

Se destacan las actuaciones de Darío Barassi y Nicolás Maiqués, en los roles del chico gordo y del gay, respectivamente, burlándose en todo momento de sí mismos y llevando al extremo a sus personajes situados en una escuela católica privada, donde sufren constantemente la discriminación.

Si bien algunos chistes e insinuaciones son fuertes, reflejan lo que realmente pasa “en los mejores colegios” y hasta proponen un viaje a la infancia, recordando las bromas de los compañeros de curso y el deseo de interiorizarse más sobre temas como la religión o el sexo en una edad donde, a veces, los adultos generan más incertidumbres que respuestas.

Esta obra dirigida por Carlos Kaspar cuenta además con las interpretaciones de Juan Manuel Guilera, Juan Paya y Emanuel Arias, todos a tono con un espectáculo que no por nada se presenta hace mucho tiempo (ahora en el Teatro Del Cubo, los jueves, a las 21:30 y viernes y sábados, a las 22:30) y hasta tiene en carpeta la idea de hacer una película.

Por Natalí Harari

@NatiHarari

Los actores no hacen escándalos en televisión, no tienen videos hot en la web y prácticamente no hay carteles en la calle anunciando en qué teatro están. Sin embargo ellos no lo necesitan, porque los espectadores, que noche a noche llenan todas las funciones en el Multiteatro, suelen recomendarles el espectáculo a todos sus conocidos. Y los resultados están a la vista.

La obra cuenta la historia de seis pacientes que sufren distintos trastornos obsesivos compulsivos, en tono de comedia. Por momentos uno se siente raro riéndose de los problemas que sufren estas personas, pero lo que busca precisamente Toc Toc es mostrar toda la ternura y el amor de estos personajes, a pesar de sus padecimientos y sus miedos, y la forma en que los demás los miran y los juzgan.

Daniel Casablanca es quien de alguna manera lleva el hilo de la trama. El actor, docente, director e integrante de la “Los Macocos” desafía permanentemente a sus repentinos compañeros  de grupo sin darse cuenta, o sin querer hacerlo, que él también sufre un trastorno.

Mauricio Dayub es quien tiene el personaje más curioso de la obra y genera carcajadas en cada una de sus intervenciones, ya que sufre del síndrome de Tourette, por el cual se la pasa insultando a la gente, y Coprolalia, que es la compulsión de emitir sonidos raros o inentendibles. María Fiorentino, Eugenia Guerty y Melina Petriella tienen diversos trastornos y cumplen a la perfección en cada una de sus intervenciones, mientras que Diego Gentile debe agregarle a su relato mucha exposición física. Todos ellos arman una sala de espera desopilante que asegura risas al por mayor. Finalmente Jorgelina Vera interpreta a la secretaria del consultorio, un personaje más pequeño pero fundamental para la historia.

Es cierto que durante casi dos horas nos reímos de gente que la está pasando mal, de personas que tienen problemas psíquicos que, en algunos casos, pueden llegar a ser incurables. Pero el mensaje final le deja al espectador, y hasta a quienes sufren esos padecimientos, una esperanza y una enseñanza. ¿Cuál?. Mejor ver la obra. Yo también soy uno de los que la recomienda, y mucho.

Ariel Wolman
@arielwolman